Only God Forgives

ONLY GOD FORGIVES

(Nicolas Winding Refn, 2013)

Errar es humano. Perdonar es divino.

Debo decir que esta película me agarró frio. No sabía que hacer o pensar al terminar de verla. Pero sólo hay dos opciones posibles, amarla u odiarla. Han pasado los días y con cada día que pasa le encuentro más cualidades de las que me fue posible la primera vez. El día de hoy, considero a Only God Forgives como una de las mejores películas del Nicolas Winding Refn.

Esta película levantó mucha expectativa en su estreno en el festival de Cannes, pero la propuesta del director no gustó a la mayoría de los críticos, muchos la esperaban como Drive 2.

El director aprendió con su anterior filme, Drive, la “fórmula” para hacer una película que guste tanto a crítica y público, para Only God Forgives descartó el uso de todo ingrediente que la pueda hacer fácil, y por lo contrario, empuja al espectador hacia un viaje simbólico digno de Alejandro Jodorowski (al cual NWR ha dedicado esta película).

Only God Forgives se asemeja más a los trabajos del director antes de Drive, sin el uso de muchos diálogos y desarrollando la película visualmente (con una bella fotografía) como en Valhalla Rising. Y en ambos casos, las películas siguen a una figura, a un dios. En Valhalla Rising, el personaje principal era One Eye, un tuerto que era la personificación de Odínn o Wotan, dios nórdico.

En Only God Forgives, seguimos a otra deidad, un ángel vengador llamado Chang, pero en este caso no es el personaje principal, Julian es el personaje principal, encarnado por Ryan Gosling. La película narra cómo Julian teme la llegada del ángel vengador, hasta que se cruza en su camino y decide enfrentarlo.

El personaje de Chang recae sobre el actor Vithaya Pansringarm. Winding Refn sigue a este personaje de manera casi etérea, con travellings largos y en muchos casos lentos.  Hay muchos planos y detalles que acentúan la posición divina del personaje de Chang. El policía vengador sabe todo el tiempo lo que ocurre, juzgando moralmente a todos los personajes con los que se cruza en su afán de justicia. La secuencia de presentación de este personaje es genial, saliendo de entre las sombras, Chang llega a la escena del crimen en el cual Billy (hermano de Julian) ha matado a una prostituta de 14 años; Billy de rodillas acepta su destino y Chang busca con la mirada al otro culpable: el papá de la prostituta. Chang imparte la justicia al permitir que el padre mate a Billy a golpes, pero también corta el brazo del padre por permitir e instigar la prostitución de su hija.

Las películas de Winding Refn pueden ser consideradas casi como Fábulas, el mismo director lo menciona así. Como en los cuentos de los hermanos Grimm, los personajes viven en un mundo oscuro y ocurren cosas que borran las líneas entre el bien y el mal, pero al final del cuento siempre encontramos la posición de todo.

En Drive teníamos un guión que parecía sacado de un cuento, en Only God Forgives el “guión” eran notas escritas en post-it que el director iba pegando en su pared con la descripción de cada escena. Con esto, el director hizo uso de sus cualidades estilísticas para narrar la historia con el menor uso de palabras posibles, dejando todo el peso narrativo a la imagen, y así logra una de las películas más bellas que haya visto.

La fotografía del británico Larry Smith le saca el lustre al mínimo presupuesto con el que contó, su gran logro llega al momento de iluminar con gelatinas para conferir esas atmósferas de colores rojizos, azules y amarillos saturados y contrastados, impregnando de un aire surreal y por momentos de pesadilla. La película se filmó en Bangkok, y según el director, todos los escenarios de la película son reales, teniendo el mínimo de modificación. Escenarios como el karaoke donde canta Chang o el dojo de Muai Thay de Julian son bellos.

