Crash

CRASH
(1996, David Cronenberg)

David Croneberg nos presenta su película más hermética, porque la atmósfera es incómoda, los personajes son totalmente extraños, uno no se llega a identificar con ninguno de los personajes, solamente estamos de espectadores ante lo que nos muestra el director.

Desde los titulos iniciales Crash nos envuelve de una cierta incomodidad, debido en primer lugar a la música compuesta por Howard Shore, luego por esas letras "metálicas" que cuando se acercan más se aprecian torcidas, chocadas. Cronenberg siempre imprime la estética de sus películas desde el título, pero Crash tiene el mejor diseño de títulos de todos sus films.

Es difícil hablar de Crash sin explicar algunas escenas de manera explícita, trataré de hacerlo sin soltar spoilers.

James Balard (James Spader) y su esposa Catherine (Deborah Kara Unger) son una pareja de lo más anormal, tienen relaciones sexuales extramatrimoniales, y solamente tienen placer sexual al contarse estas infidelidades, es por ello que sus encuentros sexuales son planos, insípidos e interminables. Además Catherine tiene un fetiche con el metal en sus relaciones sexuales.


Luego de sufrir un accidente de tránsito, Ballard conoce a Helen (Holly Hunter), la esposa del desafortunado conductor que muere tras el choque.
De la conexión existente entre Ballard y Helen desde el choque, entra en escena el personaje más "Cronenberg" de la película, Vaughan (Elias Koteas).

Aunque ya habíamos visto a Vaughan anteriormente, es en la escena del choque "James Dean" cuando nos vemos atraídos por su magnética personalidad. Magnética, porque Vaughan es el hombre máquina, tan lleno de cicatrices originadas en choques automovilísticos.
En palabras de Gabrielle (Rossana Arquete), Vaughan hace que todo parezca un crimen, y así es efectivamente.


Algo que hace demasiado interesante la película y un sello distintivo de Cronenberg son esos detalles de realismo en la película de los cuales hablaremos a medida que comento algunas escenas. Al ver Crash, me parece que propone al sexo como ese transmisor de psicopatologías, es decir esas conductas y fetiches, se van "contagiando" de un personaje a otro, a través de relaciones sexuales en autos y en choques.


Vaughan hace referencia que su proyecto se trata sobre esa psicopatología benévola, en la cual queda demostrado que un accidente de tránsito es un evento fecundante y no destructivo porque solamente ante un acto de tal magnitud se produce una liberación de energía sexual que canaliza la sexualidad de los que mueren. Vivir esa experiencia de vida y muerte es lo que todos buscan en la película, y transmitir esa sensación con sexo dentro de autos chocados.


Quiero hacer especial comentario de algunas escenas de la película.

El choque en el que muere el esposo de Helen Remington tiene una esencia de realismo al estar filmado sin cámara lenta, dejando en ambos carros una mezcla de sangre, aceite y fluidos corporales. Luego del choque y de estar algún tiempo atontados, Helen se saca el cinturón de seguridad y muestra un seno involuntariamente, creando un ambiente de tensión sexual y esa conexión entre James y Helen, debido a la energía sexual canalizada en el choque.


Luego de que James, Helen y Vaughan hayan presenciado el choque "Jayne Mansfield", se dirigen hacia un car wash, para limpiar unas manchas de sangre del auto de Vaughan (que se asemeja a una cama con ruedas). Es en este recinto que se da la relación sexual más realista, seca y cruda; debido a que el director hace de Vaughan esa "máquina" que no tiene relaciones sexuales, sino que comete un acto parecido a un choque o un atropellamiento. Dejando a Helen con moretones, como víctima de un accidente, y a James como espectador del incidente. Ese elemento tan humano y realista de esta escena se debe a los fluidos corporales sexuales, excelente la toma de la mano de Helen llena de aquel líquido viscoso.


Finalmente la energía sexual contenida en el auto de Vaughan es tomada por Helen, Gabrielle, James y Catherine. En la escena final, después de que James ocasione un accidente para Catherine con el auto de Vaughan, ambos tirados en el pasto se lamentan de no haber quedado más marcados y no sentir esa energía sexual en el aire, frustrados de no sentirse vivos al estar tan cerca de la muerte.



Como dicta su trailer, Crash es dolor, placer, obsesión, satisfacción y clímax sexual.
Crash es una de las mejores películas de Cronenberg, elegida como la mejor del 96 por Cahiérs du Cinema, ganadora del premio especial del jurado en Cannes por ser atrevida, audaz y original.


Lo Mejor: La escena en el car wash. Su hermetismo.
Lo Peor: Que Paul Haggis haya utilizado el mismo nombre para su película.

