I love Cinema

Coleccionables en DVD

2011-10-20T12:36:00.000-07:00

Trailer HP7- 2

2011-04-28T07:29:00.001-07:00

Dead Ringers

2011-01-26T11:42:00.000-08:00

DEAD RINGERS

(David Cronenberg, 1988)

Estoy ante la mejor película de Cronenberg, porque su filme más personal es un drama invadido por la psicología del director: desde la misoginia, la familia, la relación mente-cuerpo, la duplicidad de la mente, hasta la tecnología.

La primera escena nos revela la unión de una sola mente en dos cuerpos, los gemelos Mantle piensan al unísono, con un solo sistema nervioso, una mente en dos cuerpos. Además en la misma escena podemos apreciar la relación que llevan con las mujeres, ellas son un objeto interesante por que ayudan en la reproducción. Ambos llegan a ser reconocidos ginecólogos.
Entonces los Mantle utilizan la tecnología médica para mejorar a las mujeres que tienen problemas de reproducción, y desde ese punto de vista, dejan de ser tan humanas como ellos, pero cuando Beverly descubre a una mujer trifurcada en el útero, una mutación, queda prendido de ella porque no la puede modificar tecnológicamente, por lo tanto es totalmente humana y deseable ante él, precisamente por su malformación.

Elliot es el que hace el contacto con ella y Beverly motivado por la curiosidad, accede a tener relaciones con ella. Debido a la profesión de los personajes, su capacidad sexual aumenta, teniendo relaciones más placenteras. Claire es una actriz, otra persona "doble" y la que se da cuenta que algo no anda bien con su pareja. La primera vez que duda sobre ello Bev desesperadamente logra mantenerla con él suministrándose ambos drogas. Cuando ella logra conocer la verdad, se separa de ambos, a lo que Bev no puede aguantar, y empieza la destrucción del ser que formaban Bev y Elliot juntos, un ser que no era ni uno ni el otro, si no que era el logro de ambos. Es en un sueño que vemos los sentimientos de Beverly, los gemelos están unidos mediante un cordón umbilical siamés y Bev no quiere "compartir" el placer del sexo con Ely, Claire separa esa unión que ambos tienen en su vientre con los dientes; Beverly sufre horriblemente por la separación.

Pero por azares de su carrera, ambos son forzados a separarse, no sólo físicamente sino también psicológicamente, Beverly duda del amor de su hermano y suyo, además no quiere juntar de nuevo a Elliot y Claire. De alguna manera, Elliot no puede sentir algo sin que su hermano lo sienta también, es decir, Elliot no puede sentir placer totalmente a no ser que su hermano ltenga relaciones con la misma mujer y se lo cuente, como si sus sistemas nerviosos estuvieran unidos y sintieran para un sólo ser entre los dos. Cuando Elliot está de viaje tiene relaciones con gemelas, entonces él les pide que lo llamen una por el nombre de Ely y la otra por el nombre de Bev. Otra escena fantástica es en la que Beverly y Elliot bailan con la misma mujer, reforzando esa relacion que tienen, en la cual Elliot siente placer cuando Bev ha tenido a la misma pareja, como si ambos hicieran el amor entre ellos.

Luego de que Claire viaje por trabajo y que Bev crea que lo engaña, éste vuelve a Elliot, pidiéndole perdón porque se escondía de él. Porque de alguna manera fue infiel a esa unión de ambos, pensando que tenía a alguien más en la mujer.
Cuando el cuerpo de Beverly empieza a ser invadido por las drogas, entonces la misma medicina distorciona su humanidad, el dolor que siente provocado por la soledad de haberse alejado y excluido de su hermano por una mujer que lo engaño, hace que su caracter y conducta cambien, haciéndolo irreconocible para su hermano.

Es cuando Ely por el bien del ser que forman ambos, debe adaptarse a la forma de Beverly mediante las pastillas que borran el dolor y transforman a Bev. Vuelve Claire y Bev se escapa con ella luego de que la carrera de los doctores Mantle se vea manchada por instrumentos tecnológicos que hacen que el cuerpo se adapte a ellos y no al revés, Beverly siente un impulso a volver al departamento de su hermano por un motivo que desconoce, es el cumpleaños de ambos.

Beverly encuentra a Elliot en el suelo de la ducha, Ely esta en el mismo estado que Bev. Ambos son un ser nuevamente pero este ser detruye a ambos, luego de celebrar su cumpleaños ambos acuerdan separar su unión siamesa, y es Beverly el que toma los instrumentos y abre una puerta en el abdomen de Ely. Bev intenta seguir con su vida e ir tras Claire, pero su unión sigue hasta la muerte, no puede separarse del cuerpo de su gemelo inerte. Ahora solo queda la mitad de un ser, que solo vivía en dependencia del otro, sin el otro, la relación simbiótica se rompe, siendo imposible continuar la vida.

Scanners

2011-01-15T11:56:00.000-08:00

SCANNERS
(David Cronenberg, 1981)

El director canadiense David Cronenberg es un director que puede ser relacionado fácilmente con escenas chocantes y grotescas, eso es lo que vamos a dejar de lado en este análisis, pero también es el hombre detrás de una mente que tiene curiosidad por la modificación / destrucción del cuerpo y la mente del hombre, por el fruto de la tecnología.

Y es así que luego de su primer trabajo con el drama de terror The Brood, Cronenberg iba asentando las bases de su cine, ya no solamente mostraba los cuerpos de personas desconocidas descomponiéndose y contagiándose en Shivers y Rabid; ahora sus películas relacionaban la mente y el cuerpo; con un adicional de relaciones familiares y problemas usuales de la sociedad, creando un drama más universal.

Cronenberg no será un director que imagina la tecnología como la miran las películas de ciencia ficción, por el contrario, su uso de la tecnología en la diversos campos, especialmente en la medicina lo hace un cuestionador eficaz e inquisidor de los niveles en que aceptamos que la tecnología nos deshumanice.

En Scanners, la existencia de personas que tienen una mente modificada, haciédolas capaces de tener una percepción extrasensorial que hace que puedan conectarse a otros sistemas nerviosos, incluso los de las computadoras. Esto no tendría nada de qué preocuparnos, pero el origen de esta mutación es un medicamento, es decir, que la sociedad está tomando el cuerpo humano como una máquina a la cual debemos "reparar" cuando funciona mal. Y aceptamos esto diariamente cuando las empresas que nos venden medicamentos modifican nuestro cuerpo, haciéndonos menos humanos de lo que éramos. Terrible escena en la que el Dr. Paul Ruth utiliza un humano para que el scanner desarrolle sus habilidades.

El protagonista de Scanners es Cameron Vale, un conejillo de indias más de los muchos de medicamentos del mundo, que ha mutado gracias al Ephemerol un sentido de Telepatía.
El "villano" es Darryl Revok, quizás el scanner con más poder en el mundo; aquí Cronenberg comienza con algunos detalles que pueden pasar inadvertidos; tanto el protagonista como el antogonista no sufren ni se alegran, no tienen sentimiento alguno, son seres deshumanizados, mutantes probablemente evolucionados de la raza humana que se consideran superiores, luego de haber sido "mejorados" por la tecnología/medicina. Estos scanners máquinas pueden transmutar de un cuerpo a otro, através del poder de sus ideas, de sus pensamientos.

Estos poderes de los Scanners pueden ser tan destructivos, como es el caso de Cameron y Darryl Revok, pero también puede usarse con fines artísticos creativos, como en Benjamin Pearce, interesantísima escena en la que ambos entran al taller de Pierce, en el que su arte muestra mucho el dolor, agonía y sufrimiento del cuerpo "humano". Además cuando ambos conversan entran en un cuarto con forma de cabeza; queriendo decir que estamos olvidando que las ideas y la mente son el campo en el cual podemos decidir, aún cuando las corporaciones y el gobierno nos hagan pensar como ellos quieren, incluso antes de que nazcamos.

El gobierno y/o corporaciones intentan modificar el cuerpo mediante las medicamentos y otros aparatos/artefactos, para generar una corriente de pensamiento a conveniencia.
Finalmente una computadora es la que contiene las listas de doctores que administran Ephimerol a sus pacientes, en los créditos finales, Cronenberg nos indica que estos humanos han sido "madurados" cuando todos los nombres aparecen en esta interface de computadora.

El final es pesimista y sombrío, Cameron ha podido sacar de su cuerpo su alma mediante esas puertas a las que se refería Revok, como si el cuerpo humano con la carne y hueso fueran obsoletos y diesen pase a los cuerpos mecánicos de las computadoras. Finalmente cuando Cameron cuando dice, hemos ganado, se refiere a los scanners, a esos humanos máquinas que no tienen sentimientos y están más cerca a las máquinas y computadoras que con los seres humanos. Es en esa sociedad en la que vivimos ahora señores.

High Definition

2011-01-09T11:53:00.001-08:00

ALTA DEFINICIÓN (HD) FORMATOS Y DISPOSITIVOS

Cada cierto tiempo, la tecnología nos atropella con una serie de innovaciones que adaptamos y procesamos poco a poco en nuestras vidas.
En el mercado de video doméstico, los primeros aparatos aparecieron por los años 70, contrario a lo que muchos piensan. El primer formato en aparecer fue el VHS en 1973, por la empresa JVC. Este formato fue mucho más popular que su principal competidor, el Betamax aparecido en 1975, de Sony.
En esta primera guerra de formatos domésticos Sony tenía las de ganar, Beta era un sistema de mayor calidad que el VHS. Tenía más líneas de definición, por lo tanto, mejor calidad de imagen, también mejor calidad de sonido y su sistema de avance y rebobinado de cinta era superior. Pero en su contra, Beta sólo podía grabar cintas de 1 hora de duración, mientras que VHS permitía grabaciones de hasta 2 horas. Es por esto que para grabar una película en Betamax, se tenía que usar más de un cassete.
Sony le hizo frente a esta desventaja, creando un cassete que podía grabar hasta 3 horas.

Pero el gran error de Sony fue no licenciar su producto con facilidad, es decir, ponían demasiadas trabas y exigencias si otra marca quería fabricar un reproductor de Betamax, al contrario del VHS. Esto se traduce en una mayor variedad de modelos y marcas de VHS que los de Beta.

Finalmente la batalla fue ganada por VHS y este formato ha dominado el mercado doméstico de video por unos amplios 15 años.

Algunos de nosotros no lo conociamos pero eso no quiere decir que era irrelevante, estoy hablando nada más que de el LaserDisc, este no compitió con el VHS, debido a una simple razón. Era un formato demasiado caro, preferido por videófilos y audiófilos.
Pero, las razones de que no se hizo popular fue principalmente el hecho de no poder grabar en un laserdisc, como sí se podía hacer en un cassete ya sea de Beta o de VHS. Además el tamaño de un LD es de 30 cm, haciendolo demasiado delicado. Pero este formato presentó las bases del DVD, audio digital, una mejor calidad de imagen, comentarios del director, etc.
Este fue el formato por excelencia en Japón, donde el anime era vendido en este formato.

A partir del año 1997, el DVD se hizo popular en Japón, como sucesor del LD. Pero su elevado precio lo hizo deseado para un pequeño grupo de videófilos. Para su aceptación a nivel mundial, el DVD utilizó una estrategia de costos bajos, inferior generalmente a $100.
Aquellos primeros DVDs entusiasmaron mucho al público en general, la definición de la imagen era el principal atractivo, seguido por un audio mucho más fuerte y agresivo que cualquier VHS.

Pero las innovaciones no debían hacerse esperar, teniendo en consideración que ya son 14 años desde la aparición del DVD. Nuevamente aparecen formatos, el HD-DVD y el Blu-ray que entran en una nueva guerra de formatos.

Pueden leer sobre aquella guerra aquí, el Bluray salió vencedor debido casi a los mismos puntos que en la guerra anterior. Pero esta vez, el Bluray adaptó todos las bondades que tenía el HD-DVD, mejorando considerablemente su producto.

Para poder aprovechar las bondades del Bluray, debemos tener en cuenta lo siguiente:

La imagen del Bluray es mucho más grande (verde) que la del DVD normal (rosado), es por ello que para visionarla correctamente se necesita de un TV que cumpla con las siguientes características:

Debe tener resolución de 1920*1080 pixeles. Esto se puede comprobar viendo las características del TV.
Debe tener entradas HDMI.

Debes conectar el reproductor de Bluray al HDTV mediante este cable.

Esa es la única manera de disfrutar de una imagen en alta resolución.

ERRORES COMUNES

Cables: Puedes conectar tu Bluray a tu HDTV mediante alguno de estos cables:
S-Video

RCAEl más popular de los cables es el RCA, que viene de colores ROJO BLANCO Y AMARILLO, pero estos cables sólo pueden transmitir imagen de resolucion 720*480 pixeles. Es decir la resolución común del DVD.