Winding Refn tiene fijación o fetiche por filmar los puños de sus protagonistas con un plano cenital (visto en Pusher, Valhalla Rising, Bronson, Drive y aquí). Es en esta película que los puños cobran significados particulares: en las primeras escenas, Mai amarra los brazos de Julian a una silla mientras ella se toca eróticamente. El significado que he podido darle a esta escena es que Julian se siente culpable de haber matado con sus puños, por lo cual, no puede tocar a Mai con el mismo instrumento destructivo (algo así como en Japón, que no comen con tenedor y cuchillo por considerarlos instrumentos de guerra o algo similar). Luego de este encuentro, Julian presiente la llegada de Chang como dios castigador, al alucinarlo cortándole el brazo. Los puños cobran un significado viril en club nocturno, Julian se acerca a Mai y con el puño cerrado se aproxima a la entrepierna de Mai para tocarla eróticamente, a lo que Mai accede. Julian vive toda su vida con el peso del crimen de haber matado con sus puños, al final, sólo dios perdona, Julian consigue la absolución de Chang, ya puede ser feliz.

La música a cargo de Cliff Martínez tiene una evolución de lo que hizo en Drive, la música esconde muchos de los sentimientos y motivos de los personajes. Hay una particularidad en la película, en Bangkok los karaokes son lugares muy respetados. Cada vez que Chang castiga, se contrapesa con una escena de Chang cantando en el karaoke con un aire de ceremonia religiosa.

Only God Forgives pone todo a la interpretación del espectador. Nicolas Winding Refn da un paso osado en su evolución como autor con una película que tomas o dejas.

Fincher

Finalmente mi colección Fincher está casi completa. La única película ausente es Panic Room que aún no es editada en Bluray.

¿Puedes reconocer de todas es un bluray pirata?

Drive

DRIVE
(Nicolas Winding Refn, 2011)

La mejor película que veo en años, viene de un director totalmente desconocido para mí. Es más fácil encontrarle el gusto en algo que te esperas. Cuando vi Drive no supe que esperar. Y así de la nada me encuentro con una película que tiene una fotografía bella, un lirismo de cada ralentí de sus imágenes, un soundtrack “ochentero” genial, actuaciones moderadas, una apuesta de actualización del antihéroe del spaguetti western, un noir moderno con una violencia gore heredada de la serie –B. Y aunque todo esto suene demasiado, no llega a empalagar, esta mescolanza cinéfila no es más que el cascarón del corazón de la película: la historia de una relación romántica que no tiene necesidad de repetir mil veces te amo. Sólo basta con sus miradas para sentir sus sentimientos y sentirnos afectados por lo que pasan.

Las actuaciones en todos los campos están soberbias, destacando sobre todo que los personajes se sienten frescos al no ser estereotipos.

La película tiene una duración corta en comparación con todo lo que ofrece, en su hora y treinta minutos somos testigos del inicio, medio y final de la relación del “conductor” y de Irene personificada por la bella Carey Mulligan, el protagonista, un conductor de escenas de riesgo para cine, es un personaje profundo, llegando hasta el punto de tener una bifurcación/conjunción entre príncipe y bestia. El protagonista, interpreta por el sobrio y exacto Ryan Gosling tiene otro papel en la sociedad al caer la noche, hace trabajos de chofer para delincuentes, por cinco minutos él mediante su destreza al manejar evita que los atrapen.

Esta doble vida que lleva es lo que va formando su carácter y poco a poco se va metiendo más en el mundo de la delincuencia de Los Ángeles, ciudad donde ocurre la historia. Por más buenas intenciones que tenga, el conductor debe enmendar todo el daño que ha ocasionado. Evitando principalmente que Irene sea la lastimada, el protagonista hará de todo para librarla del karma que ella tiene en su vida al tener como esposo a un delincuente.