Last Days

Gus Van Sant's Last Days
(2004, Gus Van Sant)


Gus Van Sant es un director independiente que ha reinventado su carrera, realizando películas comerciales y otras totalmente artísticas, ha podido sobrevivir como exponente del cine de calidad en EE.UU. pero es en su lado independiente donde se permite ser arriesgado, experimental.


Por experimental me refiero a continuidad fracturada, tiempo inexistente, tomas largas, cámaras fijas, surrealismo, filmación tipo documental, etc.
En Last Days vemos esa toma que acompaña al protagonista desde la espalda, toma que está presente en todas las películas de la tetralogía sobre la muerte de Van Sant (Gerry, Elephant, Last Days, Paranoid Park), toma en la que apreciamos sus momentos de inspiración, entre los bosques, murmurando palabras, frases y oraciones (como en sus canciones), pero también su odio a sí mismo, su desapego de la realidad, su gran talento musical, su soledad en una casa llena.



Last Days de Gus Van Sant es la mejor película que he visto sobre la vida de un músico. Lejos de aquellas películas en las que se muestra un poco de logro, un poco de derrota, algo de drama y mucha pero mucha música, Last Days deja de lado a Nirvana, para enfocarse en Cobain.
En esta película no escucharemos ninguna canción de Nirvana, sino se muestra al verdadero Cobain que odia su fama, que se detesta a sí mismo por ser un cliché del rock (drogadictos ricos); pareciese que Van Sant hizo la película para Cobain y no para sus fans como se cree en un principio.


Me gusta Nirvana, y quizás hubiese sido demasiado fácil y complaciente hacer una película tipo video musical, con influencias a Smells Like Teen Spirit por ahí y un poco de Heart Shaped Box por allá, con Come as you Are e In Bloom en la banda sonora.
Incluso al ser Cobain el abanderado de la generación X, hubiera sido fácil ponerle muchas manías anárquicas para hacerlo el ideal de la cultura grunge, pero no es así; es algo difícil ver Last Days, su estructura temporal fracturada parece sacada de alguna estrofa de las que vemos murmurar a "Blake" (nombre que tiene el personaje que representa a Cobain), esta estructura también se hace presente en las disonancias que vamos escuchando en el film, que se van acomodando en la cabeza de Cobain, que van dándole forma a su música y a la película.

Las mejores escenas de la película:

La primera escena tiene la camara viendo a Cobain por la ventana, tocando de la guitarra, la bateria, el bajo; cantando, armando todo en su cabeza, y nosotros de testigos, del genio de un gran autor que se va difuminando, perdiéndose en una casa tan grande, perdiéndose en el bosque. Alejándose de las personas, acercándose a la música. Dando su música, aquello que verdaderamente disfruta, a los árboles. Para calmar su angustia, soledad, dolor.


La segunda escena es la de la muerte de Cobain, vemos el alma salir del cuerpo y escalar la puerta de madera. Arte y genialidad en su máxima expresión.



Mención especial merece la escena en la que los 3 jóvenes que escapan de la muerte de Cobain, llenos de angustia y preocupación, en la que la muerte del ídolo los deja sin esperanzas, sin norte. Pero también los deja con un legado musical, para calmar esa angustia; así el carro se aleja del cuerpo inerte de Cobain, pero la guitarra sigue sonando.



Excelente Michael Pitt, uno de los mejores actores independientes que ya tiene en su haber películas con Van Sant, Haneke y Bertolucci. El parecido de Pitt es tal con Cobain que se creyó que el poster de la película era una foto de Cobain. Pitt se metió tanto en el papel de Kurt que compuso la canción que improvisa en la película, canción llamada "Fetus" quizás en alusión al In Utero.


Finalmente como en todas las películas de la tetralogía de la muerte, la imagen tiene tanta importancia como el sonido, con disonancias, bandas sonoras "antológicas", y sonidos que nos llevan dentro de la mente y los sentimientos de los protagonistas.
Todas las películas de esta colección de visiones sobre la muerte tienen la estructura del tiempo deconstruida, debido a que en presencia de la muerte, el tiempo se ralentiza, repite, se hace interminable, insoportable.

Gus Van Sant es gay, lo cual no es un aspecto negativo en su filmografía, por el contrario le dota de una sensibilidad para tratar instancias dolorosas en la vida de los jóvenes y adolescentes, que son los protagonistas de la filmografía de Van Sant, al terminar de ver Last Days, la angustia de Cobain por odiar lo que todos tanto amaban, se refleja en un homenaje justo a su persona, una película alejada de todo lo que él odiaba. Con justa razón el final dice:
In Memoriam Kurt Cobain.



Lo mejor: Michael Pitt, la fotografía y el tiempo.
Lo malo: Puede cansar y aburrir a ojos no entrenados cinematográficamente.