TV de menor resolución, no hay que confundir HDTV con TV de LCD, PLASMA o LED.
Es decir cada TV tiene distinta resolución, hay de 720p, 900p, hasta más de 1080p.
Para poder ver correctamente un Bluray es necesario un HDTV con resolucion de 1080p a más.
Es mucho mejor un HDTV de menos pulgadas pero que tenga resolucion de 1080p, a un HDTV más grande pero de menor resolución.

No importa el tamaño del HDTV, importa su resolución.

El DVD se ve bastante bien, pues el Bluray se ve muchisimo mejor. Obviamente en un Tv analógica de resolución normal no se puede apreciar esta diferencia. En la siguiente imagen, no se aprecian diferencias cierto? Pues hazles clic para apreciar las diferencias.

Esperar unos años a que salga el siguiente formato, el Bluray lleva recién tres años en el mercado. Además, se están desarrollando discos de Bluray de mayor capacidad. El Bluray llegó para quedarse.

El Bluray está demasiado caro, en sus inicios el DVD estaba igual de caro.

El Bluray solo tiene mejor imagen, si la calidad de imagen del Bluray es 4 o 5 veces superior. El audio es de 10 a 20 veces mejor. El audio TrueHD o el DTS Master son audios sin compresión.
Es decir, que el audio es exactamente igual a como se escuchó en cines, si tienes un Home Theater que reproduce sonido en HD, puedes alcanzar esos niveles. Pero en cualquier medio por el cual escuches el audio, lo notarás más alto y más claro.

Los Blurays pirata son igual que el original, es más están vendiendo muchos piratas como originales, pero la diferencia es notable. El Bluray original tiene un tamaño de 50GB, en cambio el pirata común tiene un tamaño de 25GB, es decir, comprimen la calidad a la mitad en muchas ocasiones.

Sólo las peliculas nuevas se ven bien, todo depende del trabajo que se realice en la edición, es decir, se debe realizar una remasterización del material original. Y un cuidadosa limpieza, restauración. Se debe tener en cuenta las consideraciones del director y del director de fotografía para hacerlo. Esto no ocurría en el DVD.

El DVD será obsoleto, el Bluray también puede reproducir DVD, pero no al revés.

El futuro del video está en las descargas, las velocidades actuales permitirían bajar un Bluray completo en uno o dos meses.

El 3D será el estándar del futuro, el año 2010 se han producido menos de 10 películas en un 3D decente. Existen alrededor de 3500 títulos en Bluray, de los cuales, menos de 10 son en 3D. Además, los videófilos prefieren una imagen nítida antes que el 3D.

Algunos Blurays destacados por la calidad de su audio y video son:
Alien Anthology, Apocalypse Now, Avatar, Back to the future, Blade Runner, The Dark Knight, Fight Club, The Godfather, Inception, Iron Man, Minority Report, No Country for old men, Saving Private Ryan, Star Trek, 2001: A space oddisey.

Conclusiones finales, el Bluray es el formato que reproduce más fielmente las intenciones del director. Es decir, el Bluray te presenta la misma presentación que en el cine. El Bluray es un formato que recién se está convirtiendo en estándar. Hasta el momento en todo el mundo el DVD tienen un 80% del mercado, mientras que el Bluray un 20%. Los precios de los reproductores de los Bluray bajarán, haciendo más común ver uno de estos aparatos en casa.

GoodFellas

2010-09-05T18:35:00.000-07:00

Goodfellas
(Martin Scorsese, 1990)

Hay personas que intentan ser buenas en la vida, llevan una vida tranquila, un trabajo decente, un horario de 9 a 5, una porquería de sueldo y al fin y al cabo son, NADIE.
Hay otras personas que quieren ser gangsters desde que tienen uso de razón, ser gangster puede ser mejor que ser presidente de los EEUU; puedes estacionarte donde quieras, la policía te respeta, los gangsters te respetan, tienes todo el dinero que quieres, pero ...

Martin Scorsese realiza la mejor película de gangsters, sí, considero Goodfellas superior a The Godfather, porque el virtuosismo visual de Scorsese, hace una película incansable, que puedes ver una y otra vez en función continuada.
Era el año de 1990 cuando Martin Scorsese tomaba la novela de Nicholas Pileggi y la convertía en una obra maestra, luego de haber tenido demasiada controversia con su Last Temptation of the Christ, entra una vez más en el mundo de mafiosos italianos ( se llaman asímismos chicos listos o buenos muchachos) obteniendo seis nominaciones a los Oscar, quizás en la época que los Oscar aún significaban algo.

Actores en estado de gracia, un prodigio visual en cada momento, una banda sonora exquisita, una historia excelente y el rompimiento del Cuarto Muro.

La película trata sobre Henry Hill (Ray Liotta) , un mafioso que vive en el barrio italiano, epicentro de la mafia de Nueva York, desde allí Paul Cicero ( Paul Sorvino) controla todas las acciones ilegales de toda NY, desde joven el protagonista se gana el respeto y confianza de la mafia, aprendiendo a ganarse la vida dólar a dólar. Todos tienen respeto por el joven Henry, desde sus vecinos y compañeros de colegio hasta los mismos gángsters, pero Henry tiene un problema, no es como ellos. Desde las escenas iniciales vemos cómo Henry está demasiado extasiado con la vida de gángster que se vuelve descuidado en ciertos aspectos que marcarán su odisea final.

Antes de entrar en la odisea final, Henry conoce a Jimmy Conway (Robert de Niro) el cual es un mafioso irlandés (cuando va al cine a ver películas, sienmpre está del bando de los malos) que tiene un deseo por robar, más que por cualquier otra cosa, en contraste, se encuentra Tommy Devito (Joe Pesci, ganador del Oscar por este papel) que es un psicópata alegre-del-gatillo que mata a cualquier persona, animal o cosa que le "joda las bolas". Perfecta escena del "funny how?".

Sólo faltaría mencionar que Henry se casa con Karen ( Lorraine Bracco ), y es entonces que se da el camino de ascenso, caída y redención de Henry; marca típica de la casa Scorsese.

Entonces el inicio que se dio de manera tan alegre y que a todos nos hizo desear estar en la mafia, se ve totalmente oscurecido por lo que ocurre en lo largo de la película, algunos se llenan de drogas, otros se vuelven paranoicos y matan a las personas que los puedan delatar, otros no quieren saber nada más de la mafia y algunos, delatan a todos los anteriores por su pellejo.

Las actuaciones soberbias, de la mano de Scorsese, se vuelven en algo demasiado cool, debido al soundtrack utilizado en la película, es que Scorsese también es un cinéfilo melómano como ya había demostrado en Mean Streets, y nos ofrece el mejor soundtrack de rock del cine, es que no sólo pone una canción de fondo, mezcla canción, imagen y actuación como un fucking reloj suizo.
Canciones como "It's not for me to say", "Pretend you don't see her", "Gimme Shelter", "Sunshine of your love" y "Layla", entre otras hacen una obra maestra cool.
Pero eso no es todo, está el famoso MONTAJE DEL HELICÓPTERO, que simplemente es algo que te mantiene en el vilo del extasis, la escena trata sobre el último día de mafioso de Henry, en el cual un helicóptero de la policía de narcóticos los persigue, mientras Henry hace negocios vendiendo armas, comprando droga y rebajándola para enviarla con la niñera de sus hijas a unos clientes, mientras su hermano los visita. GENIAL. La canción que abre es "Jump into the fire" de Harry Nilson, sigue "Memo to Turner" de los Rolling Stones, "Magic Bus" de The Who, vuelve a "Jump into the fire", "Monkey Man" de los Rolling Stones, "Manish Boy" de Muddy Waters, "What is life" de George Harrison, y finalmente "Toad" de Cream.

Luego de la música, también está la imagen, con Scorsese transmitiendo un sentimiento, una emoción con cada encuadre, zoom, traveling, luz, sombra, reflejo, incluso presente el "zoom de Hitchcock", pero algo que todo el mundo nunca olvidará, es la planificación que hizo Scorsese para su plano secuencia en el que la cámara sigue a Henry y Karen desde el exterior de un club, pasando por la calle, el almacén, la cocina, entrar en el club, que les pongan una mesa, que se sienten, que les envíen una botella de champagne, la famosa línea de Henry cuando le preguntan: a qué te dedicas?A la construcción. No pareces constructor. Soy delegado sindical.

Inclusive el montaje soberbio de la habitual colaboradora de Scorsese, Thelma Schoonmaker, está puesto a prueba en los minutos iniciales de la película con uno de los mejores prólogos del cine que nos hacen entrar de lleno en la historia, conocer al personaje principal y como crême, nunca llega a hacer un montaje de video clip como películas intentan en la actualidad.

Finalmente está el rompimiento del cuarto muro narrativo, es decir, en cierto punto de la película, Henry nos habla directamente, sabe que somos espectadores ( ya habíamos hablado de esto en un post anterior sobre Pierrot le Fou ) y nos relata la parte final.

Les reto a pasar por alto esta película, nunca podrán.

My Own Private Idaho

2010-09-03T19:12:00.000-07:00

My Own Private Idaho
(Gus Van Sant, 1991)

(Volví a dejar abandonado el blog por meses, esperando una disculpa de ese minúsculo grupo de personas que lee lo que siento, pienso, recuerdo y etc. al ver películas. Vuelvo a repetir, no es que deje de ver películas en esos tiempo que me alejo del blog. Las películas forman parte importante de mí, y por alguna razón cuando me siento emocionalmente inestable, me impido a mí mismo ver películas, por alguna razón me senté hoy delante de una película bella y quería compartirlo.)

Gus Van Sant es uno de los pocos directores en USA capaz de reinventar su carrera y su forma de hacer cine, afortunadamente el camino elegido por Van Sant es aquel que me gusta transitar más.
El año 2003 Van Sant sorprendió al jurado del festival de Cannes con su experimental film Elephant, para la cual ya había tenido un borrador en Gerry, consolidado en Last Days y finalmente reformado en esa bella película llamada Paranoid Park. Es debido a Paranoid Park que vuelvo a Gus Van Sant pero en vez de hacer un post sobre esta última, se me ocurrió volver a mi película favorita del director, My Own Private Idaho.

Nar-co-lep-sia : Enfermedad caracterizada por breves ataques de sueño profundo.

Encuentro el mismo motivo en el cine de Van Sant, al presentar esos escapes que tiene el protagonista de Paranoid Park para huir de la horrible realidad, imaginando ese lugar en el cual uno puede ser feliz; cuando lo mismo hace Mike con Idaho, su Idaho privado.

Mike Waters (River Phoenix) es el hijo de su hermano, su madre sufre de problemas mentales los cuales llega a heredar nuestro joven protagonista, y para sobrevivir vende su sexo especialmente a hombres, porque debido a su enfermerdad (Narcolepsia) cada vez que se estresa con pensamientos de su mamá o algo que la recuerde a ella, cae profundamente dormido.

Es entonces que nuestro joven / adolescente héroe es un homosexual que vende su cuerpo por dinero, es inolvidable la primera escena en la que vemos a Mike en una "cita" luego de que le hagan sexo oral, le avientan 20 dólares. Inolvidable.

Como siempre pienso, en las manos equivocadas esta historia sería de lo mas escandalosa, chillona o dramática, pero debido al pulso de Gus Van Sant, presenciamos una surrealista historia en la que el director toca sus temas yugulares, la homosexualidad y la adolescencia.

La historia aconcete en esa Norteamérica perfecta en la que los hogares rotos dejan niños confundidos y algunas personas se aprovechan de éstos sexualmente, la vida de nuestros protagonistas tiene su lugar las calles de Seattle y Portland, frías ciudades en las que los adolescentes aprenden más de amantes que de la escuela.
Gus Van Sant hace también denuncia con algunas escenas al estilo documental, en la cual los adolescentes que venden su sexo en la calle cuentan experiencias horribles que les ocurrieron en las "citas".

Todas estas capas que tiene la película tiene como tema casi principal la búsqueda del hogar, sin hablar del hogar como un lugar en el cual se come y se duerme, si no de un estado mental en el que uno obtiene paz y tranquilidad, por más horribles cosas que estén pasando afuera. La búsqueda inicial de este hogar se formaliza cuando Mike indaga sobre el paradero de su madre, encontrando el amor en Scott Favor (Keanu Reeves) el cual es el hijo de un alcalde, que debido a que no es tan grande como él y por la presión sobre sus jóvenes hombros, decide dedicarse a esa vida mundana, pero Scott tiene una regla, nunca tener sexo con hombres sin que le paguen por ello.

Scott acompaña a Mike en la búsqueda de su madre, Mike encuentra el hogar en Scott, pero Scott no lo ama. En una de las escenas más conmovedoras de la película, Mike le confiesa su amor a Scott, a lo cuál él responde : "Yo sólo tengo sexo con un hombre por dinero" y Mike contesta: "Está bien, yo no sé, quiero decir, para mí, yo podría amar a alguien incluso si no me pagaran para ello. Yo te amo y tú no me pagas."
Scott encuentra el amor en una mujer, vuelve a su vida aristocrática y obtiene la herencia de su padre, al regresar como el hijo pródigo. Scott es quien ha cuidado de Mike en toda la película, es cuando éste se va que Mike pierde totalmente su "hogar". El final es algo totalmente agridulce, Mike continúa de viajero, pero en la última escena de la película le roban su maleta y sus zapatos, un conductor se detiene en la pista y lo sube a su auto, es con esta escena que termina la película, dejándonos demasiadas posibilidades, cada una más triste que la otra, Scott recoge a Mike?, es el alemán quien recoge a Mike?, es su papá?.
Esa toma panorámica nos impide saber con certeza el final.