No puedo dejar de mencionar la fábula a la que se hace mención en el filme, un sapo estaba en la orilla de un lago, un escorpión se acercó al sapo y le dijo: ¿me ayudarías a cruzar al otro lado del lago? Yo me subo en ti y tu nadas hasta el otro lado. No, no puedo hacerlo, si tú te subes en mí, puedes picarme y voy a morirme. Piénsalo, yo no sé nadar si yo te pico en el lago tu morirás, pero también yo moriré, porque si tú te hundes yo me hundo y moriré junto contigo ¿me ayudarás? El sapo accedió; Está bien, yo te ayudaré. El escorpión subió en el sapo, y con mucho esfuerzo el sapo ya iba a mitad del lago cuando sintió un picotazo en su cabeza, inmediatamente se detuvo y le preguntó al escorpión: ¿por qué me picaste? Ahora moriremos los dos. Discúlpame, no quise hacerlo, pero no pude evitarlo… esa es mi naturaleza.

Esta fábula hace relación al “trabajo” que realizaba el conductor, al relacionarse con delincuentes, por más que tuviese buenas intenciones, iba a acabar mal.

Para terminar, quiero mencionar la mejor escena que veo en años, la escena que resume las intenciones de Drive: el ascensor. Esta escena es genial, el conductor e Irene entran al ascensor luego de haber peleado, dentro se encuentra un matón que va por él. Al darse cuenta de esto, el conductor sabe que no hay marcha atrás y toma a Irene por la cintura para besarla en una escena poética, en la cual las luces, la cámara y la música nos deleitan al máximo. Luego de besarla el matón intenta atacarlos, pero el conductor logra reducirlo y comienza a patearle la cabeza hasta dejar una papilla de cerebro en el piso del ascensor. El monstruo se ha quedado y el príncipe se ha ido, Irene se aleja de él.

Así comienza el descenso por el infierno del protagonista, para encarar a los mafiosos Nino y Bernie, su lado brutal toma control y debe ser más violento para asegurar el bienestar de Irene. Aunque su lado violento lo vaya a alejar de ella, es la decisión que toma nuestro antihéroe.

Escena GENIAL.

Lo mejor: Todo.

Tener precaución en caso de personas sensibles, las escenas violentas son muy gráficas.

Dead Ringers

DEAD RINGERS

(David Cronenberg, 1988)

Estoy ante la mejor película de Cronenberg, porque su filme más personal es un drama invadido por la psicología del director: desde la misoginia, la familia, la relación mente-cuerpo, la duplicidad de la mente, hasta la tecnología.

La primera escena nos revela la unión de una sola mente en dos cuerpos, los gemelos Mantle piensan al unísono, con un solo sistema nervioso, una mente en dos cuerpos. Además en la misma escena podemos apreciar la relación que llevan con las mujeres, ellas son un objeto interesante por que ayudan en la reproducción. Ambos llegan a ser reconocidos ginecólogos.
Entonces los Mantle utilizan la tecnología médica para mejorar a las mujeres que tienen problemas de reproducción, y desde ese punto de vista, dejan de ser tan humanas como ellos, pero cuando Beverly descubre a una mujer trifurcada en el útero, una mutación, queda prendido de ella porque no la puede modificar tecnológicamente, por lo tanto es totalmente humana y deseable ante él, precisamente por su malformación.


Elliot es el que hace el contacto con ella y Beverly motivado por la curiosidad, accede a tener relaciones con ella. Debido a la profesión de los personajes, su capacidad sexual aumenta, teniendo relaciones más placenteras. Claire es una actriz, otra persona "doble" y la que se da cuenta que algo no anda bien con su pareja. La primera vez que duda sobre ello Bev desesperadamente logra mantenerla con él suministrándose ambos drogas. Cuando ella logra conocer la verdad, se separa de ambos, a lo que Bev no puede aguantar, y empieza la destrucción del ser que formaban Bev y Elliot juntos, un ser que no era ni uno ni el otro, si no que era el logro de ambos. Es en un sueño que vemos los sentimientos de Beverly, los gemelos están unidos mediante un cordón umbilical siamés y Bev no quiere "compartir" el placer del sexo con Ely, Claire separa esa unión que ambos tienen en su vientre con los dientes; Beverly sufre horriblemente por la separación.