Collateral

Collateral
(2004, Michael Mann)

Michael Mann realiza el primer blockbuster filmado en video digital de alta deficinión (HD), con el afán de retratar la noche con mayor veracidad, porque, a diferencia de las "clásicas" cámaras que filman en celuloide (que se utilizaron para algunas secuencias iluminadas en interiores), las cámaras digitales de HD necesitan menos cantidad de luz para filmar, debido a sus sensores alta sensibilidad filman con mayor detalle en escenarios oscuros. Esto hace que la noche tenga más cromatismo, y se den nuevas texturas en la imagen, así ahora la imagen se llena de "grano digital" en vez del grano generado por la reacción química del proceso de revelado fílmico.
Esta particular fotografía convierte a la ciudad en un personaje más, dándole vida a la noche.

Pero además de este tratamiento en la fotografía de la película, lo más importante es la filosofía y psicología que se pone en práctica dentro de las cuatro puertas del taxi conducido por Max (interpretado por Jammie Foxx, nominado al Oscar como mejor actor de reparto), es en este espacio donde se confrontan las maneras de pensar tanto del conductor como de su pasajero, Vincent (interpretado por el Tom Cruise en su fase de actor y no de estrella), lo cual demuestra la complejidad del director Michael Mann, quien no sólo realiza películas de acción y balas, sino que dota a sus películas de una capa más profunda, que hace posible darle siempre una nueva lectura a sus obras.


Esta película tiene como temas centrales la coincidencia cósmica y el existencialismo. El primer tema se resume de la siguiente manera: si solamente una cosa hubiese ocurrido de otra manera, toda la experiencia de Max, Vincent y Annie sería diferente.

El segundo tema es un poco más complejo, porque se refleja poco a poco con la personalidad de cada personaje y su psicología.

Max es una persona que no toma riesgos, ha aprendido las lecciones de manera dura tiene un gran respeto por la vida, pero esta personalidad va cambiando en cuanto más se relaciona con Vincent, este personaje tan simple a primera vista es el que "evoluciona" en la película. Se adapta a su ambiente, en este caso, a Vincent. De una posición pasiva, pasa a una defensiva y finalmente a una ofensiva.


Es además de esa relación que existe entre los antagonistas, relación que está plagada en todas las películas de Michael Mann, la que enriquece el film con ese factor humano que muchos blockbusters de acción pierden y quieren rellenar con balas, explosiones y persecusiones.

No es extraño ver en las películas del director a un antagonista tan importante como el protagonista, lo vimos en Heat, The Last of the Mohicans, en este caso Vincent es de una personalidad tan compleja, que podemos entender solamente la punta del iceberg.
Este personaje tiene una cierta visión de un mundo individualista y nada solidario, en el que el dolor no se puede compartir y todos están tan preocupados por sus cosas que es imposible mirar al lado y ayudar al vecino. Somos insignificantes en este universo material, lleno de moléculas y granos de arena, en donde los sentimientos no tienen nada que hacer al lado de los sentimientos. Donde decir lo siento para acompañar el dolor, es una mentira formal y social.
No por nada la película se ambienta en Los Ángeles, esa ciudad tan desconectada socialmente, donde una persona muere sentada en el metro y recorre la ciudad cinco días sin que nadie se de cuenta que está muerta;, la quinta economía del mundo y no se conocen los unos a los otros. Ciudad donde confluyen personas de México, de Korea y tantos otros países que finalmente hacen más distante la relación de personas en esa ciudad.



La mejor secuencia de la película es aquella en la que un lobo pasa delante de Max y Vincent, representando un poco el carácter de Vincent, un lobo solitario en medio de la cacería.


Cabe resaltar el trabajo que realiza Michael Mann con el de sonido de sus películas, dándole ese sonido tan crudo a los disparos, pero especialmente por escuchar los pasos del lobo.

Para terminar este análisis, es imposible dejar de hablar del soundtrack, con canciones tan exactas para los sentimientos de los protagonistas. El rock mexicano de The Green Car Motel con "Destino de Abril" en el cambio de actitud de Max, "Spanish Key" , jazz de Miles Davis en la "improvisación" de Vincent y finalmente el "Requiem" de Antonio Pinto en el gran final, "The Shadow on the Sun" de Audioslave que tanto dice de la personalidad de Vincent en la ya mencionada escena de lobo.
Como mención honrosa está la versión coreana de "Ready, steady, Go" de Paul Oakenfold en la discoteca Fever.

Gran película de Michael Mann, que demuestra una vez más ser un director de dramas psicológicos, filosóficos y existencialista; que de películas de acción y balas.

Lo Mejor: La actuación de Foxx. Vincent. La fotografía.
Lo Malo: Que sea más recordada por su fotografía.

Drácula de Bram Stoker

Bram Stoker's Dracula
(1992, Francis Ford Coppola)

"The blood is the life... and it shall be mine".