Debido a esta trama tan oscura es que la fotografía es una de las más bellas que recuerde, es que en My Own Private Idaho, los colores llenan la pantalla, haciendo de la película un caramelo con sabor amargo. Retratando esa colorida época que fueron los 90's.

Finalmente hay dos genialidades en esta película, la primera es una escena dentro de una tienda de revistas pornográficas en la cual conocemos la actitud de Scott, precisamente en la portada de una revista.

La última y algo que me llama mucho la atención, son las escenas de sexo, son fotografías vivas inmóviles que describen una relación sexual en minutos, no se las mostraré proque destrozaría la magia de las escenas inmaculadas, que no ocurren más de segundos, pero que para su servidor, es una de las mejores escenas de sexo del cine, conjuntamente con la de Paranoid Park.

Como punto final, terminaré por donde empecé, Gus Van Sant ha reinventado su carrera, pero en sabe a todo lo que había experimentado en todas sus películas, pero tiene también películas demasiado abiertas al público como son: To die for, Good Will Hunting, Finding Forrester y probablemente Milk, al decir demasiado abiertas al público quiero decir mainstream, películas sin riesgo. Si alguien quisiera navegar en la filmografía de este delicado director, recomendaría ir por las demás películas antes de las mencionadas en esta parte final.

Lost Highway

2010-07-01T22:27:00.000-07:00

LOST HIGHWAY
(David Lynch, 1997)

Antes que nada quisiera disculparme por desaparecer de la blogosfera, han sido dos meses sin ningún post y no es que haya dejado de ver películas sino que puse mi mente en escribir una historia que probablemente se convierta en un proyecto serio, ya los tendré más informados.

Cuando escojo una película para escribir sobre ella, escojo de entre mis directores favoritos la película más representativa o la que más me gusta, en este caso para hablar de David Lynch escojo una de sus obras menos comprendidas, porque tiene demasiadas cosas interesantes y requiere un gran esfuerzo mental.

Antes de empezar con la película en sí, quisiera empezar con David Lynch porque apreciar el genio de este AUTOR me costó tiempo (escribo autor con mayúsculas porque Lynch sí merece ser llamado como tal, así como también Burton no lo merece) desde aquel primer visionado que le diera a Blue Velvet, en el cual quedé un poco desencantado, por el hecho de que no conocía demasiado cine y entrar en la mente de David Lynch, puede resultar algo traumático si no se está preparado, así que preferí no profundizar en los caminos que Lynch me propuso en esta primera incursión.

Luego de esta travesía, visité nuevamente la mente de Lynch con The Elephant Man, excelente película que demuestra cómo un director puede mantener su estatus de autor, además de cumplir con una película de encargo que contaba algo no salido de la mente de Lynch (otra más Burton) finalmente entré de lleno con Eraserhead, la cual era una fábula totalmente Lynchiana arrancada de una mente genial. Ya me había fascinado el contenido y la forma de sus obras.
Luego llegarían a mí Mulholland Dr. , Lost Highway, Wild at Heart y Inland Empire.
Mulholland Dr. y Inland Empire son obras aclamadas que prueban la agudeza e inteligencia de este director, pintor, compositor, fotógrafo, escultor, diseñador, etc.

Pero con los puños cerrados transmito a ustedes mi incomodidad luego de haber repetido mi visionado de Lost Highway tres veces en la misma semana, porque es una obra maestra. La historia está contada a través de la mente de un psicópata que nos dice en sus propias palabras: "Me gusta recordar las cosas a mi manera. Eso es como las recuerdo. No necesariamente como pasaron."

Entonces de aquí nace la premisa para que dependa de nosotros tomar como parcialmente verdaderas algunas de las escenas que se nos muestran, además que se nos muestran en desorden, teniendo en consideración que la historia se nos muestra en la mente del psicópata que oculta la verdad de un crimen que ha cometido, en su mente personifica sus sentimientos y les da un rostro, nos cuenta su historia con otra historia en la cual él no es el protagonista, y cambia los hechos para sentirse bien. Algo complicado de explicar pero glorificante de ver.

No voy a contarles la historia, porque desde mi punto de vista, pasó de una manera y por lo que he leído sobre esta película, hay demasiados puntos de vista, tantos detalles para tener en cuenta al momento de verla, para colmo David Lynch nunca revela el sentido de sus obras porque su manera de decir las cosas difiere en todos nosotros y ahí está el gusto, la magia; no recae en una verborrea reiterativa en la que algunas películas explican lo ya explicado. A Lynch le gusta contar las cosas de manera simbólica, si ves una lámpara roja, una luz azul, un teléfono negro, entonces preocúpate, algo un poco más complejo es que si un matón tiene miedo en tus sueños es en que en la realidad tú mismo tienes miedo del matón.

Una de las teorías que he leído y ustedes pueden encontrar aquí, es que todo lo que ocurre en la primera parte de la película que comienza con Fred fumando un cigarro en su cuarto, el timbre del intercomunicador suena y él se acerca, atrás en su cuarto se ve algo que podrían ser sábanas ensangrentadas, alguien dice al otro lado: Dick Laurent está muerto.

La primera parte de la película es "recordada" por Fred (Bill Pullman) en la cual vemos cómo el sospecha que su esposa Reneé (Patricia Arquete) le está siendo infiel. Van a una fiesta en la casa Andy, un amigo de Reneé que hace crecer los celos de Fred, además de conocer a un escalofriante hombre de negro, que le dice a Fred que él lo invitó a su casa y cuando Fred llama a su casa, le contesta el hombre de negro. El detonador de esta primera parte son unos videos enviados a la casa de la pareja, en los que han sido filmados mientras duermen, en el último video Reneé está muerta.

Una de las teorías dice que el hombre de negro son las emociones de Fred, lo que siente al estar rabioso, celoso y con ganas de matar. Este simbolismo ayuda a comprender lo que ocurre, luego que aparece el hombre de negro, Fred mata a su esposa, Fred se siente tan traicionado en la fiesta que materializa sus emociones "negativas" en este hombre, antes de esto sólo pudimos ver su rostro superimpuesto en el de Reneé, en un momento horrible para Fred.

Esta primera parte está filmada y montada de manera excelente, sus detalles enriquecen la historia, se ven hechos desde varias perspectivas con una exactitud exquisita. Detalle soberbio es el hecho que cuando Fred va a matar a su esposa, se ven dos sombras en la pared que van hacia el cuarto, la de Fred y la del hombre de negro, Fred le atribuye la culpa del asesinato de su esposa a sus emociones materializadas en el hombre de negro para ocultar la verdad y huir de la realidad. Esta parte termina con un Fred siendo golpeado en el interrogatorio, despertando de su flashback a su manera, pero con un Fred que escapa de la realidad.

En la segunda parte, Fred transmuta en otra persona para escapar de prisión, se transforma, cambia de piel para salir de su realidad, así que Fred se imagina libre en el cuerpo de un joven llamado Pete Dayton.

Esta es la parte más interesante, complicada, simbolista de la película, los sentimientos de Fred se personifican, sus miedos se traspasan hacia las personas que lo hacían temer, si en la primera parte su esposa era infiel, en esta parte Pete es un tipo que tiene dos mujeres y además él con la mujer de Dick Laurent son los que tienen relaciones en hoteles y no de la manera inversa como es en la realidad.
Pero es justamente en esta parte que Fred al personificar sus sentimientos, les da rostros que ya conoce, y aparece nuevamente Reneé con el nombre Alice, esta situación hace que el escape de la realidad de Fred se mezcle nuevamente con el asesinato de su esposa, llegando a la tercera parte de la película.

Para algunos esta parte es continuación de la vida de Pete con el rostro de Fred, pero por algunos detalles, considero que esta parte es nuevamente un "recuerdo" de Fred, lo que ocurre antes de la primera parte, antes que Fred asesine a su esposa la ve con Dick Laurent en un hotel llamado Lost Highway, luego que Reneé se va Fred golpea a Dick y lo lleva en su auto a matarlo, para esto recibe la ayuda del hombre de negro, y nuevamente Fred le inculpa la autoría del asesinato al hombre de negro.

Fred va hacia su casa y presiona el timbre del intercomunicador, diciendo Dick Laurent está muerto, así se incia o termina la espiral infinita dentro de la mente de Fred, convirtiendo a la película en un uroboro.

No puedo explicar más detalladamente porque entraría en contradicciones y me daría cuenta de más detalles y de nuevas cosas, que me llevarían a borrar todo lo escrito y empezar de nuevo. Por lo tanto les sugiero que si llegan a ver la película, tengan mucho cuidado al analizar los simbolismos, puesto que se quiere explicar lo que siente o sintió una persona através de su interrelación con otras, por lo que en un primer instante es difícil aceptar que los sentimientos de esta persona nos los dicen las acciones de las demás. Además escuchar y ver con cuidado los detalles, algunas escenas que se muestran desde la perspectiva de otra persona, tienen una precisión de reloj, enriquece el visionado de la película tener en cuenta estos detalles.

No hay nada que no pueda gustarme de esta película. Cada vez que la veo, es como ver una nueva película. El soundtrack incluye Smashing Pumpkins, Marilyn Manson, además de un momento mágico en la película gracias a Lou Reed para terminar y poner la créme en el strudel, el intro y final suenan a cargo del excelente David Bowie.

Pierrot le fou

2010-04-25T22:25:00.000-07:00

PIERROT LE FOU
(JEAN-LUC GODARD, 1965)

Hace un tiempo en el blog, me tocó escoger la que considero la mejor película que he visto, mejor película de todos los tiempos pasados, presentes y futuros del mundo conocido, por conocer y hasta de mundos paralelos. Definitivamente pensé en Pierrot le Fou, por las razones que ahora paso a detallar.

Nouvelle vague es el término que se utiliza para designar a un grupo de directores franceses de los 60's. Esto no tendría nada de importante si no sería por que estos directores reconstruyeron el cine con sus propias reglas y en algunos casos con ninguna, para realmente romper todas las reglas.
De estos exponentes de la "nueva ola" francesa Jean-Luc Godard era el que filmaría la película que considero más importante, bella y vital del cine, Pierrot le fou.

Fotograma a fotograma esta película huele y destila poesía, utiliza la poesía para alimentarse y nos nutre con poesía visual.
Desde uno de los títulos iniciales más enigmáticos del cine, el Technicolor ausente en las anteriores películas del director nos transportan a la Francia de los 60, época en la que todos luchaban por su libertad de ser, de pensar, de vivir.

Y es así que el Godard nos lleva por diferentes caminos, por el cine noir, por la road movie, por el musical, por el existencialismo, por el romance.

Pierrot le fou no es una película apta para todos los gustos, a algunos les puede parecer aburrido ver una película sin una trama específica, que rompe la continuidad, que rompe el cuarto muro, puede llegar a desconcertar mucho por momentos, y es así que pude llegar a realmente disfrutar de esta película, viéndola repetidas veces, sonriendo con cada detalle, plano, escena, música y en especial por Anna Karina.

Anna Karina, la musa de Godard, es la mujer más hermosa que he visto en el cine, ninguna mujer viva o muerta puede compararse a la belleza de esta actriz nacida en Dinamarca. Verla cantar, caminar con la belleza que lo hace, hablar sobre la vida, el amor; y en especial, ese momento de complicidad que vivimos con ella cuando habla con Ferdinand, interpretado por Jean Paul Belmondo, él le dice, "Nunca me vas a dejar, lo prometes?", Marianne responde "Sí, lo prometo", pero en ese momento mira descaradamente a la cámara, esa mirada nos dice lo contrario, vuelve a repetir "Sí, lo prometo", con sus ojos nos vuelve a decir la verdad.

Ese aire de libertad que mueve a la película, y a la ideología de esa época, es tratado de manera sublime, mediante las peleas constantes entre las psicologías de ambos personajes, Ferdinand dice: "Yo estoy lleno de pensamientos, tú estas llena de sentimientos; por eso no podemos sostener una conversación". Ambos escapan constantemente de unos traficantes de armas, y eso es lo que hace sentir viva a Marianne, ella no quiere dinero, libros o vinilos, ella quiere sentirse viva y eso, realmente, es todo lo que cuenta.

La cámara también sirve para contar lo que uno siente o piensa, en este caso, Ferdinand no sabe qué sentir cuando Marianne le dice que está viva, simplemente mira lo que dice sin entenderla, pero en ese momento dice: "Nosotros estamos hechos de sueños, y los sueños están hechos de nosotros". ¿No es acaso la misma relación que sostenemos con el cine? Nosotros estamos llenos de las historias de romances, desventuras y fantasía que leemos, vemos y escuchamos; pero también estas historias están llenas de lo que nos pasa a nosotros.
Entonces Godard propone: "El cine es verdad venticuatro veces por segundo".