Pero por azares de su carrera, ambos son forzados a separarse, no sólo físicamente sino también psicológicamente, Beverly duda del amor de su hermano y suyo, además no quiere juntar de nuevo a Elliot y Claire. De alguna manera, Elliot no puede sentir algo sin que su hermano lo sienta también, es decir, Elliot no puede sentir placer totalmente a no ser que su hermano ltenga relaciones con la misma mujer y se lo cuente, como si sus sistemas nerviosos estuvieran unidos y sintieran para un sólo ser entre los dos. Cuando Elliot está de viaje tiene relaciones con gemelas, entonces él les pide que lo llamen una por el nombre de Ely y la otra por el nombre de Bev. Otra escena fantástica es en la que Beverly y Elliot bailan con la misma mujer, reforzando esa relacion que tienen, en la cual Elliot siente placer cuando Bev ha tenido a la misma pareja, como si ambos hicieran el amor entre ellos.

Luego de que Claire viaje por trabajo y que Bev crea que lo engaña, éste vuelve a Elliot, pidiéndole perdón porque se escondía de él. Porque de alguna manera fue infiel a esa unión de ambos, pensando que tenía a alguien más en la mujer.
Cuando el cuerpo de Beverly empieza a ser invadido por las drogas, entonces la misma medicina distorciona su humanidad, el dolor que siente provocado por la soledad de haberse alejado y excluido de su hermano por una mujer que lo engaño, hace que su caracter y conducta cambien, haciéndolo irreconocible para su hermano.

Es cuando Ely por el bien del ser que forman ambos, debe adaptarse a la forma de Beverly mediante las pastillas que borran el dolor y transforman a Bev. Vuelve Claire y Bev se escapa con ella luego de que la carrera de los doctores Mantle se vea manchada por instrumentos tecnológicos que hacen que el cuerpo se adapte a ellos y no al revés, Beverly siente un impulso a volver al departamento de su hermano por un motivo que desconoce, es el cumpleaños de ambos.

Beverly encuentra a Elliot en el suelo de la ducha, Ely esta en el mismo estado que Bev. Ambos son un ser nuevamente pero este ser detruye a ambos, luego de celebrar su cumpleaños ambos acuerdan separar su unión siamesa, y es Beverly el que toma los instrumentos y abre una puerta en el abdomen de Ely. Bev intenta seguir con su vida e ir tras Claire, pero su unión sigue hasta la muerte, no puede separarse del cuerpo de su gemelo inerte. Ahora solo queda la mitad de un ser, que solo vivía en dependencia del otro, sin el otro, la relación simbiótica se rompe, siendo imposible continuar la vida.

Scanners

SCANNERS
(David Cronenberg, 1981)

El director canadiense David Cronenberg es un director que puede ser relacionado fácilmente con escenas chocantes y grotescas, eso es lo que vamos a dejar de lado en este análisis, pero también es el hombre detrás de una mente que tiene curiosidad por la modificación / destrucción del cuerpo y la mente del hombre, por el fruto de la tecnología.

Y es así que luego de su primer trabajo con el drama de terror The Brood, Cronenberg iba asentando las bases de su cine, ya no solamente mostraba los cuerpos de personas desconocidas descomponiéndose y contagiándose en Shivers y Rabid; ahora sus películas relacionaban la mente y el cuerpo; con un adicional de relaciones familiares y problemas usuales de la sociedad, creando un drama más universal.

Cronenberg no será un director que imagina la tecnología como la miran las películas de ciencia ficción, por el contrario, su uso de la tecnología en la diversos campos, especialmente en la medicina lo hace un cuestionador eficaz e inquisidor de los niveles en que aceptamos que la tecnología nos deshumanice.

