My Own Private Idaho

My Own Private Idaho
(Gus Van Sant, 1991)

(Volví a dejar abandonado el blog por meses, esperando una disculpa de ese minúsculo grupo de personas que lee lo que siento, pienso, recuerdo y etc. al ver películas. Vuelvo a repetir, no es que deje de ver películas en esos tiempo que me alejo del blog. Las películas forman parte importante de mí, y por alguna razón cuando me siento emocionalmente inestable, me impido a mí mismo ver películas, por alguna razón me senté hoy delante de una película bella y quería compartirlo.)

Gus Van Sant es uno de los pocos directores en USA capaz de reinventar su carrera y su forma de hacer cine, afortunadamente el camino elegido por Van Sant es aquel que me gusta transitar más.
El año 2003 Van Sant sorprendió al jurado del festival de Cannes con su experimental film Elephant, para la cual ya había tenido un borrador en Gerry, consolidado en Last Days y finalmente reformado en esa bella película llamada Paranoid Park. Es debido a Paranoid Park que vuelvo a Gus Van Sant pero en vez de hacer un post sobre esta última, se me ocurrió volver a mi película favorita del director, My Own Private Idaho.


Nar-co-lep-sia : Enfermedad caracterizada por breves ataques de sueño profundo.

Encuentro el mismo motivo en el cine de Van Sant, al presentar esos escapes que tiene el protagonista de Paranoid Park para huir de la horrible realidad, imaginando ese lugar en el cual uno puede ser feliz; cuando lo mismo hace Mike con Idaho, su Idaho privado.


Mike Waters (River Phoenix) es el hijo de su hermano, su madre sufre de problemas mentales los cuales llega a heredar nuestro joven protagonista, y para sobrevivir vende su sexo especialmente a hombres, porque debido a su enfermerdad (Narcolepsia) cada vez que se estresa con pensamientos de su mamá o algo que la recuerde a ella, cae profundamente dormido.

Es entonces que nuestro joven / adolescente héroe es un homosexual que vende su cuerpo por dinero, es inolvidable la primera escena en la que vemos a Mike en una "cita" luego de que le hagan sexo oral, le avientan 20 dólares. Inolvidable.


Como siempre pienso, en las manos equivocadas esta historia sería de lo mas escandalosa, chillona o dramática, pero debido al pulso de Gus Van Sant, presenciamos una surrealista historia en la que el director toca sus temas yugulares, la homosexualidad y la adolescencia.

La historia aconcete en esa Norteamérica perfecta en la que los hogares rotos dejan niños confundidos y algunas personas se aprovechan de éstos sexualmente, la vida de nuestros protagonistas tiene su lugar las calles de Seattle y Portland, frías ciudades en las que los adolescentes aprenden más de amantes que de la escuela.
Gus Van Sant hace también denuncia con algunas escenas al estilo documental, en la cual los adolescentes que venden su sexo en la calle cuentan experiencias horribles que les ocurrieron en las "citas".


Todas estas capas que tiene la película tiene como tema casi principal la búsqueda del hogar, sin hablar del hogar como un lugar en el cual se come y se duerme, si no de un estado mental en el que uno obtiene paz y tranquilidad, por más horribles cosas que estén pasando afuera. La búsqueda inicial de este hogar se formaliza cuando Mike indaga sobre el paradero de su madre, encontrando el amor en Scott Favor (Keanu Reeves) el cual es el hijo de un alcalde, que debido a que no es tan grande como él y por la presión sobre sus jóvenes hombros, decide dedicarse a esa vida mundana, pero Scott tiene una regla, nunca tener sexo con hombres sin que le paguen por ello.