La nouvelle vague se caracterizó por la despreocupación de las reglas cinematográficas "clásicas", lo que algunos considerarían errores de montaje o continuidad, son en realidad deseadas por el director para darle ese soplo de vida a sus películas, los personajes saben que están en una película y le hablan a los espectadores, hacen confesiones, nos explican lo que sienten, de esta manera la película entabla una relación con nosotros cada vez que se la vea.

No debo olvidar la belleza de cinematografía de esta película, el Techicolor sale de la pantalla, el cielo celeste, el mar azul, los vestidos de Marianne, todo encierra a los personajes y los mantiene cautivos, hasta que finalmente encuentren la libertad entre el cielo y el mar. Es notable la secuencia en la "fiesta" a la que asiste Ferdinand con su esposa en el inicio del film, las conversaciones que mantienen aquellas personas, parecen extraídas de anuncios publicitarios, Ferdinand escapa raudamente de aquello.
La canción que nos acompaña gran parte del film, es melodía perfecta de todos los momentos de melancolía / tensión / miedo. Fue usada nuevamente por Berdardo Bertolucci para su película "Dreamers" con Michael Pitt, además se usaron escenas de A Bande à part, también de Godard, Godard no le cobró ni un centavo por introducir imágenes de su film.

Para terminar cito las palabras del director Samuel Fuller que hace un cameo en la película, ante la pregunta de Ferdinand que le dice, "Siempre he querido saber, que es una película exactamente", a lo que le responde: "Una película es como un campo de batalla, es sobre el amor, el odio, la acción, la violencia, la muerte; en una palabra, emociones.

Juego de Tops

2010-03-20T09:21:00.000-07:00

Desde Project Mayhem, blog de Gine, me entraron ganas de participar en una especie de encuesta/juego sobre gustos cinematográficos.

Reglas a seguir.

- Nombrar al que te invito a participar en esta dinamica. En mi caso Gine.
- Rellenas en cada casilla las películas correspondientes a tus gustos.
- Invitar a participar a otros Bloggeros, asi conoceremos los diversos gustos cinematograficos que componen esta comunidad bloggera.

Mejor Película de Todos los Tiempos: Pierrot le Fou

Mejor Película de Acción: Fight Club

Mejor Película de Aventuras: The treasure of Sierra Madre

Mejor Película Bélica: Apocalypse Now

Mejor Película Biográfica: The Aviator

Mejor Película Cómica: The big Lebowski

Mejor Película de Ciencia Ficción: Blade Runner

Mejor Película Dramática: Magnolia

Mejor Película de Gangsters: Pulp Fiction

Mejor Película Histórica: Ben Hur

Mejor Película Independiente: Reservoir Dogs

Mejor Película de Juicios: Philadelphia

Mejor Película Musical: The Rocky horror picture show

Mejor Película Basada en un Comic o Novela Gráfica: The Dark Knight

Mejor Película basada en una Obra de Teatro: Amadeus

Mejor Película Romántica: The eternal sunshine of the spotless mind

Mejor Película de Terror: Bram Stoker's Dracula

Mejor Película Thriller: Rosemary's baby

Mejor Película Cine Negro: Mulholland Drive

Mejor Película Western: The good, the bad and the ugly

Mejor Película de Animación: Akira

Mejor Película de Deportes: Raging Bull

Kill Bill Vol. 2

2010-03-09T13:21:00.000-08:00

Kill Bill Vol.2
(Quentin Tarantino, 2004)

Seguimos con nuestro análisis en dos tomos, ahora con los capítulos 6 al 10.
En este volumen se concentran los capítulos en los que vemos más elementos del cine de Tarantino, esos exquisitos diálogos y un tratamiento más profundo de la psicología de los personajes, especialmente Budd.

Capítulo 6: Massacre at Two Pines (Masacre en Dos Pinos)
El capítulo que nos muestra realmente lo que ocurrió en la capilla, y el primer encuentro entre Bill y la novia.
Mejor momento: Ese traveling hacia atrás que nos lleva hacia los miembros del Deadly Viper Assasination Squad antes de su ingreso a la capilla.

Capítulo 7: The lonely grave of Paula Schultz (La tumba solitaria de Paula Shultz)
Algunos no se dan cuenta, pero, hasta antes del capítulo 7 no se sabe el nombre de la novia.
Interesante descripción del personaje de Budd, que quiere reivindicarse, enmendar sus errores del pasado, pero la vida no lo deja. Además deja notar su inteligencia al momento de atrapar a la novia.
Mejor momento: La lata de gasolina de Mr. Blonde. El funeral tejano.

Capítulo 8: The Cruel Tutelage of Pai Mei (La cruel enseñanza de Pai Mei)
El verdadero maestro de la novia es el monje Pai Mei, poseedor del golpe más mortal de las artes marciales, la técnica de hacer explotar el corazón haciendo presión en cinco puntos del cuerpo.
Mejor momento: la pelea entre Pai Mei y la novia. La novia yendo hacia Budd.

Capítulo 9: ELLE and I (Elle y yo)
Confrontación entre la novia y su némesis, Elle Driver. También sabremos porqué le falta un ojo. Excelente escena de pelea.
Mejor momento: la pelea con las katanas Hanzo.

Capítulo Final: Face to Face (Cara a cara)
La última pelea entre Bill y la novia se ve truncada por la presencia de B.B.
Un diálogo tarantiniano nos deleita con el choque de psicologias de los protagonistas.
Mejor momento: La técnica del corazón explosivo.

Finalmente salen los créditos de toda la obra.

Para concluir, con esta exquisita película en Technicolor y blanco y negro; diálogos exquisitos al detalle, veremos algunas cosas más.

La dirección de cinematografía de Robert Richardson recorre los diversos homenajes cinematográficos con creces, los planos, formatos y celuloide utilizado, ensalzan la historia de Tarantino.

Nuevamente el director melómano hace una ecléctica selección musical extraída de películas, series de TV y diversos músicos, aportando al ritmo de la película con Ennio Morriconne, Bernard Hermann, Hotei Tomoyasu, Nancy Sinatra, Quincy Jones, The 5, 6 , 7, 8's y la música compuesta por RZA.

La selección de actores de reparto hace una pluralidad impactante.
Daryl Hannah, David Carradine, Michael Madsen, Gordon Liu y Michael Parks, hacen excelentes papeles a lo largo de los 10 capítulos de la obra, incluso los últimos dos que menciono, hacen más de un papel.

Humor negro, un homenaje a todo el cine, actuaciones interesantes, violencia, tensión, una historia compleja, personajes inolvidables, diálogos existenciales y banales, un puñado de canciones memorables, y mucho más ofrece esta gran obra del cine.

Lo mejor: Lo que menciono en el post. TODO.
Lo peor: No tomar en cuenta los detalles, creer que son dos películas.

Kill Bill

2010-03-08T19:53:00.000-08:00

KILL BILL Vol. 1
(Quentin Tarantino, 2003 - 2004)

El primer film que vi del director que hace las películas que más disfruto, fue Kill Bill, allá por el año 2003. Para ser sincero, no me llamó la atención el trailer, ni sabía yo quién era Quentin Tarantino, cuando se hizo toda la publicidad del film, una vez salido de carterla, vi la película que me haría sentir tanta pasión por las películas, pasión que ha ido creciendo y ha moldeado mis gustos cinematográficos.

Al hablar sobre una película, la manera más sencilla de explicarla o iniciar su explicación, es definiendo el género al que pertenece; pues con Kill Bill casi no se puede, Tarantino dice que es una gran película Grindhouse; ahora, tampoco es una mescolanza de géneros o de películas como algunos tan "entendidos" de cine quieren rebajar esta obra, es un homenaje al cine. Y el gusto no está en reconocer a qué película le pertenece el plano, escena, personaje, diálogo, etc; sino el gusto está en la fluidez con la que funcionan los homenajes; porque al ver Kill Bill no tenemos delante a un Frankeinstein lerdo, que avanza a trancazos y se pueden ver sus costuras, sino a un ser que nunca habíamos visto antes y que tiene las maneras clásicas y nuevas a la vez.

Logo del sistema Shawscope de las películas de los Shaw Brothers.

El personaje principal de la obra de 10 capítulos es The Bride (la novia), encarnada por Uma Thurman, co-creadora del personaje, estos capítulos contados de manera no lineal, así como fueron escritos en el guión, nos van revelando poco a poco lo que necesitamos saber, tanto así que al final del primer volumen nos quedamos con tantas preguntas como respuestas.
Y fue dividido en dos volúmenes a sugerencia de su productor Harvey Weinstein, cuando Quentin vio la magnitud de su proyecto, Kill Bill era una película de más de cuatro horas, lanzar una película de alrededor de cuatro horas es algo arriesgado, así que la dividieron en dos partes, vendiendo dos entradas por una sola película, la otra solución es reducir el montaje, quedando una película larga y mutilada, como fue en el caso de Gangs of New York de Scorsese, curiosamente del mismo productor.
Se dividió Kill Bill en dos volúmenes, y no se hizo una "secuela" como algunos piensan.

Veamos Kill Kill capítulo por capítulo:

Antes del primer capítulo hay una escena introductoria en blanco y negro, con una novia ensangrentada.

Capítulo 1: 2 (dos)

Luego de los títulos iniciales, el Technicolor inunda nuestros ojos, y de pronto, la novia empieza su voraz venganza con todas sus fuerzas.
Los rumores que se hará una tercera parte, sugerido por Tarantino, tiene solvencia en la escena en la que la novia le dice a Nikkia Bell, que la estará esperando.
Lo mejor del capítulo: el cereal Kaboom.

Capítulo 2: The blood-splattered BRIDE (La novia salpicada de sangre)

El capítulo dos nos ilustra sobre la matanza en la capilla. Y la recuperación de la novia.
Mejor momento, la entrada de Elle Driver, el parche en el ojo.

Capítulo 3: The Origin of O-Ren

Este capítulo nos cuenta la historia de O-Ren Ishi, mestiza japonesa-china-americana gobernante del mundo del hampa en Japón.
Mejor momento: la surrealista secuencia violenta en anime.

Capítulo 4: The MAN from Okinawa

Entra en escena un grande del cine, Sonny Chiba haciendo de Hattori Hanzo, el maestro que hace katanas.
Mejor momento: La ceremonia de la katana.

Capítulo 5: Showdown at House of Blue Leaves

El enfrentamiento entre la novia, O-Ren Ishi, Sophie Fatale y los 88 locos (The crazy 88).
Mejor momento: el plano secuencia que sigue a la novia al baño en una toma en picado, entra al baño, sale con los propietarios, se queda con la banda en primer plano, sigue a Sophie y vuelve al baño.

Aquí empieza el enfrentamiento entre la novia y los guardaespaldas de O-Ren, lo más anecdótico es que esta escena fue modificada a pedido de la MPAA, que es un sistema de clasificación para determinar el contenido potencialmente ofensivo en las películas, pasando del brillante Technicolor al blanco y negro, debido a la cantidad de sangre y mutilamientos.
Pero la escena fue vista a color únicamente en Japón, además de unos mutilamientos extra y algún gag.

El enfrentamiento final.

Continuaremos el análisis del volumen 2 y de toda la obra tras un breve descanso.

Reservoir Dogs

2010-02-05T10:53:00.000-08:00

RESERVOIR DOGS
(Quentin Tarantino, 1992)

Era la historia de un cinéfilo que quería hacer una película, empezó con guiones ambiciosos, como Natural Born Killers o True Romance, guiones que necesitaban gran cantidad de recursos para que se viesen plasmados en celuloide; y que sólo nombres ya conocidos en la industria, dígase Oliver Stone o Tony Scott, tendrían suficiente aval para hacer realidad.

Entonces el joven cinéfilo pensó en hacer un guión lo suficientemente minimalista, para que así los recursos que necesitase el proyecto sean una sola locación, un puñado de actores, sangre por galones y buena música.

Terminado el guión, que consistía en hojas, páginas y papeles de todo tipo, tamaño y colores que estaban escritos con una caligrafía espantosa; el cinéfilo comenzó a presentar su guión por todos los lugares de los Ángeles que pudo, sin ningún resultado. Hasta que el guión llegó a manos de un joven llamado Lawrence Bender, que hizo de la película minimalista algo más grande, el debut del cinéfilo director a lo grande. El guión es tan interesante, que una vez llegado a manos de Havery Keitel, uno de los mejores actores norteamericanos, se interesó en el papel de Mr. White, llegando a actuar en la película.

Ese joven cinéfilo es Quentin Tarantino y la película es Reservoir Dogs.

Al ser esta su ópera prima, muchos pensarían que está llena de irregularidades o que el director aún no hubiera desarrollado un estilo característico, lo cual es nada cierto, en Reservoir Dogs, vemos una película que jugaba con elementos que definirían las películas de Tarantino: línea temporal fragmentada, música de los 70's, mucha sangre, violencia, personajes con personalidad fuerte , cultura pop, referencias cinéfilas, y algunos de los diálogos más repetidos y conocidos del cine.