En Scanners, la existencia de personas que tienen una mente modificada, haciédolas capaces de tener una percepción extrasensorial que hace que puedan conectarse a otros sistemas nerviosos, incluso los de las computadoras. Esto no tendría nada de qué preocuparnos, pero el origen de esta mutación es un medicamento, es decir, que la sociedad está tomando el cuerpo humano como una máquina a la cual debemos "reparar" cuando funciona mal. Y aceptamos esto diariamente cuando las empresas que nos venden medicamentos modifican nuestro cuerpo, haciéndonos menos humanos de lo que éramos. Terrible escena en la que el Dr. Paul Ruth utiliza un humano para que el scanner desarrolle sus habilidades.

El protagonista de Scanners es Cameron Vale, un conejillo de indias más de los muchos de medicamentos del mundo, que ha mutado gracias al Ephemerol un sentido de Telepatía.
El "villano" es Darryl Revok, quizás el scanner con más poder en el mundo; aquí Cronenberg comienza con algunos detalles que pueden pasar inadvertidos; tanto el protagonista como el antogonista no sufren ni se alegran, no tienen sentimiento alguno, son seres deshumanizados, mutantes probablemente evolucionados de la raza humana que se consideran superiores, luego de haber sido "mejorados" por la tecnología/medicina. Estos scanners máquinas pueden transmutar de un cuerpo a otro, através del poder de sus ideas, de sus pensamientos.

Estos poderes de los Scanners pueden ser tan destructivos, como es el caso de Cameron y Darryl Revok, pero también puede usarse con fines artísticos creativos, como en Benjamin Pearce, interesantísima escena en la que ambos entran al taller de Pierce, en el que su arte muestra mucho el dolor, agonía y sufrimiento del cuerpo "humano". Además cuando ambos conversan entran en un cuarto con forma de cabeza; queriendo decir que estamos olvidando que las ideas y la mente son el campo en el cual podemos decidir, aún cuando las corporaciones y el gobierno nos hagan pensar como ellos quieren, incluso antes de que nazcamos.

El gobierno y/o corporaciones intentan modificar el cuerpo mediante las medicamentos y otros aparatos/artefactos, para generar una corriente de pensamiento a conveniencia.
Finalmente una computadora es la que contiene las listas de doctores que administran Ephimerol a sus pacientes, en los créditos finales, Cronenberg nos indica que estos humanos han sido "madurados" cuando todos los nombres aparecen en esta interface de computadora.

El final es pesimista y sombrío, Cameron ha podido sacar de su cuerpo su alma mediante esas puertas a las que se refería Revok, como si el cuerpo humano con la carne y hueso fueran obsoletos y diesen pase a los cuerpos mecánicos de las computadoras. Finalmente cuando Cameron cuando dice, hemos ganado, se refiere a los scanners, a esos humanos máquinas que no tienen sentimientos y están más cerca a las máquinas y computadoras que con los seres humanos. Es en esa sociedad en la que vivimos ahora señores.

High Definition

ALTA DEFINICIÓN (HD) FORMATOS Y DISPOSITIVOS



Cada cierto tiempo, la tecnología nos atropella con una serie de innovaciones que adaptamos y procesamos poco a poco en nuestras vidas.
En el mercado de video doméstico, los primeros aparatos aparecieron por los años 70, contrario a lo que muchos piensan. El primer formato en aparecer fue el VHS en 1973, por la empresa JVC. Este formato fue mucho más popular que su principal competidor, el Betamax aparecido en 1975, de Sony.
En esta primera guerra de formatos domésticos Sony tenía las de ganar, Beta era un sistema de mayor calidad que el VHS. Tenía más líneas de definición, por lo tanto, mejor calidad de imagen, también mejor calidad de sonido y su sistema de avance y rebobinado de cinta era superior. Pero en su contra, Beta sólo podía grabar cintas de 1 hora de duración, mientras que VHS permitía grabaciones de hasta 2 horas. Es por esto que para grabar una película en Betamax, se tenía que usar más de un cassete.
Sony le hizo frente a esta desventaja, creando un cassete que podía grabar hasta 3 horas.

Pero el gran error de Sony fue no licenciar su producto con facilidad, es decir, ponían demasiadas trabas y exigencias si otra marca quería fabricar un reproductor de Betamax, al contrario del VHS. Esto se traduce en una mayor variedad de modelos y marcas de VHS que los de Beta.