El año 1992 Francis Ford Coppola nos brinda la más brillante adaptación de un libro, esta vez no se trata de su obra maestra The Godfather o de alguna de sus secuelas, sino de una película que condensa 100 años de cine, una película que se niega a olvidar la tradición de hacer películas en celuloide con espejos, humo, dobles; tantos elementos que desaparecieron con el boom de los efectos digitales. Película que es una de mis favoritas debido a tener una belleza plástica sin igual, algunas actuaciones impecables, una banda sonora inolvidable y sobre todo un personaje ícono del cine: DRÁCULA.

A la edad de 12 años esta película marco mi visión del bien y del mal: ambos son relativos.

Empecemos por la historia, cuando uno lee el libro del cual esta y todas las películas del conde Drácula están inspiradas, encuentra un personaje totalmente diferente, enigmático, casi no aparece mucho, no tiene una motivación que lo saque de su Transilvania y es decepcionante.
La carga emocional es inexistente, y los "humanos mortales" son vistos con una lupa utópica, en la cual no tienen defectos, pero sí demasiadas virtudes. Para citar un ejemplo, luego que dos de los tres pretendientes de Lucy (Jack y Quincey) no obtienen reciprocidad en sus intenciones amorosas, mágicamente cambian sus intenciones hacia ella, de pretendiente a amigo en una fracción de microsegundo.

"I have crossed oceans of time to find you".

En cambio en la película, las relaciones humanas están mejor retratadas, hay una tensión sexual entre los tres pretendientes y Lucy. Pero lo más importante de todo es la relación entre Drácula y Mina, que no se hace ninguna mención en el libro, pero que aporta la carga emocional que era faltante en el libro, y también una motivación suficiente para Mina, Drácula y Jhonatan Harker.
Además en la película se trata al vampirismo como una enfermedad que tendría comparación al Sida, por la cual el virus se contagia por el acto sexual; como queda manifestado en el erotismo que tiene la película. Dejando de lado el "romanticismo" del abrazo.

Pasemos a otro de los logros de la película, la belleza plástica; excelente referente visual que se logra en la película debido a su tratamiento casi teatral, es decir, se construyeron sets para toda la película, ninguna escena fue filmada en locaciones reales o exteriores, con lo cual se podía contrlolar todo en la imaginería visual.

Pero esta belleza se ve opacada por los vestuarios, la diseñadora Eiko Ishioka, tuvo el trabajo de diseñar el excelente vestuario de todos los protagonistas, destacando en los diseños de vestuario de Drácula y sobre todo, esa emblemática armadura roja.

La edición de la película se realiza de una manera casi literaria, utiliza elementos de lenguaje cinematográfico como la contraposición, en la escena sangrienta de la muerte de Lucy junto con el matrimonio de Jhonatan y Mina; y el concatenado, cuando las heridas de mordedura se disuelven y pasan a ser los ojos de un lobo.

"I am the monster that breathing men would kill. I am Dracula".

Además los efectos especiales que se realizaron para la película fueron de la vieja escuela, se emplearon cuerdas, espejos, maquetas, modelos y todo lo necesario para que pareciera una película realizada en los inicios del cine. Notable la secuencia rodada con una cámara de esa época y cómo olvidar los juegos de sombras que se realizan en presencia de Drácula.


Para obtener la extraordinaria actuación de Gary Oldman, y que el grupo formado por Jhonatan, Quincey, Jack y Arthur parezcan amigos de incontables faenas, Coppola los reunió en su rancho y por dos semanas interactuaban y profundizaban más en sus personajes. Exploraban situaciones para sus personajes.
Solo así se logro dar vida a ese personaje tan complejo que es Vlad Draculea, debo confesar que aunque Fight Club sea mi película favorita, es este personaje con dimensiones y ángulos el que se lleva mi preferencia en personajes de cine. No es solamente una bestia chupa sangre, es un guerrero, un príncipe, un romántico enamorado, una bestia desenfrenada que condena la vida de otros a través de su placer y necesidad; pero también sufre, se lamenta, reflexiona.

Drácula no es una experiencia sólo visual, es también una experiencia sonora, además de sus efectos de sonido que inquietan el ambiente y lo hacen pesado en el castillo de Drácula; cabe resaltar por sobretodo la banda sonora de Wojciech Kilar, compositor polaco que le dio el preciso toque de gótico y tenebroso con clásico. Es una banda sonora que te inquieta y tranquiliza, te angustia, enamora y finalmente te deja melancólico.

"I condemn you to living death. To eternal hunger for living blood".

Lo que te hace sentir la banda sonora es el resumen de la experiencia que uno tiene al visionar Bram Stoker's Dracula una historia de amor gótica, violenta, sangrienta, melancólica, en la cual el bien y el mal se unen y distorsionan, la mejor película de vampiros existente sin lugar a discusión.