Scott acompaña a Mike en la búsqueda de su madre, Mike encuentra el hogar en Scott, pero Scott no lo ama. En una de las escenas más conmovedoras de la película, Mike le confiesa su amor a Scott, a lo cuál él responde : "Yo sólo tengo sexo con un hombre por dinero" y Mike contesta: "Está bien, yo no sé, quiero decir, para mí, yo podría amar a alguien incluso si no me pagaran para ello. Yo te amo y tú no me pagas."
Scott encuentra el amor en una mujer, vuelve a su vida aristocrática y obtiene la herencia de su padre, al regresar como el hijo pródigo. Scott es quien ha cuidado de Mike en toda la película, es cuando éste se va que Mike pierde totalmente su "hogar". El final es algo totalmente agridulce, Mike continúa de viajero, pero en la última escena de la película le roban su maleta y sus zapatos, un conductor se detiene en la pista y lo sube a su auto, es con esta escena que termina la película, dejándonos demasiadas posibilidades, cada una más triste que la otra, Scott recoge a Mike?, es el alemán quien recoge a Mike?, es su papá?.
Esa toma panorámica nos impide saber con certeza el final.


Debido a esta trama tan oscura es que la fotografía es una de las más bellas que recuerde, es que en My Own Private Idaho, los colores llenan la pantalla, haciendo de la película un caramelo con sabor amargo. Retratando esa colorida época que fueron los 90's.

Finalmente hay dos genialidades en esta película, la primera es una escena dentro de una tienda de revistas pornográficas en la cual conocemos la actitud de Scott, precisamente en la portada de una revista.


La última y algo que me llama mucho la atención, son las escenas de sexo, son fotografías vivas inmóviles que describen una relación sexual en minutos, no se las mostraré proque destrozaría la magia de las escenas inmaculadas, que no ocurren más de segundos, pero que para su servidor, es una de las mejores escenas de sexo del cine, conjuntamente con la de Paranoid Park.

Como punto final, terminaré por donde empecé, Gus Van Sant ha reinventado su carrera, pero en sabe a todo lo que había experimentado en todas sus películas, pero tiene también películas demasiado abiertas al público como son: To die for, Good Will Hunting, Finding Forrester y probablemente Milk, al decir demasiado abiertas al público quiero decir mainstream, películas sin riesgo. Si alguien quisiera navegar en la filmografía de este delicado director, recomendaría ir por las demás películas antes de las mencionadas en esta parte final.

Lost Highway

LOST HIGHWAY
(David Lynch, 1997)

Antes que nada quisiera disculparme por desaparecer de la blogosfera, han sido dos meses sin ningún post y no es que haya dejado de ver películas sino que puse mi mente en escribir una historia que probablemente se convierta en un proyecto serio, ya los tendré más informados.

Cuando escojo una película para escribir sobre ella, escojo de entre mis directores favoritos la película más representativa o la que más me gusta, en este caso para hablar de David Lynch escojo una de sus obras menos comprendidas, porque tiene demasiadas cosas interesantes y requiere un gran esfuerzo mental.

Antes de empezar con la película en sí, quisiera empezar con David Lynch porque apreciar el genio de este AUTOR me costó tiempo (escribo autor con mayúsculas porque Lynch sí merece ser llamado como tal, así como también Burton no lo merece) desde aquel primer visionado que le diera a Blue Velvet, en el cual quedé un poco desencantado, por el hecho de que no conocía demasiado cine y entrar en la mente de David Lynch, puede resultar algo traumático si no se está preparado, así que preferí no profundizar en los caminos que Lynch me propuso en esta primera incursión.

Luego de esta travesía, visité nuevamente la mente de Lynch con The Elephant Man, excelente película que demuestra cómo un director puede mantener su estatus de autor, además de cumplir con una película de encargo que contaba algo no salido de la mente de Lynch (otra más Burton) finalmente entré de lleno con Eraserhead, la cual era una fábula totalmente Lynchiana arrancada de una mente genial. Ya me había fascinado el contenido y la forma de sus obras.
Luego llegarían a mí Mulholland Dr. , Lost Highway, Wild at Heart y Inland Empire.
Mulholland Dr. y Inland Empire son obras aclamadas que prueban la agudeza e inteligencia de este director, pintor, compositor, fotógrafo, escultor, diseñador, etc.

Pero con los puños cerrados transmito a ustedes mi incomodidad luego de haber repetido mi visionado de Lost Highway tres veces en la misma semana, porque es una obra maestra. La historia está contada a través de la mente de un psicópata que nos dice en sus propias palabras: "Me gusta recordar las cosas a mi manera. Eso es como las recuerdo. No necesariamente como pasaron."