Finalmente la batalla fue ganada por VHS y este formato ha dominado el mercado doméstico de video por unos amplios 15 años.

Algunos de nosotros no lo conociamos pero eso no quiere decir que era irrelevante, estoy hablando nada más que de el LaserDisc, este no compitió con el VHS, debido a una simple razón. Era un formato demasiado caro, preferido por videófilos y audiófilos.
Pero, las razones de que no se hizo popular fue principalmente el hecho de no poder grabar en un laserdisc, como sí se podía hacer en un cassete ya sea de Beta o de VHS. Además el tamaño de un LD es de 30 cm, haciendolo demasiado delicado. Pero este formato presentó las bases del DVD, audio digital, una mejor calidad de imagen, comentarios del director, etc.
Este fue el formato por excelencia en Japón, donde el anime era vendido en este formato.

A partir del año 1997, el DVD se hizo popular en Japón, como sucesor del LD. Pero su elevado precio lo hizo deseado para un pequeño grupo de videófilos. Para su aceptación a nivel mundial, el DVD utilizó una estrategia de costos bajos, inferior generalmente a $100.
Aquellos primeros DVDs entusiasmaron mucho al público en general, la definición de la imagen era el principal atractivo, seguido por un audio mucho más fuerte y agresivo que cualquier VHS.

Pero las innovaciones no debían hacerse esperar, teniendo en consideración que ya son 14 años desde la aparición del DVD. Nuevamente aparecen formatos, el HD-DVD y el Blu-ray que entran en una nueva guerra de formatos.

Pueden leer sobre aquella guerra aquí, el Bluray salió vencedor debido casi a los mismos puntos que en la guerra anterior. Pero esta vez, el Bluray adaptó todos las bondades que tenía el HD-DVD, mejorando considerablemente su producto.



Para poder aprovechar las bondades del Bluray, debemos tener en cuenta lo siguiente:



La imagen del Bluray es mucho más grande (verde) que la del DVD normal (rosado), es por ello que para visionarla correctamente se necesita de un TV que cumpla con las siguientes características:

Debe tener resolución de 1920*1080 pixeles. Esto se puede comprobar viendo las características del TV.
Debe tener entradas HDMI.

Debes conectar el reproductor de Bluray al HDTV mediante este cable.


Esa es la única manera de disfrutar de una imagen en alta resolución.

ERRORES COMUNES

Cables: Puedes conectar tu Bluray a tu HDTV mediante alguno de estos cables:
S-Video

RCAEl más popular de los cables es el RCA, que viene de colores ROJO BLANCO Y AMARILLO, pero estos cables sólo pueden transmitir imagen de resolucion 720*480 pixeles. Es decir la resolución común del DVD.

TV de menor resolución, no hay que confundir HDTV con TV de LCD, PLASMA o LED.
Es decir cada TV tiene distinta resolución, hay de 720p, 900p, hasta más de 1080p.
Para poder ver correctamente un Bluray es necesario un HDTV con resolucion de 1080p a más.
Es mucho mejor un HDTV de menos pulgadas pero que tenga resolucion de 1080p, a un HDTV más grande pero de menor resolución.

No importa el tamaño del HDTV, importa su resolución.

El DVD se ve bastante bien, pues el Bluray se ve muchisimo mejor. Obviamente en un Tv analógica de resolución normal no se puede apreciar esta diferencia. En la siguiente imagen, no se aprecian diferencias cierto? Pues hazles clic para apreciar las diferencias.


Esperar unos años a que salga el siguiente formato, el Bluray lleva recién tres años en el mercado. Además, se están desarrollando discos de Bluray de mayor capacidad. El Bluray llegó para quedarse.

El Bluray está demasiado caro, en sus inicios el DVD estaba igual de caro.