Reservoir Dogs cuenta la historia de un atraco a una joyería por un grupo de delincuentes que no sen conocen entre ellos y usan alias. Algo va mal en el atraco, dando inicio a la película.

Empezaremos conociendo a los personajes:

Mr. Blonde
El psicópata que hereda el nombre de las películas de Sergio Leone, es el personaje que se roba la atención debido a la (in)famosa escena de la tortura al policía.

Mr. White
El ladrón con las convicciones más arraigadas, es también el capaz de sentir compasión por un compañero caído.

Mr. Pink
Este personaje se lleva mi atención en los nuevos visionados que le doy a la película, debido a sus pensamientos tan cerrados. No da propina a las meseras porque en su antiguo trabajo no le daban propinas.

Mr. Brown
El perro que abre la película con un interesante razonamiento de "Like a virgin" de Madonna.

Mr. Blue
Retrataré el Mr. Blue con la conversación sobre las propinas
( ... Mr. Blue: Esta chica fue buena
Mr. Pink: Estuvo normal. Nada especial.
Mr. ¿Qué es especial? ¿Que te lleve atrás y te chupe la pija? ... )

Joe Cabbot
El mafioso clásico que roba a joyerías y bancos asegurados, impone respeto cada vez que aparece en pantalla.

y
Mr. Orange
El "jodido desastre sangriento" (fucking bloody mess) es probablemente el protagonista de la película.

La banda sonora de esta película, y de cada película de Tarantino está relacionada estrechamente con lo que ocurre en las escenas, en este caso "Stuck in the middle with you" de los Stealer's Wheel es lo más emblemático de la película, con esos pasos de baile tan torpes de parte de Mr. Blonde.

También es icónica la escena de créditos, que suena con "Little green bag" de George Baker.

Quentin Tarantino rinde homenaje a las películas hongkonesas de John Woo, Chow Yun Fat; a esa despreocupación por las reglas de Jean Luc Godard, Jean Pierre Melville; la violencia de Peckinpah, y algo de la cinematografía de Leone.

Para terminar la historia, esta película fue ganadora del festival de películas independientes Sundance, Reservoir Dogs salió en video y alguien que la vio, la recomendó a un amigo y así sucesivamente hasta que el 94 salió Pulp Fiction y Tarantino se volvió el gran director estrella que es hoy.

El visionado de esta película es recomendado y necesario.

Lo mejor: La cinefilia que se despregna de cada fotograma.
Lo peor: Nada.

Mejores de la década 2000 - 2009

2010-01-27T22:33:00.000-08:00

Balance de la década

Les presento mi lista de las mejores películas de los 10 primeros años de este siglo:
(Sin orden de preferencia)

Mulholland drive / Inland empire de David Lynch
There will be blood / Punch-drunk love / Magnolia de Paul Thomas Anderson
A history of violence / Eastern promises de David Cronenberg
The Assassination of Jesse James By The Coward Robert Ford
In the mood for love / 2046 de Wong Kar Wai
Death Proof / Kill Bill / Inglourious Basterds de Quentin Tarantino
Elephant / Last days / Paranoid Park de Gus Van Sant
Collateral / Miami Vice de Michael Mann
The man who wasn't there / No country for old men de Joel & Ethan Coen
Zodiac / The curious case of Benjamin Button de David Fincher
Memento / The dark knight de Christopher Nolan
Oldboy de Chan Wook Park
La profesora de piano / Funny Games de Michael Haneke
El aura de Fabián Bielinski
American beauty de Sam Mendes
Three kings de David O. Russell
The lord of the rings de Peter Jackson
District 9 de Neill Bloomkamp
Amelie de Jean Pierre Jeunet
Eternal Sunshine of the Spotless Mind de Michel Gondry
The departed / The Aviator de Martin Scorsese
Dogville de Lars Von Trier
Adaptation de Spike Jonze
Life Aquatic / The Darjeeling Limited de Wes Anderson

Mejores peliculas del 2009

2010-01-27T20:14:00.000-08:00

RECUENTO DEL 2009

Casi a fines del mes de enero me atrevo a publicar mi lista atrasada de las películas más interesantes, más emocionantes, películas hechas desde diversas perspectivas, pero cada una contribuye de manera diferente a la cinematografía del 2009 que no tuvo la gloria del 2008.

Obviamente están ordenadas de menor a mayor preferencia.

11. PUBLIC ENEMIES de Michael Mann

Esperaba mucho más de este autor de excelentes películas como Heat, Collateral en los que sus antagonistas desarollan una relación de aprecio, dependencia; además una batalla de sus psicologías opuestas.
En esta película, el director aborda de manera diferente la vida criminal, alejándose de sus costumbres, pero mostrándonos de una innovadora manera la época de los gangsters, con la cámara digital utilizada de manera brillante.

10. DRAG ME TO HELL de Sam Raimi

Sam Raimi vuelve a sus raíces luego de la fallida Spider-man 3 y nos brinda un deleite para los amantes del terror y la comedia negra. En Drag me to hell, una trabajadora de un banco trata de salvar su alma antes que un demonio infernal se la lleve, pero esta es la excusa para que Raimi juegue con sus mejores cartas, mezclando el terror clásico con el moderno, aderezándolo con ese humor incorrecto.

9. AVATAR de James Cameron

La película más taquillera de la historia no fue de mi agrado, James Cameron ha creado una película de entretenimiento puro, con una historia de lo más simplona y calcada. Pero su manejo de la tecnología para crear ese mundo que nos atrapa las casi tres horas que dura la película es todo un logro. En el apartado de acción, la película funciona muy bien, siendo lo mejor la batalla final. James Cameron ha logrado coronarse nuevamente, lástima que no sea su mejor película.

8. STAR TREK de J.J. Abrams

Luego de Cloverfield, poner las esperanzas en Abrams no fue en vano, Star Trek es una película de un pulso continuo, la acción despega para no aterrizar. Además de ser un justo homenaje, hace un reboot de la saga, abriéndose nuevas oportunidades para continuar la saga. Lo mejor de todo, el manejo del guión, capaz de introducir a Leonard Nimoy, el Spock original, en una película de los inicios de la flota del U.S.S Enterprise. Lo mejor de la película, la parte "nerd" del guión.

7. WATCHMEN de Zack Snyder

La novela gráfica de Alan Moore es una obra maestra, en el cual la acción es muy cinemática. Watchmen es la enésima historia sobre super héroes, y además otra más que anunciaba héroes muy humanos, encima teniendo a The Dark Knight fresca en la mente, producida también por Warner Bros.
La mano de Zack Snyder poco hizo por la película, su principal acierto fue ser fiel a su material de origen. Especialmente a la hora de describir al comediante, el anti héroe máximo, que tiene una personalidad tan compleja; que es lo que sostiene a todos los demás personajes.
Es entendible que le haya ido tan mal en la taquilla, pues el público está acostumbrado a un villano, un héroe, la pelea entre ellos y salvar al mundo al final. Pues nada de ello hay en Watchmen, y la hace el blockbuster que más disfruté en el año. Mención especial para el soundtrack, específicamente "The sound of silence" de Simon & Garfunkel y "All along the watchtower" de Jimi Hendrix.

6. THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON de David Fincher

David Fincher hace una película menos existencialista y más inspiradora, con la muerte como protagonista, la fábula mágica del niño que nace viejo, tiene un excelente manejo de efectos digitales, maquillaje, escenarios y en todos los aspectos técnicos; pero falló en el guión. La voz en off de Benjamin llega a incomodar por momentos, describiendolo todo y arruinando nuestra propia percepción sobre los hechos.
Pero la película tiene una segunda capa de profundidad, en la cual los personajes secundarios toman más importancia y sus acciones, tienen un peso psicológico que realza la obra del director de películas como Fight Club y Zodiac.
Zodiac es una película mas hermética, sellada, matemática y compleja. Benjamin Button tiene algunos espectos que la hacen más atractiva para el público común, pero le resta puntos como gran película de autor.

5. LA TETA ASUSTADA de Claudia Llosa

Gran sorpresa del cine nacional, a través de los largos travellings en espacios cerrados por los que acompañamos a Fausta, "enferma" con la teta asustada y una papa en la vagina, en la tragedia de la muerte de su madre aún sin enterrar, la directora hace gala de una serie de herramientas cinematográficas, con el simbolismo como su principal arma, la autora peruana se defiende y cae bien parada al desarrollar su particular visión de la cosmovisión andina. Llosa maneja la papa en la vagina (que mucho recuerda a Cronenberg) de manera acertada, desarrollando el cambio que tiene Fausta en la película, a través de su relación con la papa. Atractiva fotografía que nos hace saborear las texturas y colores del mundo donde vive Fausta.
La ausencia del clímax final, (que recuerda el robo Luftansa de Scorsese en Goodfellas) deja mucho para el razonamiento del espectador.

4. GRAN TORINO y CHANGELING de Clint Eastwood

Clint Eastwood es el director clásico, con historias dramáticas que tienen el toque Eastwood, un drama seco, muchas veces duro. En Changeling saca a relucir lo mejor de la actriz Angelina Jolie, que tiene una actuación sobria y necesaria. La historia no era el drama lacrimógeno que me esperaba, sino algo más oscuro y denso. Incomoda el "final" que no tiene cuando acabar. Impacta la confesión del niño cómplice del asesino y la escena en la que desentierra los huesos.
Gran Torino es la incursión del viejo amargado en terrenos nuevos, en este caso, en la vida de dos jóvenes Coreanos. Con una historia sencilla, el director logra atraparnos en su relato, compartiendo el descubrimiento de los protagonistas, de nuevas culturas y lazos de aprecio.

3. DISTRICT 9 de Neill Bloomkamp

El director al que Peter Jackson tomó bajo su amparo por un corto que colgó en Youtube, desarolla su historia en un largo metraje, con resultados excelentes. Con un presupuesto ínfimo en comparación al de Avatar, el director logra desarollar una mejor idea y su concepto de documental funciona de maravilla al momento de querer contar el exilio de los extraterrestres. Retratando en lenguaje sci-fi el mismo problema que viven varias culturas, etnias y razas en nuestro planeta. Parte del logro de la película también lo tiene el actor que da vida a Wikus van de Merve, ese héroe lleno de defectos humanos, que es capaz de hacer lo correcto.
Los efectos especiales de District 9, desarrollados por Weta, se hacen imperceptibles, no como en el caso de Avatar, que su principal logro son los efectos. El diseño de sus alienígenos es de lo más novedoso que he visto este año, y una excelente campaña viral.

2. FUNNY GAMES de Michael Haneke

Esta película que mereció el post que pueden ver aqui es un estudio de la violencia, de la violencia en el espectador, de la violencia en los medios, del cine como medio de diversión a través de la violencia. Con un remake milimétricamente igual a la original, Funny Games fue la película que nunca creí ver en un cine. Todo gracias a la distribuidora que la hizo pasar como una más de Saw, con el título modificado; sorprendiendo y "estafando" a ese público que quería "disfrutar" de una película de mala manufactura y que satisface deseos primitivos.

1. INGLOURIOUS BASTERDS de Quentin Tarantino

El director cinéfilo nos demuestra su amor por el cine, convirtiéndolo en el medio para cambiar la historia, específicamente la segunda guerra mundial, con escenas dignas de un spaguetti western, Tarantino recrea, reconstruye y logra plasmar su particular visión la mejor película del año.
A través de diálogos que delinean la personalidad de cada personaje, expresiones, melodías y explosiones de violencia, el director logra atrapar a todos los participantes de la sala con su nueva película.
Con canciones extraídas prácticamente del spaguetti western, el director melómano enriquece su obra, inclusive al incluir una canción anacrónica de David Bowie.
Finalmente hablar de Hans Landa, el refinado políglota cazador de judíos y respetado coronel de la SS. Desde la primera escena, Landa atrapa nuestra atención con sus modales, pero poco a poco va tejiendo la red en la que Lapadite cae y en un rápido cambio de encuadre, se nos muestra el más temible aniquilador nazi. Finalmente cabe decir que Hans Landa es el máximo "inglorious bastard" .

The Rocky Horror Picture Show

2009-12-15T18:55:00.000-08:00

The Rocky Horror Picture Show
(1975, Jim Sharman)

La película de culto por excelencia, con una trama casi inexistente, un actor principal con un carisma y líbido que no deja despegar los ojos de la película y finalmente las canciones más pegadizas de la historia del cine. Una mezcla de géneros entre: terror, ciencia ficción y musical.

Por si no lo he explicado aún, ¿Cómo reconocer una película de culto? Un blockbuster lo miran 1 millón de personas, una sola vez. Una película de culto la mira 1 persona 1 millón de veces.
Además estas personas se reúnen para "celebrar" estas películas.
Fight Club, Brazil, Taxi Driver, Eraserhead, The Evil Dead II, The Big Lebowski, Star Wars, Star Trek; y muchas más son películas de culto.