Lo Mejor: Todo lo mencionado arriba.
Lo Peor: Todas las películas de vamprios que vinieron después.

10 años desde FIGHT CLUB

FIGHT CLUB ( David Fincher, 1999)

"I WANT YOU TO HIT ME AS HARD AS YOU CAN"

El director David Fincher, nos entrega una película en la cual el existencialismo, se nos revela en su máxima expresión: el aburrimiento de una persona común, mediocre; esas personas que trabajan de esclavos en oficinas, grifos, restaurantes, tiendas. Violencia, sexo y caos pasan a un segundo plano solamente para darle una importancia única a la filosofía y cuestionamiento propio, además de destrozar la ideología de la sociedad, destrozar el pensamiento religioso, destrozar el pensamiento familiar, en sí, destrozar todo vestigio de pensamiento no anarquico.

El fin del siglo pasado trajo consigo la película más representativa de los 90's, un retrato de esa generacion X que daba la bienvenida al nuevo siglo con un golpe al rostro y uno más fuerte a la mente.

Es paradójico hablar del 15 de Octubre como el décimo aniversario del estreno de Fight Club, porque el día de su estreno, no tuvo el impato que se esperaba, principalmente porque ese año se estreno The Matrix, en marzo y casi todas las peliculas estrenadas ese año estuvieron a su sombra en la cartelera de los cines. Inclusive, cuando uno busca críticas y comentarios de la película, es sorprendente la cantidad de personas que no la ha visto en el cine, la mayoría conoció a Fight Club por DVD, cable o el ya fallecido VHS.

Para ser sincero, Fight Club es mi película favorita, la he visto más veces que a cualquier otra película, pero con cada visionado no pierde nada, inclusive tiene detalles que enriquecen su esatuts de culto cada vez que se ve la película.

Ahora si, vayamos directo a las impresiones que tengo sobre Fight Club.

Desde los títulos de crédito con la música de los Dust Brothers se impone con un scratch a la típica banda sonora de orquesta, continuando con el protagonista con un arma dentro de la boca , el narrador, que con humor negro bien acido va dando muestras de su personalidad y mentalidad, esa personalidad tan frecuente que vive el hombre de 25 - 30 años cuando su existencialismo se ve enfrascado de preguntas a las cuales no tiene respuesta, la Televisión nos ha enseñado que al tener un hogar, muebles, y todo lo necesario para una versatil vida moderna seremos felices, pero no es así, y es justo ese el punto fundamental de la película, una anarquía total de los patrones de "felicidad" que nos han impuesto la publicidad y el marketing. Esa felicidad se obtiene al comprar, comprar, comprar.

Es a través del insomnio que el narrador demuestra su infelicidad, esa infelicidad ocasionada por la sociedad y nuestros padres, es algo horrible ver al narrador ir a esos grupos de autoayuda, porque solamente viendo el sufrimiento y la muerte tan cercana de esas personas es cuando el narrador se siente "vivo", pero cuando Marla Singer, con la misma intención que el narrador visita estos grupos, el narrador ya no se siente "vivo" al necesitar de Marla y no querer aceptarlo, se acerca a Marla para alejarse de ella, el narrador vuelve al insomnio y solo cuando el narrador pierde su maleta de ropa fina, mencionense marcas como A/X, DKNY, CK y además su departamento se convierte en un montón de escombros humeantes, es en ese momento de "ruina" que el narrador empieza a tener un sentido en la vida.

"Yo digo, nunca estés completo, deja de ser perfecto, yo digo evolucionemos, deja que las cosas caigan en su lugar".

Entonces, entra en escena, Tyler Durden, uno de los personajes icónicos del cine. Es tan intoxicante la personalidad de Tyler que la película toma un nuevo sentido, de grupos de autoayuda y existencialismo, la película se torna en una apología anarquista.

Tyler Durden podría ser cualquier persona, no es un "elegido", es por eso que una vez vista la película, Tyler Durden empieza a formar parte de nuestras vidas, nos quita la preocupación de ser perfectos, Tyler fue a la universidad, tiene trabajo, pero rompe todos los paradigmas mentales que cualquier persona tendría, es libre en todas las formas que nosotros no.

Tyler es consciente de que todos queremos ser estrellas de rock, actores, millonarios, pero no lo seremos y nos estamos dando cuenta de esto lentamente, por eso estamos muy pero muy encabronados.

Con dialogos y lineas tan pseudo filosoficas de parte de Tyler Durden, Fight Club se quedará grabada en la mente de todo aquel que la vea y le preste atención, esta película no te dará lecciones de vida, esta película te golpeará y preguntará si tienes vida.