Entonces de aquí nace la premisa para que dependa de nosotros tomar como parcialmente verdaderas algunas de las escenas que se nos muestran, además que se nos muestran en desorden, teniendo en consideración que la historia se nos muestra en la mente del psicópata que oculta la verdad de un crimen que ha cometido, en su mente personifica sus sentimientos y les da un rostro, nos cuenta su historia con otra historia en la cual él no es el protagonista, y cambia los hechos para sentirse bien. Algo complicado de explicar pero glorificante de ver.

No voy a contarles la historia, porque desde mi punto de vista, pasó de una manera y por lo que he leído sobre esta película, hay demasiados puntos de vista, tantos detalles para tener en cuenta al momento de verla, para colmo David Lynch nunca revela el sentido de sus obras porque su manera de decir las cosas difiere en todos nosotros y ahí está el gusto, la magia; no recae en una verborrea reiterativa en la que algunas películas explican lo ya explicado. A Lynch le gusta contar las cosas de manera simbólica, si ves una lámpara roja, una luz azul, un teléfono negro, entonces preocúpate, algo un poco más complejo es que si un matón tiene miedo en tus sueños es en que en la realidad tú mismo tienes miedo del matón.


Una de las teorías que he leído y ustedes pueden encontrar aquí, es que todo lo que ocurre en la primera parte de la película que comienza con Fred fumando un cigarro en su cuarto, el timbre del intercomunicador suena y él se acerca, atrás en su cuarto se ve algo que podrían ser sábanas ensangrentadas, alguien dice al otro lado: Dick Laurent está muerto.


La primera parte de la película es "recordada" por Fred (Bill Pullman) en la cual vemos cómo el sospecha que su esposa Reneé (Patricia Arquete) le está siendo infiel. Van a una fiesta en la casa Andy, un amigo de Reneé que hace crecer los celos de Fred, además de conocer a un escalofriante hombre de negro, que le dice a Fred que él lo invitó a su casa y cuando Fred llama a su casa, le contesta el hombre de negro. El detonador de esta primera parte son unos videos enviados a la casa de la pareja, en los que han sido filmados mientras duermen, en el último video Reneé está muerta.

Una de las teorías dice que el hombre de negro son las emociones de Fred, lo que siente al estar rabioso, celoso y con ganas de matar. Este simbolismo ayuda a comprender lo que ocurre, luego que aparece el hombre de negro, Fred mata a su esposa, Fred se siente tan traicionado en la fiesta que materializa sus emociones "negativas" en este hombre, antes de esto sólo pudimos ver su rostro superimpuesto en el de Reneé, en un momento horrible para Fred.


Esta primera parte está filmada y montada de manera excelente, sus detalles enriquecen la historia, se ven hechos desde varias perspectivas con una exactitud exquisita. Detalle soberbio es el hecho que cuando Fred va a matar a su esposa, se ven dos sombras en la pared que van hacia el cuarto, la de Fred y la del hombre de negro, Fred le atribuye la culpa del asesinato de su esposa a sus emociones materializadas en el hombre de negro para ocultar la verdad y huir de la realidad. Esta parte termina con un Fred siendo golpeado en el interrogatorio, despertando de su flashback a su manera, pero con un Fred que escapa de la realidad.

En la segunda parte, Fred transmuta en otra persona para escapar de prisión, se transforma, cambia de piel para salir de su realidad, así que Fred se imagina libre en el cuerpo de un joven llamado Pete Dayton.


Esta es la parte más interesante, complicada, simbolista de la película, los sentimientos de Fred se personifican, sus miedos se traspasan hacia las personas que lo hacían temer, si en la primera parte su esposa era infiel, en esta parte Pete es un tipo que tiene dos mujeres y además él con la mujer de Dick Laurent son los que tienen relaciones en hoteles y no de la manera inversa como es en la realidad.
Pero es justamente en esta parte que Fred al personificar sus sentimientos, les da rostros que ya conoce, y aparece nuevamente Reneé con el nombre Alice, esta situación hace que el escape de la realidad de Fred se mezcle nuevamente con el asesinato de su esposa, llegando a la tercera parte de la película.