Pero ¿Por qué The Rocky Horror Picture Show es la más grande película de culto?
Pues, es la película que ha estado mayor tiempo en cartelera, porque desde su estreno, nunca ha salido de la cartelera, llevando hasta el momento la suma de 34 años en un número limitado de salas en funciones de medianoche, en cines de todo el mundo. A estas funciones uno acude con "utilería" para "participar" en la película: para la escena del matrimonio se tira arroz, para la escena de lluvia se llevan pistolas de agua, periódicos y paraguas; se lleva bocaditos para la escena de brindis y obviamente todos saltan de sus asientos en las escenas de baile.
Además los asitentes a estas funciones van vestidos como los personajes de la película.

Hablando de la película en sí, desde la aparición del logo de 20th Century Fox nos damos cuenta de algo inusual, la fanfarria de orquesta usual que se escucha en las películas de Fox cambia por una fanfarria con piano. El OST (Original Soundtrack) de esta película es gracioso, ingenioso y pegajoso; con títulos como "Dammit Janet", "The time warp", "Sweet Transvestite", "Touch-a, Touch-a, Touch me" las canciones hacen la función de hilo conductor del ritmo de la película.

Luego de los logos aparecen unos labios rojos en escena que cantan la canción del título "Science-Fiction/Double Feature", haciendo referencia a las películas de terror y ciencia ficción de los 50's y la serie B, a los que esta película hace homenaje.

Brad Majors y Janet Wiess asisten al matrimonio de unos amigos que conocieron en la universidad, luego de que Janet agarre el bouquet de la novia, Brad le propondrá matrimonio.

Deciden ir a darle la buena noticia sobre su compromiso a su ex-tutor de la universidad, el Dr. Everett Scott, en medio de su viaje se desata una feroz lluvia y se les revienta una llanta.
En busca de ayuda llegan al castillo del Dr. Frank-N-Furter (clara alusión a Frankenstein) .
Los recibe el sirviente Riff Raff y la doméstica Magenta, que los invitan pasar a la celebración de una ocasión muy especial para su amo. Así, asisten a un baile de los "Transilvanos".

Cuando Janet y Brad intentan salir del castillo hace su entrada Frank-N-Furter cantando "...I'm just a sweet transvestite from Transexual Transylvania ..." (Soy un dulce travesti de la Transilvania Transexual). Frank se perfila como el ser hedonístico por excelencia, solamente le preocupa el placer sexual.

Luego de esto, vemos la escena de la creación de Rocky Horror, un objeto sexual para la satisfacción de Frank, Rocky solamente tiene la mitad del cerebro de un ex amante de Frank llamado Eddie.

Con todos estos elementos se conjuga la joya de mayor culto en el mundo.
Aunque la trama sea de lo más sencilla, casi inexistente, el tema principal de la película es la liberación sexual, claramente ocasionada por el Transilvano Transexual Dr. Frank-N-Furter. Éste despierta el apetito sexual de sus ocasionales parejas, aunque no pueda satisfacer sus instintos con ninguno. Cosa que no fue muy bien vista en la época de su estreno.

Hay una excelente escena que puede explicar mejor esto, tiene un aura de inocencia y sensualidad. Además de estar filmada de manera ingeniosa:

Janet está en el cuarto que le asignan en el castillo de Frank y ve a alguien entrar por la puerta, es Brad que ha venido a ver cómo está, empieza a besarla y Janet se excita, toma del cabello a Brad y se queda con una peluca en la mano. Es Frank disfrazado de Brad, Janet al inicio se siente mal por tener relaciones con un extraño, además de ser virgen. Frank la excita de nuevo y Janet accede, Janet le pide que no le cuente nada a Brad y se deja llevar por la arrolladora sensualidad de Frank.

Pero no termina ahí, en el cuarto de Brad, Janet entra asustada por lo que pasa en aquel castillo, y se mete a la cama con Brad, Janet empieza a besar a Brad, éste le acaricia el cabello y se queda con una peluca en la mano, es Frank disfrazado de Janet, Brad se siente mal por no haberse dado cuenta que es Frank y por que Janet debe estar sola. Frank le besa el cuello y el pecho, Brad accede a la sensualidad de Frank pidiéndole que no le cuente nada a Janet.

Me queda concluir con los actores de esta película, destacando Tim Curry en el papel de Frank-N-Furter, siendo su debut en el cine. Este papel deseaba interpretarlo Mick Jagger. Además de una joven Susan Sarandon que desborda de inocencia su papel. Todos los actores cantaron las líneas que les tocaban a sus personajes, sin experiencia previa de ninguno en el canto.

Sin más que decir, recomiendo altamente el visionado de esta película de culto, pero según los que la han visto en las funciones de media noche, nada se puede comparar a la experiencia de "participar" en la película.

Lo Mejor: Frank-N-Furter
Lo Peor: No poder "participar" de una función.

The Royal Tenenbaums

2009-12-08T15:42:00.000-08:00

The Royal Tenenbaums
(2001, Wes Anderson)

Cada vez que se habla de ese cine de autor, ese cine que tiene pretenciones artísticas y personales, en cada lista en la cual se mencione a directores independientes hallamos el nombre de Wes Anderson.
Por favor no confundir con Paul W.S. Anderson.

Alguna vez han sentido que se identifican con los personajes, o que estás viendo en la película algo que te ha pasado? Entonces estás viendo una película de Wes Anderson.
O quizás tomas demasiado cariño por algún personaje, pues en The Royal Tenenbaums, sentirás cariño por todos los personajes.

Es así que esta película se basa en las relaciones familiares de los Tenenbaum, una familia disfuncional de la cual los hijos fueron genios en la niñez pero fracasaron en algún momento debido a la decepción, perdida de alguien y finalmente: el amor. El padre, Royal Tenenbaum, es un mentiroso e infiel, que siempre hace las cosas por conveniencia, a Royal no le interesan sus hijos o su esposa. Etheline Tenenbaum se encargó de la crianza de los hijos, Richie, Chas y Margot.

Richie es un jugador profesional de tennis desde los 14 años. Es el que más confianza y amor le tiene a su padre, debido a un impacto emocional Richie se retira del tennis, Royal pierde mucho dinero en su último partido.

Chas es un genio para las finanzas. Debido a una traición de Royal en un juego en el cual ambos eran compañeros, se aleja de él. Chas demanda a su padre por dinero que tomó de una cuenta en la cual Royal era titular debido a que Chas era menor de edad. Pierde a su esposa en un accidente aéreo, del cual sobreviven sus hijos Ari, Uzi y su perro Buckley.

Margot es la hija adoptada, Royal siempre se lo recordaba cuando la presentaba: "Esta es mi hija adoptada Margot". Margot desarrolla su habilidad para escribir obras de teatro, en uno de sus cumpleaños los niños interpretan una de sus obras, a lo que Royal dice: "Son sólo un montón de niños vestidos como animales". Margot no puede acabar una obra desde entonces.

Además de los Tenenbaum encontramos a Eli Cash, mejor amigo de Richie desde la infancia. Es escritor de novelas sobre vaqueros, es drogadicto y amante de Margot. Atropella al perro de Chas.

Raleigh St. Clair, esposo de Margot. Es el esposo paciente que descubre que no conocía a la mujer con la que se casó.

Henry Sherman, pretendiente de Etheline. Entabla una relación de contrincante con Royal.

Todos los personajes y en especial la familia Tenenbaum se encuentran desconectados hasta que diversos motivos los hacen volver a la casa en la cual crecieron, esta situación se torna aún más dramática cuando Royal se muda al cuarto de Richie porque tiene cáncer. Es así que comienza esta odisea emocional de los protagonistas, por perdonar y ser perdonanos.

La película comienza con el mejor intro que he visto en una película, toda la historia de los Tenenbaum se condensa en los 7 minutos que dura este "epílogo", para cerrar con total gloria se escucha "Hey Jude", pero sobre el soundtrack hablaremos más adelante.

Entonces, continuemos con los actores que dan vida a los patriarcas:

Gene Hackman encarna al padre Tenenbaum, papel que le mereció el Globo de Oro, Hackman es el típico padre pendenciero que engaña a su esposa y queda bien con los niños, siempre le saca provecho a su familia, ya sea aprovechándose de sus talentos o sentimientos. Queda demostrado el talento de este gran actor, una vez más.

Anjelica Huston es la madre de esta familia (y de otras más en el universo Anderson), siempre con ese toque delicado, sensible; pero también inspira mucho respeto debido a su presencia.

Las películas de Wes Anderson también se pueden reconocer por su estilizada fotografía, escenarios y vestimenta de los personajes. Esta belleza plástica de sus películas las hacen inconfundibles, además de tener una serie de trademarks que lo hacen único:
Ralenties, travelings desde el perfil de un personaje, sacos azules, amarillos, rojos, paredes rosadas, una explosión de Technicolor y belleza (sobre todo) ante nuestros ojos.

Para hablar del soundtrack describiré una de las mejores escenas de la película.

Richie se escapa del hospital y entra a la casa por una ventana, va al ático donde está su tienda de campaña y encuentra adentro a Margot, apenada por lo que le ha ocurrido a Richie, éste entra y la ve hechada escuchando música, Richie se sienta y Margot le pide que le enseñe sus puntos, vemos unas suturas que nos congelan los nervios, Margot se siente mal por ello, Richie y Margot se declaran su amor finalmente y se besan. Ambos se hechan, Margot le pregunta si ha sido por ella, el responde que sí, pero que no es su culpa, y empieza a sonar Ruby Tuesday de los Rolling Stones ( Goodbye, Ruby Tuesday, Who could hang a name on you?, When you change with every new day, Still I'm gonna miss you... Don't question why she needs to be so free, She'll tell you it's the only way to be, She just can't be chained ...) Margot le dice que no intente suicidarse de nuevo, Richie responde que sí lo intentará, ella empieza a llorar porque su manera tan voluble de ser lastima tanto a Richie. Margot se aleja de Richie diciéndole que deberán mantener su amor en secreto.

El halcón de Richie, Mordecai, vuelve con más plumas blancas, ha cambiado, metafóricamente se introduce el tema principal de la película: el cambio, todos los Tenenbaum le tienen miedo al cambio, es por eso que parecen niños heridos en el cuerpo de adultos. Richie cambia totalmente su apariencia para finalmente poder decirle a Margot que la ama. Chas cambia su forma de ver a Royal, después de haber sido el hijo que más lo odiaba. Margot deja su tan conocido hermetismo y empieza a contar sus secretos (fuma desde los 12 años y nadie lo sabía). Royal cambia de ser un pendejo desinteresado por su familia a un padre amoroso y preocupado, un abuelo consentidor. Etheline se da una segunda oportunidad amorosa. etc.

Hay tantos detalles que se me escapan, solamente puedo recomendarles que vean esta excelente película de uno de los mejores directores de esta época.

Lo Mejor: El cast. Hacen sentir que son una familia de verdad.
Lo Peor: Que no dure más.

Crash

2009-11-12T19:39:00.000-08:00

CRASH
(1996, David Cronenberg)

David Croneberg nos presenta su película más hermética, porque la atmósfera es incómoda, los personajes son totalmente extraños, uno no se llega a identificar con ninguno de los personajes, solamente estamos de espectadores ante lo que nos muestra el director.

Desde los titulos iniciales Crash nos envuelve de una cierta incomodidad, debido en primer lugar a la música compuesta por Howard Shore, luego por esas letras "metálicas" que cuando se acercan más se aprecian torcidas, chocadas. Cronenberg siempre imprime la estética de sus películas desde el título, pero Crash tiene el mejor diseño de títulos de todos sus films.

Es difícil hablar de Crash sin explicar algunas escenas de manera explícita, trataré de hacerlo sin soltar spoilers.

James Balard (James Spader) y su esposa Catherine (Deborah Kara Unger) son una pareja de lo más anormal, tienen relaciones sexuales extramatrimoniales, y solamente tienen placer sexual al contarse estas infidelidades, es por ello que sus encuentros sexuales son planos, insípidos e interminables. Además Catherine tiene un fetiche con el metal en sus relaciones sexuales.

Luego de sufrir un accidente de tránsito, Ballard conoce a Helen (Holly Hunter), la esposa del desafortunado conductor que muere tras el choque.
De la conexión existente entre Ballard y Helen desde el choque, entra en escena el personaje más "Cronenberg" de la película, Vaughan (Elias Koteas).

Aunque ya habíamos visto a Vaughan anteriormente, es en la escena del choque "James Dean" cuando nos vemos atraídos por su magnética personalidad. Magnética, porque Vaughan es el hombre máquina, tan lleno de cicatrices originadas en choques automovilísticos.
En palabras de Gabrielle (Rossana Arquete), Vaughan hace que todo parezca un crimen, y así es efectivamente.

Algo que hace demasiado interesante la película y un sello distintivo de Cronenberg son esos detalles de realismo en la película de los cuales hablaremos a medida que comento algunas escenas. Al ver Crash, me parece que propone al sexo como ese transmisor de psicopatologías, es decir esas conductas y fetiches, se van "contagiando" de un personaje a otro, a través de relaciones sexuales en autos y en choques.