Lamentablemente, estoy rompiendo la primera regla del club de la pelea, nadie habla del club de la pelea. Pues esta película ganó su estatus de culto de esa manera, alguien veía la película y la necesidad de contarle a los demás que has visto una película que ha borrado tus ideales y paradigmas, es totalmente incontenible no hablar sobre ello. Son 10 años desde que la película fue proyectada con la luz de un proyector en un ecran, pero no se siente, su mensaje se mantiene tan actual, los problemas que se exponen son los mismos y serán los mismos en mucho tiempo.

El club de la pelea trata de golpearse unos a otros, sin ganadores ni perdedores, disfrutar el hecho de sentir dolor físico, conocer de qué eres capaz y de qué estas hecho, perder todas las esperanzas y ser libre de verdad.

La violencia en la película es algo de lo cual se ha hablado mucho, pero no es por la violencia física, a lo que le temen realmente es a la violencia filosófica, psicológica.

La película es un asalto a los conceptos que la sociedad, la familia, el marketing, las empresas, el gobierno y un largo etcétecera nos quieren meter en la cabeza, la película nos fuerza a pensar de manera propia, al fin y al cabo tendremos una respuesta a la gran pregunta de nuestras vidas, no interesa que la respuesta sea correcta.

Cuando uno termina de ver Fight Club, se queda mudo, media hora después no puede parar de hablar de ella y las ideas de la película te acompañarán todos los dias.

Si se dan cuenta, no hemos hablado de los actores de esta película, pues es la primera película que vi en la cual cada actor se fusiona con su personaje a tal punto de olvidarnos por completo que estamos viendo a Brad Pitt, Edward Norton y Helena Bonham Carter.

A manera de conclusión, luego de ver la película y tener tu mente impactada, estrujada y cambiada, luego de que Tyler Durden desaparece de nuestras vidas, el narrador y Marla tomados de la mano contemplan la destrucción financiera (que muchos vieron repetida el 11 de setiembre) es en ese momento que retumba por los parlantes una de las mejor canciones en un soundtrack de película, Where is my mind? de Pixies, canción que resume no solo la experiencia del narrador de la película, sino también nos pregunta a nosotros: ¿donde estaba tu mente?.

Película totalmente recomendable, no tiene pierde.

Lo mejor: Todo. El mensaje. Los actores. La imagen. El sonido.

Lo peor: Nada.

Pulp Fiction

Pulp Fiction
(1994, Quentin Tarantino)


Para muchos no es sorpresa que hable de Quentin Tarantino, siendo uno de mis directores favoritos, pero es necesario hablar de Quentin al ser la persona que mejor ha contribuido a la reinvención del cine en los 90’s. Digo reinvención del cine, pues en Pulp Fiction vemos un collage de películas de diversos géneros, además de escenas, que van desde un asalto a un restaurante hasta una violación homosexual, escenas que en las manos equivocadas hubieran hecho una mala película de serie – B, que no sería nada nuevo; pero en manos de Tarantino, es un homenaje a Hitchcock, Godard, Scorsese, Kubrick, De Palma, Fuller entre otros; convirtiéndola en un gran evento cinematográfico.


Para poder empezar, tenemos que ponerle un género a Pulp Fiction, le caería bien Film Noir, pero generalmente un Noir nos presenta juegos de sombras, interiores oscuros, humo de cigarro y una narración. Podríamos considerarlo un Noir porque acompañamos en la película a un grupo de personas del bajo mundo, ese mundo lleno de drogas, matones, apuestas y peleas. Lo extraño de este asunto es que simpatizamos con estas personas, especialmente con Jules y Vicent, interpretados por Samuel L. Jackson y Jhon Travolta.

Quentin Tarantino dijo una vez que si él trabajase nuevamente en el Video Archives (una tienda de videos donde trabajó), pondría a sus películas en la sección de comedia, pues es cierto, Pulp Fiction tiene elementos de humor negro, ese humor corrosivo, humor que muchos no entienden, ese humor que nos hace reír en la escena en la que disparan a Marvin en la cara. (Vincent: Oh man, I shot Marvin in the face. Jules: Why the fuck did you do that! Vincent: Well, I didn't mean to do it, it was an accident!).



Podría ser también una película de Gangsters de esas que se hacían en los 50’s, pues Jules y Vincent, son matones que andan con sus ternos negros. Además nos presentan una violencia no gráfica, de manera rápida son explosiones de violencia las que se presentan en la película, nada escandaloso, son lo necesario para despertar, asustar, estremecer al espectador del cine casi clásico que nos presenta Tarantino.


Personajes

Ahora sí, continuemos con otro aspecto importante de la película, los personajes. Vincent Vega es un tipo al que le gusta la heroína, ha vivido en Ámsterdam, no ve TV y es hermano de Vic Vega el Mr. Blonde en Reservoir Dogs, primera película de Tarantino. (Jhon Travolta).