Para algunos esta parte es continuación de la vida de Pete con el rostro de Fred, pero por algunos detalles, considero que esta parte es nuevamente un "recuerdo" de Fred, lo que ocurre antes de la primera parte, antes que Fred asesine a su esposa la ve con Dick Laurent en un hotel llamado Lost Highway, luego que Reneé se va Fred golpea a Dick y lo lleva en su auto a matarlo, para esto recibe la ayuda del hombre de negro, y nuevamente Fred le inculpa la autoría del asesinato al hombre de negro.

Fred va hacia su casa y presiona el timbre del intercomunicador, diciendo Dick Laurent está muerto, así se incia o termina la espiral infinita dentro de la mente de Fred, convirtiendo a la película en un uroboro.

No puedo explicar más detalladamente porque entraría en contradicciones y me daría cuenta de más detalles y de nuevas cosas, que me llevarían a borrar todo lo escrito y empezar de nuevo. Por lo tanto les sugiero que si llegan a ver la película, tengan mucho cuidado al analizar los simbolismos, puesto que se quiere explicar lo que siente o sintió una persona através de su interrelación con otras, por lo que en un primer instante es difícil aceptar que los sentimientos de esta persona nos los dicen las acciones de las demás. Además escuchar y ver con cuidado los detalles, algunas escenas que se muestran desde la perspectiva de otra persona, tienen una precisión de reloj, enriquece el visionado de la película tener en cuenta estos detalles.

No hay nada que no pueda gustarme de esta película. Cada vez que la veo, es como ver una nueva película. El soundtrack incluye Smashing Pumpkins, Marilyn Manson, además de un momento mágico en la película gracias a Lou Reed para terminar y poner la créme en el strudel, el intro y final suenan a cargo del excelente David Bowie.

Pierrot le fou

PIERROT LE FOU
(JEAN-LUC GODARD, 1965)

Hace un tiempo en el blog, me tocó escoger la que considero la mejor película que he visto, mejor película de todos los tiempos pasados, presentes y futuros del mundo conocido, por conocer y hasta de mundos paralelos. Definitivamente pensé en Pierrot le Fou, por las razones que ahora paso a detallar.

Nouvelle vague es el término que se utiliza para designar a un grupo de directores franceses de los 60's. Esto no tendría nada de importante si no sería por que estos directores reconstruyeron el cine con sus propias reglas y en algunos casos con ninguna, para realmente romper todas las reglas.
De estos exponentes de la "nueva ola" francesa Jean-Luc Godard era el que filmaría la película que considero más importante, bella y vital del cine, Pierrot le fou.

Fotograma a fotograma esta película huele y destila poesía, utiliza la poesía para alimentarse y nos nutre con poesía visual.
Desde uno de los títulos iniciales más enigmáticos del cine, el Technicolor ausente en las anteriores películas del director nos transportan a la Francia de los 60, época en la que todos luchaban por su libertad de ser, de pensar, de vivir.

Y es así que el Godard nos lleva por diferentes caminos, por el cine noir, por la road movie, por el musical, por el existencialismo, por el romance.

Pierrot le fou no es una película apta para todos los gustos, a algunos les puede parecer aburrido ver una película sin una trama específica, que rompe la continuidad, que rompe el cuarto muro, puede llegar a desconcertar mucho por momentos, y es así que pude llegar a realmente disfrutar de esta película, viéndola repetidas veces, sonriendo con cada detalle, plano, escena, música y en especial por Anna Karina.

Anna Karina, la musa de Godard, es la mujer más hermosa que he visto en el cine, ninguna mujer viva o muerta puede compararse a la belleza de esta actriz nacida en Dinamarca. Verla cantar, caminar con la belleza que lo hace, hablar sobre la vida, el amor; y en especial, ese momento de complicidad que vivimos con ella cuando habla con Ferdinand, interpretado por Jean Paul Belmondo, él le dice, "Nunca me vas a dejar, lo prometes?", Marianne responde "Sí, lo prometo", pero en ese momento mira descaradamente a la cámara, esa mirada nos dice lo contrario, vuelve a repetir "Sí, lo prometo", con sus ojos nos vuelve a decir la verdad.