Vaughan hace referencia que su proyecto se trata sobre esa psicopatología benévola, en la cual queda demostrado que un accidente de tránsito es un evento fecundante y no destructivo porque solamente ante un acto de tal magnitud se produce una liberación de energía sexual que canaliza la sexualidad de los que mueren. Vivir esa experiencia de vida y muerte es lo que todos buscan en la película, y transmitir esa sensación con sexo dentro de autos chocados.

Quiero hacer especial comentario de algunas escenas de la película.

El choque en el que muere el esposo de Helen Remington tiene una esencia de realismo al estar filmado sin cámara lenta, dejando en ambos carros una mezcla de sangre, aceite y fluidos corporales. Luego del choque y de estar algún tiempo atontados, Helen se saca el cinturón de seguridad y muestra un seno involuntariamente, creando un ambiente de tensión sexual y esa conexión entre James y Helen, debido a la energía sexual canalizada en el choque.

Luego de que James, Helen y Vaughan hayan presenciado el choque "Jayne Mansfield", se dirigen hacia un car wash, para limpiar unas manchas de sangre del auto de Vaughan (que se asemeja a una cama con ruedas). Es en este recinto que se da la relación sexual más realista, seca y cruda; debido a que el director hace de Vaughan esa "máquina" que no tiene relaciones sexuales, sino que comete un acto parecido a un choque o un atropellamiento. Dejando a Helen con moretones, como víctima de un accidente, y a James como espectador del incidente. Ese elemento tan humano y realista de esta escena se debe a los fluidos corporales sexuales, excelente la toma de la mano de Helen llena de aquel líquido viscoso.

Finalmente la energía sexual contenida en el auto de Vaughan es tomada por Helen, Gabrielle, James y Catherine. En la escena final, después de que James ocasione un accidente para Catherine con el auto de Vaughan, ambos tirados en el pasto se lamentan de no haber quedado más marcados y no sentir esa energía sexual en el aire, frustrados de no sentirse vivos al estar tan cerca de la muerte.

Como dicta su trailer, Crash es dolor, placer, obsesión, satisfacción y clímax sexual.
Crash es una de las mejores películas de Cronenberg, elegida como la mejor del 96 por Cahiérs du Cinema, ganadora del premio especial del jurado en Cannes por ser atrevida, audaz y original.

Lo Mejor: La escena en el car wash. Su hermetismo.
Lo Peor: Que Paul Haggis haya utilizado el mismo nombre para su película.

Last Days

2009-11-08T16:56:00.000-08:00

Gus Van Sant's Last Days
(2004, Gus Van Sant)

Gus Van Sant es un director independiente que ha reinventado su carrera, realizando películas comerciales y otras totalmente artísticas, ha podido sobrevivir como exponente del cine de calidad en EE.UU. pero es en su lado independiente donde se permite ser arriesgado, experimental.

Por experimental me refiero a continuidad fracturada, tiempo inexistente, tomas largas, cámaras fijas, surrealismo, filmación tipo documental, etc.
En Last Days vemos esa toma que acompaña al protagonista desde la espalda, toma que está presente en todas las películas de la tetralogía sobre la muerte de Van Sant (Gerry, Elephant, Last Days, Paranoid Park), toma en la que apreciamos sus momentos de inspiración, entre los bosques, murmurando palabras, frases y oraciones (como en sus canciones), pero también su odio a sí mismo, su desapego de la realidad, su gran talento musical, su soledad en una casa llena.

Last Days de Gus Van Sant es la mejor película que he visto sobre la vida de un músico. Lejos de aquellas películas en las que se muestra un poco de logro, un poco de derrota, algo de drama y mucha pero mucha música, Last Days deja de lado a Nirvana, para enfocarse en Cobain.
En esta película no escucharemos ninguna canción de Nirvana, sino se muestra al verdadero Cobain que odia su fama, que se detesta a sí mismo por ser un cliché del rock (drogadictos ricos); pareciese que Van Sant hizo la película para Cobain y no para sus fans como se cree en un principio.

Me gusta Nirvana, y quizás hubiese sido demasiado fácil y complaciente hacer una película tipo video musical, con influencias a Smells Like Teen Spirit por ahí y un poco de Heart Shaped Box por allá, con Come as you Are e In Bloom en la banda sonora.
Incluso al ser Cobain el abanderado de la generación X, hubiera sido fácil ponerle muchas manías anárquicas para hacerlo el ideal de la cultura grunge, pero no es así; es algo difícil ver Last Days, su estructura temporal fracturada parece sacada de alguna estrofa de las que vemos murmurar a "Blake" (nombre que tiene el personaje que representa a Cobain), esta estructura también se hace presente en las disonancias que vamos escuchando en el film, que se van acomodando en la cabeza de Cobain, que van dándole forma a su música y a la película.

Las mejores escenas de la película:

La primera escena tiene la camara viendo a Cobain por la ventana, tocando de la guitarra, la bateria, el bajo; cantando, armando todo en su cabeza, y nosotros de testigos, del genio de un gran autor que se va difuminando, perdiéndose en una casa tan grande, perdiéndose en el bosque. Alejándose de las personas, acercándose a la música. Dando su música, aquello que verdaderamente disfruta, a los árboles. Para calmar su angustia, soledad, dolor.

La segunda escena es la de la muerte de Cobain, vemos el alma salir del cuerpo y escalar la puerta de madera. Arte y genialidad en su máxima expresión.

Mención especial merece la escena en la que los 3 jóvenes que escapan de la muerte de Cobain, llenos de angustia y preocupación, en la que la muerte del ídolo los deja sin esperanzas, sin norte. Pero también los deja con un legado musical, para calmar esa angustia; así el carro se aleja del cuerpo inerte de Cobain, pero la guitarra sigue sonando.

Excelente Michael Pitt, uno de los mejores actores independientes que ya tiene en su haber películas con Van Sant, Haneke y Bertolucci. El parecido de Pitt es tal con Cobain que se creyó que el poster de la película era una foto de Cobain. Pitt se metió tanto en el papel de Kurt que compuso la canción que improvisa en la película, canción llamada "Fetus" quizás en alusión al In Utero.

Finalmente como en todas las películas de la tetralogía de la muerte, la imagen tiene tanta importancia como el sonido, con disonancias, bandas sonoras "antológicas", y sonidos que nos llevan dentro de la mente y los sentimientos de los protagonistas.
Todas las películas de esta colección de visiones sobre la muerte tienen la estructura del tiempo deconstruida, debido a que en presencia de la muerte, el tiempo se ralentiza, repite, se hace interminable, insoportable.

Gus Van Sant es gay, lo cual no es un aspecto negativo en su filmografía, por el contrario le dota de una sensibilidad para tratar instancias dolorosas en la vida de los jóvenes y adolescentes, que son los protagonistas de la filmografía de Van Sant, al terminar de ver Last Days, la angustia de Cobain por odiar lo que todos tanto amaban, se refleja en un homenaje justo a su persona, una película alejada de todo lo que él odiaba. Con justa razón el final dice:
In Memoriam Kurt Cobain.

Lo mejor: Michael Pitt, la fotografía y el tiempo.
Lo malo: Puede cansar y aburrir a ojos no entrenados cinematográficamente.

Collateral

2009-11-08T12:34:00.000-08:00

Collateral
(2004, Michael Mann)

Michael Mann realiza el primer blockbuster filmado en video digital de alta deficinión (HD), con el afán de retratar la noche con mayor veracidad, porque, a diferencia de las "clásicas" cámaras que filman en celuloide (que se utilizaron para algunas secuencias iluminadas en interiores), las cámaras digitales de HD necesitan menos cantidad de luz para filmar, debido a sus sensores alta sensibilidad filman con mayor detalle en escenarios oscuros. Esto hace que la noche tenga más cromatismo, y se den nuevas texturas en la imagen, así ahora la imagen se llena de "grano digital" en vez del grano generado por la reacción química del proceso de revelado fílmico.
Esta particular fotografía convierte a la ciudad en un personaje más, dándole vida a la noche.

Pero además de este tratamiento en la fotografía de la película, lo más importante es la filosofía y psicología que se pone en práctica dentro de las cuatro puertas del taxi conducido por Max (interpretado por Jammie Foxx, nominado al Oscar como mejor actor de reparto), es en este espacio donde se confrontan las maneras de pensar tanto del conductor como de su pasajero, Vincent (interpretado por el Tom Cruise en su fase de actor y no de estrella), lo cual demuestra la complejidad del director Michael Mann, quien no sólo realiza películas de acción y balas, sino que dota a sus películas de una capa más profunda, que hace posible darle siempre una nueva lectura a sus obras.

Esta película tiene como temas centrales la coincidencia cósmica y el existencialismo. El primer tema se resume de la siguiente manera: si solamente una cosa hubiese ocurrido de otra manera, toda la experiencia de Max, Vincent y Annie sería diferente.

El segundo tema es un poco más complejo, porque se refleja poco a poco con la personalidad de cada personaje y su psicología.

Max es una persona que no toma riesgos, ha aprendido las lecciones de manera dura tiene un gran respeto por la vida, pero esta personalidad va cambiando en cuanto más se relaciona con Vincent, este personaje tan simple a primera vista es el que "evoluciona" en la película. Se adapta a su ambiente, en este caso, a Vincent. De una posición pasiva, pasa a una defensiva y finalmente a una ofensiva.

Es además de esa relación que existe entre los antagonistas, relación que está plagada en todas las películas de Michael Mann, la que enriquece el film con ese factor humano que muchos blockbusters de acción pierden y quieren rellenar con balas, explosiones y persecusiones.

No es extraño ver en las películas del director a un antagonista tan importante como el protagonista, lo vimos en Heat, The Last of the Mohicans, en este caso Vincent es de una personalidad tan compleja, que podemos entender solamente la punta del iceberg.
Este personaje tiene una cierta visión de un mundo individualista y nada solidario, en el que el dolor no se puede compartir y todos están tan preocupados por sus cosas que es imposible mirar al lado y ayudar al vecino. Somos insignificantes en este universo material, lleno de moléculas y granos de arena, en donde los sentimientos no tienen nada que hacer al lado de los sentimientos. Donde decir lo siento para acompañar el dolor, es una mentira formal y social.
No por nada la película se ambienta en Los Ángeles, esa ciudad tan desconectada socialmente, donde una persona muere sentada en el metro y recorre la ciudad cinco días sin que nadie se de cuenta que está muerta;, la quinta economía del mundo y no se conocen los unos a los otros. Ciudad donde confluyen personas de México, de Korea y tantos otros países que finalmente hacen más distante la relación de personas en esa ciudad.

La mejor secuencia de la película es aquella en la que un lobo pasa delante de Max y Vincent, representando un poco el carácter de Vincent, un lobo solitario en medio de la cacería.

Cabe resaltar el trabajo que realiza Michael Mann con el de sonido de sus películas, dándole ese sonido tan crudo a los disparos, pero especialmente por escuchar los pasos del lobo.

Para terminar este análisis, es imposible dejar de hablar del soundtrack, con canciones tan exactas para los sentimientos de los protagonistas. El rock mexicano de The Green Car Motel con "Destino de Abril" en el cambio de actitud de Max, "Spanish Key" , jazz de Miles Davis en la "improvisación" de Vincent y finalmente el "Requiem" de Antonio Pinto en el gran final, "The Shadow on the Sun" de Audioslave que tanto dice de la personalidad de Vincent en la ya mencionada escena de lobo.
Como mención honrosa está la versión coreana de "Ready, steady, Go" de Paul Oakenfold en la discoteca Fever.

Gran película de Michael Mann, que demuestra una vez más ser un director de dramas psicológicos, filosóficos y existencialista; que de películas de acción y balas.

Lo Mejor: La actuación de Foxx. Vincent. La fotografía.
Lo Malo: Que sea más recordada por su fotografía.

Drácula de Bram Stoker

2009-10-30T13:04:00.000-07:00

Bram Stoker's Dracula
(1992, Francis Ford Coppola)

"The blood is the life... and it shall be mine".

El año 1992 Francis Ford Coppola nos brinda la más brillante adaptación de un libro, esta vez no se trata de su obra maestra The Godfather o de alguna de sus secuelas, sino de una película que condensa 100 años de cine, una película que se niega a olvidar la tradición de hacer películas en celuloide con espejos, humo, dobles; tantos elementos que desaparecieron con el boom de los efectos digitales. Película que es una de mis favoritas debido a tener una belleza plástica sin igual, algunas actuaciones impecables, una banda sonora inolvidable y sobre todo un personaje ícono del cine: DRÁCULA.

A la edad de 12 años esta película marco mi visión del bien y del mal: ambos son relativos.