Jules Windfield es un matón que vive en Inglewood, parte de LA donde vive población de color, poseedor de un peinado afro al mejor estilo de los 70’s y tiene convicciones religiosas. (Samuel L. Jackson).



Mía Wallace es la femme fatal de la película, el fruto prohibido que está casada con Marcelus Wallace y una cocainómana para rematar. (Uma Thurman)



Marcelus Wallace es el jefe de Vincent y Jules, un tipo enorme que se sabe usar la “violencia medieval”. (Ving Rhames)

Butch Coolidge, un boxeador de peso que se vende en una pelea, tiene una sexy novia francesa. (Bruce Willis).


Hay muchos más personajes muy bien delineados en la fauna de esta película, como Pumpkin y Honey Bunny, que son los que nos introducen a la película.

Oscars

Jules y Vincent, son roles que revitalizaron las carreras de ambos actores; en el caso de Jackson lo convirtió en el actor de color más importante llegando a estar nominado al Oscar como mejor actor de reparto, como anécdota en la ceremonia del Oscar de ese año, cuando anunciaron al ganador y Jackson perdió, éste dijo ¡Maldita sea! en vez de la tradicional sonrisa y los aplausos para el ganador.

En el caso de Jhon Travolta, el que ya estaba siendo olvidado por sus películas pésimas en los 80’s, pasó a ser un actor versátil, puesto que siempre había interpretado a chicos buenos, cuando recibió el guión, al principio dudó un poco aceptar el papel al saber que Vincent consumía heroína. Travolta también fue nominado ese año como mejor actor principal, perdiendo ante Tom Hanks.
Uma Thurman, la musa de Tarantino, también fue nominada al Oscar como mejor actriz de reparto, Mia es esa mujer que inspiraría a cualquier mortal a ser no ser leal al jefe.

Como se habrán dado cuenta, el guión de Pulp Fiction es excelente, nos presenta un universo casi real, casi ficticio; pero al fin y al cabo es un universo enteramente cinematográfico y altamente habitado de cultura pop. Este guión con conversaciones tan delirantes, te hace olvidar que nos encontramos en el bajo mundo de Los Angeles y pareciera que estamos entre un gran grupo de amigos que se conocen de toda la vida y siempre con algo interesante que decir, este guión se hizo ganador del Oscar a mejor guión original, único galardón que ganó aquella noche, frente a los múltiples galardones de Forrest Gump, película sobrevalorada a mi opinión.

En el aspecto de la fotografía, Pulp Fiction podría considerarse una película de corte clásico, por las escenas y la manera en que está filmada, pero con tomas en primer plano de manos, tomas de la espalda de los protagonistas hasta una escena filmada desde la cajuela de un auto. Que se convirtió en la escena típica Tarantino, presente en todas sus películas.



En la edición, para las escenas de mayor carga emocional se utiliza la cámara al hombro para darle un aire de veracidad. En los momentos en que la película quiere tensionar, se utiliza una edición rápida, y en los momentos antes de esas explosiones de violencia, se hacen tomas largas; como la calma antes de la tormenta. La edición de la película estuvo nominada al Oscar también.

Esta película fue la que rompió con la cronología en las películas “actuales”, cosas que ya había hecho Kubrick, pero que ninguna otra película se había planteado a hacer. La “cronología” de Pulp Fiction es así: empieza por el final, luego el inicio, en la mitad el final, al fin lo del principio, ¿entienden no? Está demás decir que muchas, demasiadas películas copiaron hasta el hartazgo las ideas cinematográficas reinventadas de Pulp Fiction.
Escenas como: la sobredosis, Royale con queso, el twist, la violación, la historia del Cap. Koons, el tipo que sale del baño con el cañón de mano, el robo del café, te estremecerán, divertirán y fascinarán.



Ahora, mafiosos cool e ideas innovadoras cinematográficas no son lo mejor de esta película, tampoco lo es la violencia que explota cada cierto tiempo, algo que no muchas personas observan en el filme son los valores, que van desde la redención y el perdón, compañerismo, lealtad. Pero estos valores no están puestos de manera gratuita, no vemos a Butch llorando por haber matado a su contrincante en una pelea de box, tampoco lo vemos conmocionado de haber matado a un mafioso. En una escena Butch escapa un momento, pero toma la decisión de no dejar atrás a un hombre al cual él le jugó mal. Otra escena en la cual Jules decide dejar la “vida” de mafioso para ayudar personas, recorrer la tierra.


Es por tooooda esta suma de cualidades que Pulp Fiction estuvo nominada al Oscar de mejor película y mejor director. Aunque no ganó el Oscar, Pulp Fiction se llevó la Palme D’Or en el festival de Cannes y con gran razón.