Ese aire de libertad que mueve a la película, y a la ideología de esa época, es tratado de manera sublime, mediante las peleas constantes entre las psicologías de ambos personajes, Ferdinand dice: "Yo estoy lleno de pensamientos, tú estas llena de sentimientos; por eso no podemos sostener una conversación". Ambos escapan constantemente de unos traficantes de armas, y eso es lo que hace sentir viva a Marianne, ella no quiere dinero, libros o vinilos, ella quiere sentirse viva y eso, realmente, es todo lo que cuenta.

La cámara también sirve para contar lo que uno siente o piensa, en este caso, Ferdinand no sabe qué sentir cuando Marianne le dice que está viva, simplemente mira lo que dice sin entenderla, pero en ese momento dice: "Nosotros estamos hechos de sueños, y los sueños están hechos de nosotros". ¿No es acaso la misma relación que sostenemos con el cine? Nosotros estamos llenos de las historias de romances, desventuras y fantasía que leemos, vemos y escuchamos; pero también estas historias están llenas de lo que nos pasa a nosotros.
Entonces Godard propone: "El cine es verdad venticuatro veces por segundo".

La nouvelle vague se caracterizó por la despreocupación de las reglas cinematográficas "clásicas", lo que algunos considerarían errores de montaje o continuidad, son en realidad deseadas por el director para darle ese soplo de vida a sus películas, los personajes saben que están en una película y le hablan a los espectadores, hacen confesiones, nos explican lo que sienten, de esta manera la película entabla una relación con nosotros cada vez que se la vea.

No debo olvidar la belleza de cinematografía de esta película, el Techicolor sale de la pantalla, el cielo celeste, el mar azul, los vestidos de Marianne, todo encierra a los personajes y los mantiene cautivos, hasta que finalmente encuentren la libertad entre el cielo y el mar. Es notable la secuencia en la "fiesta" a la que asiste Ferdinand con su esposa en el inicio del film, las conversaciones que mantienen aquellas personas, parecen extraídas de anuncios publicitarios, Ferdinand escapa raudamente de aquello.
La canción que nos acompaña gran parte del film, es melodía perfecta de todos los momentos de melancolía / tensión / miedo. Fue usada nuevamente por Berdardo Bertolucci para su película "Dreamers" con Michael Pitt, además se usaron escenas de A Bande à part, también de Godard, Godard no le cobró ni un centavo por introducir imágenes de su film.

Para terminar cito las palabras del director Samuel Fuller que hace un cameo en la película, ante la pregunta de Ferdinand que le dice, "Siempre he querido saber, que es una película exactamente", a lo que le responde: "Una película es como un campo de batalla, es sobre el amor, el odio, la acción, la violencia, la muerte; en una palabra, emociones.

Juego de Tops

Desde Project Mayhem, blog de Gine, me entraron ganas de participar en una especie de encuesta/juego sobre gustos cinematográficos.

Reglas a seguir.

- Nombrar al que te invito a participar en esta dinamica. En mi caso Gine.
- Rellenas en cada casilla las películas correspondientes a tus gustos.
- Invitar a participar a otros Bloggeros, asi conoceremos los diversos gustos cinematograficos que componen esta comunidad bloggera.

Mejor Película de Todos los Tiempos: Pierrot le Fou


Mejor Película de Acción: Fight Club

Mejor Película de Aventuras: The treasure of Sierra Madre

Mejor Película Bélica: Apocalypse Now

Mejor Película Biográfica: The Aviator

Mejor Película Cómica: The big Lebowski

Mejor Película de Ciencia Ficción: Blade Runner

Mejor Película Dramática: Magnolia

Mejor Película de Gangsters: Pulp Fiction

Mejor Película Histórica: Ben Hur

Mejor Película Independiente: Reservoir Dogs

Mejor Película de Juicios: Philadelphia

Mejor Película Musical: The Rocky horror picture show

Mejor Película Basada en un Comic o Novela Gráfica: The Dark Knight

Mejor Película basada en una Obra de Teatro: Amadeus

Mejor Película Romántica: The eternal sunshine of the spotless mind

Mejor Película de Terror: Bram Stoker's Dracula

Mejor Película Thriller: Rosemary's baby

Mejor Película Cine Negro: Mulholland Drive

Mejor Película Western: The good, the bad and the ugly

Mejor Película de Animación: Akira

Mejor Película de Deportes: Raging Bull

Kill Bill Vol. 2

Kill Bill Vol.2
(Quentin Tarantino, 2004)