El Bluray solo tiene mejor imagen, si la calidad de imagen del Bluray es 4 o 5 veces superior. El audio es de 10 a 20 veces mejor. El audio TrueHD o el DTS Master son audios sin compresión.
Es decir, que el audio es exactamente igual a como se escuchó en cines, si tienes un Home Theater que reproduce sonido en HD, puedes alcanzar esos niveles. Pero en cualquier medio por el cual escuches el audio, lo notarás más alto y más claro.

Los Blurays pirata son igual que el original, es más están vendiendo muchos piratas como originales, pero la diferencia es notable. El Bluray original tiene un tamaño de 50GB, en cambio el pirata común tiene un tamaño de 25GB, es decir, comprimen la calidad a la mitad en muchas ocasiones.

Sólo las peliculas nuevas se ven bien, todo depende del trabajo que se realice en la edición, es decir, se debe realizar una remasterización del material original. Y un cuidadosa limpieza, restauración. Se debe tener en cuenta las consideraciones del director y del director de fotografía para hacerlo. Esto no ocurría en el DVD.


El DVD será obsoleto, el Bluray también puede reproducir DVD, pero no al revés.

El futuro del video está en las descargas, las velocidades actuales permitirían bajar un Bluray completo en uno o dos meses.

El 3D será el estándar del futuro, el año 2010 se han producido menos de 10 películas en un 3D decente. Existen alrededor de 3500 títulos en Bluray, de los cuales, menos de 10 son en 3D. Además, los videófilos prefieren una imagen nítida antes que el 3D.

Algunos Blurays destacados por la calidad de su audio y video son:
Alien Anthology, Apocalypse Now, Avatar, Back to the future, Blade Runner, The Dark Knight, Fight Club, The Godfather, Inception, Iron Man, Minority Report, No Country for old men, Saving Private Ryan, Star Trek, 2001: A space oddisey.

Conclusiones finales, el Bluray es el formato que reproduce más fielmente las intenciones del director. Es decir, el Bluray te presenta la misma presentación que en el cine. El Bluray es un formato que recién se está convirtiendo en estándar. Hasta el momento en todo el mundo el DVD tienen un 80% del mercado, mientras que el Bluray un 20%. Los precios de los reproductores de los Bluray bajarán, haciendo más común ver uno de estos aparatos en casa.

GoodFellas

Goodfellas
(Martin Scorsese, 1990)

Hay personas que intentan ser buenas en la vida, llevan una vida tranquila, un trabajo decente, un horario de 9 a 5, una porquería de sueldo y al fin y al cabo son, NADIE.
Hay otras personas que quieren ser gangsters desde que tienen uso de razón, ser gangster puede ser mejor que ser presidente de los EEUU; puedes estacionarte donde quieras, la policía te respeta, los gangsters te respetan, tienes todo el dinero que quieres, pero ...


Martin Scorsese realiza la mejor película de gangsters, sí, considero Goodfellas superior a The Godfather, porque el virtuosismo visual de Scorsese, hace una película incansable, que puedes ver una y otra vez en función continuada.
Era el año de 1990 cuando Martin Scorsese tomaba la novela de Nicholas Pileggi y la convertía en una obra maestra, luego de haber tenido demasiada controversia con su Last Temptation of the Christ, entra una vez más en el mundo de mafiosos italianos ( se llaman asímismos chicos listos o buenos muchachos) obteniendo seis nominaciones a los Oscar, quizás en la época que los Oscar aún significaban algo.

Actores en estado de gracia, un prodigio visual en cada momento, una banda sonora exquisita, una historia excelente y el rompimiento del Cuarto Muro.


La película trata sobre Henry Hill (Ray Liotta) , un mafioso que vive en el barrio italiano, epicentro de la mafia de Nueva York, desde allí Paul Cicero ( Paul Sorvino) controla todas las acciones ilegales de toda NY, desde joven el protagonista se gana el respeto y confianza de la mafia, aprendiendo a ganarse la vida dólar a dólar. Todos tienen respeto por el joven Henry, desde sus vecinos y compañeros de colegio hasta los mismos gángsters, pero Henry tiene un problema, no es como ellos. Desde las escenas iniciales vemos cómo Henry está demasiado extasiado con la vida de gángster que se vuelve descuidado en ciertos aspectos que marcarán su odisea final.