Como punto final está su banda sonora, que nos invita más de una vez a tararear, llevar el ritmo y hasta cantar. Con canciones de Kool and the Gang, Dick Dale, Chuck Berry, esta película posee la escena de baile más famosa de la historia del cine, el twist en el Jack Rubbit’s Slim, entre Mía y Vincent.

Pulp Fiction es una de las películas que más se habla, más se imita, más se hace homenaje. Cada vez que uno vuelve a ver Pulp Fiction, uno siente que visita a un grupo de viejos amigos.
Altamente recomendable.



Lo mejor: Todo lo que está en el post.
Lo peor: Que no ganó los Oscar que merecía.
PD: Blog dedicado a una vecina de Blogósfera, Gine a la cual no le gusta mucho esta película.
Pueden visitarla en su blog Project Mayhem.

Scream Awards para Dummies

SCREAM AWARDS
para dummies.

¿Alguna vez han escuchado el premio a la película con el GRITO MÁXIMO, la MUTILACIÓN MÁS GLORIOSA, o la escena que te hace CAER DEL ASIENTO, MALDITA SEA?

Para aquellos freaks and geeks que no tienen otro lugar donde celebrar a sus héroes y villanos, nació el SCREAM AWARDS, una ceremonia en la que hacen una estrella inmortal del rock a Ozzy Osbourne, en el escenario rockean juntos Alice Cooper, Rob Zombie y Slash, superhéroes entregan premios a supervillanos. Para calentar los premios, decapitan a Alice Cooper, también se hace una escena de descuartización en vivo en el escenario, ya se harán la idea. En vez de entregar un hombre espacial, un balde de popcorn o un caballero dorado, se entrega una estaca de regular tamaño. Como deguste final, imagínense la típica alfombra roja que recorren las estrellas, ahora cámbienla por una alfombra negra, ¿brutal cierto?

El director y elenco de The Dark Knight reciben el premio al Ultimate Scream. Un murciélago en llamas los recibe en el escenario.

¿Qué hace tan especial a esta entrega de premios?






















(Ozzy Osbourne con su "estaca")

Para empezar, la ceremonia de premios organizada por MTV no te ofrece la opción de votar por tus películas favoritas en las diferentes categorías, además, no siempre queremos ver las mismas caras entregando premios y recibiendo premios, de lo que parece ser más un desfile de modas que una entrega de premios cinematográficos.
Scream Awards tampoco es el Oscar, lo que quiere decir que en la entrega del Oscar, la mayoría de las nominadas son películas desconocidas para el público mayoritario, e inclusive, aunque se conozca algo de las películas nominadas, muchas no se estrenaron en Perú antes de la ceremonia del Oscar.

Scream Awards no premia la celebridad de las películas, o de sus actores, como es en el caso de los premios de MTV, es interesante que haya títulos como A History of Violence, Grindhouse, Children of Men, The Prestige, El Laberinto del Fauno, The Dark Knight, Funny Games, Southland Tales, The Curious Case of Benjamin Button, entre los nominados de las diversas categorías.



¿Tiene algo de malo este paraíso de Freaks & Geeks?

Pues, al ser un voto democrático, no siempre gana el mejor; algunos casos en los que la popularidad ha sobrepasado el buen arte cinematográfico, bajan un poco la calidad de la entrega.
Errores como: (en negrita las películas ganadoras, que son inferiores a la otra).

Pirattes of the Caribbean: Dead Man’s Chest VS Batman Begins
X-Men the Last Stand VS A History of Violence
300 VS El Laberinto del Fauno
28 Weeks Later VS Grindhouse o The Host
Transformers VS Children of Men o The Prestige
Hellboy 2 VS The Dark Knight.

Un punto a favor de la ceremonia es la aparición de ciertos de estrellas no tan “serias” como las que salen en la entrega del Oscar, y no tan “comerciales” como las que salen en los MTV Movie Awards, aquí vemos a personas del calibre de Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, Marilyn Manson, Gerard Way, Rob Zombie, Frank Miller, Stan Winston, Slash, Christopher Nolan; pero todos ellos contagiados por la emoción de cientos de fans congregados, aplaudiendo sus obras.

Grindhouse gana por mejor descuartizamiento. Quentin Tarantino y Robert Rodriguez

Bestias del comic. Frank Miller y Stan Lee.

Lo único que me queda por decirles es que no dejen de votar y ver a los ganadores de esta ceremonia, que se transmite por TV en la fecha más gótica del año, Halloween, en Perú quizás la podamos ver por TNT, que ha transmitido la ceremonia por dos años consecutivos.

Si quieren votar por sus películas favoritas, les dejo el link.
http://www.spike.com/event/scream2009/page/vote/category/33663

Una de las joyas de la que hablo se encuentra en el youtube:
http://www.youtube.com/watch?v=8GcHyapwbYw