Seguimos con nuestro análisis en dos tomos, ahora con los capítulos 6 al 10.
En este volumen se concentran los capítulos en los que vemos más elementos del cine de Tarantino, esos exquisitos diálogos y un tratamiento más profundo de la psicología de los personajes, especialmente Budd.

Capítulo 6: Massacre at Two Pines (Masacre en Dos Pinos)
El capítulo que nos muestra realmente lo que ocurrió en la capilla, y el primer encuentro entre Bill y la novia.
Mejor momento: Ese traveling hacia atrás que nos lleva hacia los miembros del Deadly Viper Assasination Squad antes de su ingreso a la capilla.


Capítulo 7: The lonely grave of Paula Schultz (La tumba solitaria de Paula Shultz)
Algunos no se dan cuenta, pero, hasta antes del capítulo 7 no se sabe el nombre de la novia.
Interesante descripción del personaje de Budd, que quiere reivindicarse, enmendar sus errores del pasado, pero la vida no lo deja. Además deja notar su inteligencia al momento de atrapar a la novia.
Mejor momento: La lata de gasolina de Mr. Blonde. El funeral tejano.

Capítulo 8: The Cruel Tutelage of Pai Mei (La cruel enseñanza de Pai Mei)
El verdadero maestro de la novia es el monje Pai Mei, poseedor del golpe más mortal de las artes marciales, la técnica de hacer explotar el corazón haciendo presión en cinco puntos del cuerpo.
Mejor momento: la pelea entre Pai Mei y la novia. La novia yendo hacia Budd.

Capítulo 9: ELLE and I (Elle y yo)
Confrontación entre la novia y su némesis, Elle Driver. También sabremos porqué le falta un ojo. Excelente escena de pelea.
Mejor momento: la pelea con las katanas Hanzo.

Capítulo Final: Face to Face (Cara a cara)
La última pelea entre Bill y la novia se ve truncada por la presencia de B.B.
Un diálogo tarantiniano nos deleita con el choque de psicologias de los protagonistas.
Mejor momento: La técnica del corazón explosivo.

Finalmente salen los créditos de toda la obra.


Para concluir, con esta exquisita película en Technicolor y blanco y negro; diálogos exquisitos al detalle, veremos algunas cosas más.

La dirección de cinematografía de Robert Richardson recorre los diversos homenajes cinematográficos con creces, los planos, formatos y celuloide utilizado, ensalzan la historia de Tarantino.

Nuevamente el director melómano hace una ecléctica selección musical extraída de películas, series de TV y diversos músicos, aportando al ritmo de la película con Ennio Morriconne, Bernard Hermann, Hotei Tomoyasu, Nancy Sinatra, Quincy Jones, The 5, 6 , 7, 8's y la música compuesta por RZA.

La selección de actores de reparto hace una pluralidad impactante.
Daryl Hannah, David Carradine, Michael Madsen, Gordon Liu y Michael Parks, hacen excelentes papeles a lo largo de los 10 capítulos de la obra, incluso los últimos dos que menciono, hacen más de un papel.

Humor negro, un homenaje a todo el cine, actuaciones interesantes, violencia, tensión, una historia compleja, personajes inolvidables, diálogos existenciales y banales, un puñado de canciones memorables, y mucho más ofrece esta gran obra del cine.

Lo mejor: Lo que menciono en el post. TODO.
Lo peor: No tomar en cuenta los detalles, creer que son dos películas.

Kill Bill

KILL BILL Vol. 1
(Quentin Tarantino, 2003 - 2004)

El primer film que vi del director que hace las películas que más disfruto, fue Kill Bill, allá por el año 2003. Para ser sincero, no me llamó la atención el trailer, ni sabía yo quién era Quentin Tarantino, cuando se hizo toda la publicidad del film, una vez salido de carterla, vi la película que me haría sentir tanta pasión por las películas, pasión que ha ido creciendo y ha moldeado mis gustos cinematográficos.