Antes de entrar en la odisea final, Henry conoce a Jimmy Conway (Robert de Niro) el cual es un mafioso irlandés (cuando va al cine a ver películas, sienmpre está del bando de los malos) que tiene un deseo por robar, más que por cualquier otra cosa, en contraste, se encuentra Tommy Devito (Joe Pesci, ganador del Oscar por este papel) que es un psicópata alegre-del-gatillo que mata a cualquier persona, animal o cosa que le "joda las bolas". Perfecta escena del "funny how?".


Sólo faltaría mencionar que Henry se casa con Karen ( Lorraine Bracco ), y es entonces que se da el camino de ascenso, caída y redención de Henry; marca típica de la casa Scorsese.


Entonces el inicio que se dio de manera tan alegre y que a todos nos hizo desear estar en la mafia, se ve totalmente oscurecido por lo que ocurre en lo largo de la película, algunos se llenan de drogas, otros se vuelven paranoicos y matan a las personas que los puedan delatar, otros no quieren saber nada más de la mafia y algunos, delatan a todos los anteriores por su pellejo.


Las actuaciones soberbias, de la mano de Scorsese, se vuelven en algo demasiado cool, debido al soundtrack utilizado en la película, es que Scorsese también es un cinéfilo melómano como ya había demostrado en Mean Streets, y nos ofrece el mejor soundtrack de rock del cine, es que no sólo pone una canción de fondo, mezcla canción, imagen y actuación como un fucking reloj suizo.
Canciones como "It's not for me to say", "Pretend you don't see her", "Gimme Shelter", "Sunshine of your love" y "Layla", entre otras hacen una obra maestra cool.
Pero eso no es todo, está el famoso MONTAJE DEL HELICÓPTERO, que simplemente es algo que te mantiene en el vilo del extasis, la escena trata sobre el último día de mafioso de Henry, en el cual un helicóptero de la policía de narcóticos los persigue, mientras Henry hace negocios vendiendo armas, comprando droga y rebajándola para enviarla con la niñera de sus hijas a unos clientes, mientras su hermano los visita. GENIAL. La canción que abre es "Jump into the fire" de Harry Nilson, sigue "Memo to Turner" de los Rolling Stones, "Magic Bus" de The Who, vuelve a "Jump into the fire", "Monkey Man" de los Rolling Stones, "Manish Boy" de Muddy Waters, "What is life" de George Harrison, y finalmente "Toad" de Cream.


Luego de la música, también está la imagen, con Scorsese transmitiendo un sentimiento, una emoción con cada encuadre, zoom, traveling, luz, sombra, reflejo, incluso presente el "zoom de Hitchcock", pero algo que todo el mundo nunca olvidará, es la planificación que hizo Scorsese para su plano secuencia en el que la cámara sigue a Henry y Karen desde el exterior de un club, pasando por la calle, el almacén, la cocina, entrar en el club, que les pongan una mesa, que se sienten, que les envíen una botella de champagne, la famosa línea de Henry cuando le preguntan: a qué te dedicas?A la construcción. No pareces constructor. Soy delegado sindical.


Inclusive el montaje soberbio de la habitual colaboradora de Scorsese, Thelma Schoonmaker, está puesto a prueba en los minutos iniciales de la película con uno de los mejores prólogos del cine que nos hacen entrar de lleno en la historia, conocer al personaje principal y como crême, nunca llega a hacer un montaje de video clip como películas intentan en la actualidad.


Finalmente está el rompimiento del cuarto muro narrativo, es decir, en cierto punto de la película, Henry nos habla directamente, sabe que somos espectadores ( ya habíamos hablado de esto en un post anterior sobre Pierrot le Fou ) y nos relata la parte final.


Les reto a pasar por alto esta película, nunca podrán.