Al hablar sobre una película, la manera más sencilla de explicarla o iniciar su explicación, es definiendo el género al que pertenece; pues con Kill Bill casi no se puede, Tarantino dice que es una gran película Grindhouse; ahora, tampoco es una mescolanza de géneros o de películas como algunos tan "entendidos" de cine quieren rebajar esta obra, es un homenaje al cine. Y el gusto no está en reconocer a qué película le pertenece el plano, escena, personaje, diálogo, etc; sino el gusto está en la fluidez con la que funcionan los homenajes; porque al ver Kill Bill no tenemos delante a un Frankeinstein lerdo, que avanza a trancazos y se pueden ver sus costuras, sino a un ser que nunca habíamos visto antes y que tiene las maneras clásicas y nuevas a la vez.

Logo del sistema Shawscope de las películas de los Shaw Brothers.

El personaje principal de la obra de 10 capítulos es The Bride (la novia), encarnada por Uma Thurman, co-creadora del personaje, estos capítulos contados de manera no lineal, así como fueron escritos en el guión, nos van revelando poco a poco lo que necesitamos saber, tanto así que al final del primer volumen nos quedamos con tantas preguntas como respuestas.
Y fue dividido en dos volúmenes a sugerencia de su productor Harvey Weinstein, cuando Quentin vio la magnitud de su proyecto, Kill Bill era una película de más de cuatro horas, lanzar una película de alrededor de cuatro horas es algo arriesgado, así que la dividieron en dos partes, vendiendo dos entradas por una sola película, la otra solución es reducir el montaje, quedando una película larga y mutilada, como fue en el caso de Gangs of New York de Scorsese, curiosamente del mismo productor.
Se dividió Kill Bill en dos volúmenes, y no se hizo una "secuela" como algunos piensan.

Veamos Kill Kill capítulo por capítulo:

Antes del primer capítulo hay una escena introductoria en blanco y negro, con una novia ensangrentada.

Capítulo 1: 2 (dos)

Luego de los títulos iniciales, el Technicolor inunda nuestros ojos, y de pronto, la novia empieza su voraz venganza con todas sus fuerzas.
Los rumores que se hará una tercera parte, sugerido por Tarantino, tiene solvencia en la escena en la que la novia le dice a Nikkia Bell, que la estará esperando.
Lo mejor del capítulo: el cereal Kaboom.

Capítulo 2: The blood-splattered BRIDE (La novia salpicada de sangre)

El capítulo dos nos ilustra sobre la matanza en la capilla. Y la recuperación de la novia.
Mejor momento, la entrada de Elle Driver, el parche en el ojo.

Capítulo 3: The Origin of O-Ren

Este capítulo nos cuenta la historia de O-Ren Ishi, mestiza japonesa-china-americana gobernante del mundo del hampa en Japón.
Mejor momento: la surrealista secuencia violenta en anime.

Capítulo 4: The MAN from Okinawa

Entra en escena un grande del cine, Sonny Chiba haciendo de Hattori Hanzo, el maestro que hace katanas.
Mejor momento: La ceremonia de la katana.

Capítulo 5: Showdown at House of Blue Leaves

El enfrentamiento entre la novia, O-Ren Ishi, Sophie Fatale y los 88 locos (The crazy 88).
Mejor momento: el plano secuencia que sigue a la novia al baño en una toma en picado, entra al baño, sale con los propietarios, se queda con la banda en primer plano, sigue a Sophie y vuelve al baño.

Aquí empieza el enfrentamiento entre la novia y los guardaespaldas de O-Ren, lo más anecdótico es que esta escena fue modificada a pedido de la MPAA, que es un sistema de clasificación para determinar el contenido potencialmente ofensivo en las películas, pasando del brillante Technicolor al blanco y negro, debido a la cantidad de sangre y mutilamientos.
Pero la escena fue vista a color únicamente en Japón, además de unos mutilamientos extra y algún gag.

El enfrentamiento final.


Continuaremos el análisis del volumen 2 y de toda la obra tras un breve descanso.