Empecemos por la historia, cuando uno lee el libro del cual esta y todas las películas del conde Drácula están inspiradas, encuentra un personaje totalmente diferente, enigmático, casi no aparece mucho, no tiene una motivación que lo saque de su Transilvania y es decepcionante.
La carga emocional es inexistente, y los "humanos mortales" son vistos con una lupa utópica, en la cual no tienen defectos, pero sí demasiadas virtudes. Para citar un ejemplo, luego que dos de los tres pretendientes de Lucy (Jack y Quincey) no obtienen reciprocidad en sus intenciones amorosas, mágicamente cambian sus intenciones hacia ella, de pretendiente a amigo en una fracción de microsegundo.

"I have crossed oceans of time to find you".

En cambio en la película, las relaciones humanas están mejor retratadas, hay una tensión sexual entre los tres pretendientes y Lucy. Pero lo más importante de todo es la relación entre Drácula y Mina, que no se hace ninguna mención en el libro, pero que aporta la carga emocional que era faltante en el libro, y también una motivación suficiente para Mina, Drácula y Jhonatan Harker.
Además en la película se trata al vampirismo como una enfermedad que tendría comparación al Sida, por la cual el virus se contagia por el acto sexual; como queda manifestado en el erotismo que tiene la película. Dejando de lado el "romanticismo" del abrazo.

Pasemos a otro de los logros de la película, la belleza plástica; excelente referente visual que se logra en la película debido a su tratamiento casi teatral, es decir, se construyeron sets para toda la película, ninguna escena fue filmada en locaciones reales o exteriores, con lo cual se podía contrlolar todo en la imaginería visual.

Pero esta belleza se ve opacada por los vestuarios, la diseñadora Eiko Ishioka, tuvo el trabajo de diseñar el excelente vestuario de todos los protagonistas, destacando en los diseños de vestuario de Drácula y sobre todo, esa emblemática armadura roja.

La edición de la película se realiza de una manera casi literaria, utiliza elementos de lenguaje cinematográfico como la contraposición, en la escena sangrienta de la muerte de Lucy junto con el matrimonio de Jhonatan y Mina; y el concatenado, cuando las heridas de mordedura se disuelven y pasan a ser los ojos de un lobo.

"I am the monster that breathing men would kill. I am Dracula".

Además los efectos especiales que se realizaron para la película fueron de la vieja escuela, se emplearon cuerdas, espejos, maquetas, modelos y todo lo necesario para que pareciera una película realizada en los inicios del cine. Notable la secuencia rodada con una cámara de esa época y cómo olvidar los juegos de sombras que se realizan en presencia de Drácula.

Para obtener la extraordinaria actuación de Gary Oldman, y que el grupo formado por Jhonatan, Quincey, Jack y Arthur parezcan amigos de incontables faenas, Coppola los reunió en su rancho y por dos semanas interactuaban y profundizaban más en sus personajes. Exploraban situaciones para sus personajes.
Solo así se logro dar vida a ese personaje tan complejo que es Vlad Draculea, debo confesar que aunque Fight Club sea mi película favorita, es este personaje con dimensiones y ángulos el que se lleva mi preferencia en personajes de cine. No es solamente una bestia chupa sangre, es un guerrero, un príncipe, un romántico enamorado, una bestia desenfrenada que condena la vida de otros a través de su placer y necesidad; pero también sufre, se lamenta, reflexiona.

Drácula no es una experiencia sólo visual, es también una experiencia sonora, además de sus efectos de sonido que inquietan el ambiente y lo hacen pesado en el castillo de Drácula; cabe resaltar por sobretodo la banda sonora de Wojciech Kilar, compositor polaco que le dio el preciso toque de gótico y tenebroso con clásico. Es una banda sonora que te inquieta y tranquiliza, te  angustia, enamora y finalmente te deja melancólico.

"I condemn you to living death. To eternal hunger for living blood".

 Lo que te hace sentir la banda sonora es el resumen de la experiencia que uno tiene al visionar Bram Stoker's Dracula una historia de amor gótica, violenta, sangrienta, melancólica, en la cual el bien y el mal se unen y distorsionan, la mejor película de vampiros existente sin lugar a discusión.

Lo Mejor: Todo lo mencionado arriba.

Lo Peor: Todas las películas de vamprios que vinieron después.

10 años desde FIGHT CLUB

2009-10-15T16:09:00.000-07:00

FIGHT CLUB ( David Fincher, 1999)

"I WANT YOU TO HIT ME AS HARD AS YOU CAN"

El director David Fincher, nos entrega una película en la cual el existencialismo, se nos revela en su máxima expresión: el aburrimiento de una persona común, mediocre; esas personas que trabajan de esclavos en oficinas, grifos, restaurantes, tiendas. Violencia, sexo y caos pasan a un segundo plano solamente para darle una importancia única a la filosofía y cuestionamiento propio, además de destrozar la ideología de la sociedad, destrozar el pensamiento religioso, destrozar el pensamiento familiar, en sí, destrozar todo vestigio de pensamiento no anarquico.

El fin del siglo pasado trajo consigo la película más representativa de los 90's, un retrato de esa generacion X que daba la bienvenida al nuevo siglo con un golpe al rostro y uno más fuerte a la mente.

Es paradójico hablar del 15 de Octubre como el décimo aniversario del estreno de Fight Club, porque el día de su estreno, no tuvo el impato que se esperaba, principalmente porque ese año se estreno The Matrix, en marzo y casi todas las peliculas estrenadas ese año estuvieron a su sombra en la cartelera de los cines. Inclusive, cuando uno busca críticas y comentarios de la película, es sorprendente la cantidad de personas que no la ha visto en el cine, la mayoría conoció a Fight Club por DVD, cable o el ya fallecido VHS.

Para ser sincero, Fight Club es mi película favorita, la he visto más veces que a cualquier otra película, pero con cada visionado no pierde nada, inclusive tiene detalles que enriquecen su esatuts de culto cada vez que se ve la película.

Ahora si, vayamos directo a las impresiones que tengo sobre Fight Club.

Desde los títulos de crédito con la música de los Dust Brothers se impone con un scratch a la típica banda sonora de orquesta, continuando con el protagonista con un arma dentro de la boca , el narrador, que con humor negro bien acido va dando muestras de su personalidad y mentalidad, esa personalidad tan frecuente que vive el hombre de 25 - 30 años cuando su existencialismo se ve enfrascado de preguntas a las cuales no tiene respuesta, la Televisión nos ha enseñado que al tener un hogar, muebles, y todo lo necesario para una versatil vida moderna seremos felices, pero no es así, y es justo ese el punto fundamental de la película, una anarquía total de los patrones de "felicidad" que nos han impuesto la publicidad y el marketing. Esa felicidad se obtiene al comprar, comprar, comprar.

Es a través del insomnio que el narrador demuestra su infelicidad, esa infelicidad ocasionada por la sociedad y nuestros padres, es algo horrible ver al narrador ir a esos grupos de autoayuda, porque solamente viendo el sufrimiento y la muerte tan cercana de esas personas es cuando el narrador se siente "vivo", pero cuando Marla Singer, con la misma intención que el narrador visita estos grupos, el narrador ya no se siente "vivo" al necesitar de Marla y no querer aceptarlo, se acerca a Marla para alejarse de ella, el narrador vuelve al insomnio y solo cuando el narrador pierde su maleta de ropa fina, mencionense marcas como A/X, DKNY, CK y además su departamento se convierte en un montón de escombros humeantes, es en ese momento de "ruina" que el narrador empieza a tener un sentido en la vida.

"Yo digo, nunca estés completo, deja de ser perfecto, yo digo evolucionemos, deja que las cosas caigan en su lugar".

Entonces, entra en escena, Tyler Durden, uno de los personajes icónicos del cine. Es tan intoxicante la personalidad de Tyler que la película toma un nuevo sentido, de grupos de autoayuda y existencialismo, la película se torna en una apología anarquista.

Tyler Durden podría ser cualquier persona, no es un "elegido", es por eso que una vez vista la película, Tyler Durden empieza a formar parte de nuestras vidas, nos quita la preocupación de ser perfectos, Tyler fue a la universidad, tiene trabajo, pero rompe todos los paradigmas mentales que cualquier persona tendría, es libre en todas las formas que nosotros no.

Tyler es consciente de que todos queremos ser estrellas de rock, actores, millonarios, pero no lo seremos y nos estamos dando cuenta de esto lentamente, por eso estamos muy pero muy encabronados.

Con dialogos y lineas tan pseudo filosoficas de parte de Tyler Durden, Fight Club se quedará grabada en la mente de todo aquel que la vea y le preste atención, esta película no te dará lecciones de vida, esta película te golpeará y preguntará si tienes vida.

Lamentablemente, estoy rompiendo la primera regla del club de la pelea, nadie habla del club de la pelea. Pues esta película ganó su estatus de culto de esa manera, alguien veía la película y la necesidad de contarle a los demás que has visto una película que ha borrado tus ideales y paradigmas, es totalmente incontenible no hablar sobre ello. Son 10 años desde que la película fue proyectada con la luz de un proyector en un ecran, pero no se siente, su mensaje se mantiene tan actual, los problemas que se exponen son los mismos y serán los mismos en mucho tiempo.

El club de la pelea trata de golpearse unos a otros, sin ganadores ni perdedores, disfrutar el hecho de sentir dolor físico, conocer de qué eres capaz y de qué estas hecho, perder todas las esperanzas y ser libre de verdad.

La violencia en la película es algo de lo cual se ha hablado mucho, pero no es por la violencia física, a lo que le temen realmente es a la violencia filosófica, psicológica.

La película es un asalto a los conceptos que la sociedad, la familia, el marketing, las empresas, el gobierno y un largo etcétecera nos quieren meter en la cabeza, la película nos fuerza a pensar de manera propia, al fin y al cabo tendremos una respuesta a la gran pregunta de nuestras vidas, no interesa que la respuesta sea correcta.

Cuando uno termina de ver Fight Club, se queda mudo, media hora después no puede parar de hablar de ella y las ideas de la película te acompañarán todos los dias.

Si se dan cuenta, no hemos hablado de los actores de esta película, pues es la primera película que vi en la cual cada actor se fusiona con su personaje a tal punto de olvidarnos por completo que estamos viendo a Brad Pitt, Edward Norton y Helena Bonham Carter.

A manera de conclusión, luego de ver la película y tener tu mente impactada, estrujada y cambiada, luego de que Tyler Durden desaparece de nuestras vidas, el narrador y Marla tomados de la mano contemplan la destrucción financiera (que muchos vieron repetida el 11 de setiembre) es en ese momento que retumba por los parlantes una de las mejor canciones en un soundtrack de película, Where is my mind? de Pixies, canción que resume no solo la experiencia del narrador de la película, sino también nos pregunta a nosotros: ¿donde estaba tu mente?.

Película totalmente recomendable, no tiene pierde.

Lo mejor: Todo. El mensaje. Los actores. La imagen. El sonido.

Lo peor: Nada.

Pulp Fiction

2009-09-14T19:57:00.000-07:00

Pulp Fiction
(1994, Quentin Tarantino)

Para muchos no es sorpresa que hable de Quentin Tarantino, siendo uno de mis directores favoritos, pero es necesario hablar de Quentin al ser la persona que mejor ha contribuido a la reinvención del cine en los 90’s. Digo reinvención del cine, pues en Pulp Fiction vemos un collage de películas de diversos géneros, además de escenas, que van desde un asalto a un restaurante hasta una violación homosexual, escenas que en las manos equivocadas hubieran hecho una mala película de serie – B, que no sería nada nuevo; pero en manos de Tarantino, es un homenaje a Hitchcock, Godard, Scorsese, Kubrick, De Palma, Fuller entre otros; convirtiéndola en un gran evento cinematográfico.

Para poder empezar, tenemos que ponerle un género a Pulp Fiction, le caería bien Film Noir, pero generalmente un Noir nos presenta juegos de sombras, interiores oscuros, humo de cigarro y una narración. Podríamos considerarlo un Noir porque acompañamos en la película a un grupo de personas del bajo mundo, ese mundo lleno de drogas, matones, apuestas y peleas. Lo extraño de este asunto es que simpatizamos con estas personas, especialmente con Jules y Vicent, interpretados por Samuel L. Jackson y Jhon Travolta.

Quentin Tarantino dijo una vez que si él trabajase nuevamente en el Video Archives (una tienda de videos donde trabajó), pondría a sus películas en la sección de comedia, pues es cierto, Pulp Fiction tiene elementos de humor negro, ese humor corrosivo, humor que muchos no entienden, ese humor que nos hace reír en la escena en la que disparan a Marvin en la cara. (Vincent: Oh man, I shot Marvin in the face. Jules: Why the fuck did you do that! Vincent: Well, I didn't mean to do it, it was an accident!).

Podría ser también una película de Gangsters de esas que se hacían en los 50’s, pues Jules y Vincent, son matones que andan con sus ternos negros. Además nos presentan una violencia no gráfica, de manera rápida son explosiones de violencia las que se presentan en la película, nada escandaloso, son lo necesario para despertar, asustar, estremecer al espectador del cine casi clásico que nos presenta Tarantino.

Personajes

Ahora sí, continuemos con otro aspecto importante de la película, los personajes. Vincent Vega es un tipo al que le gusta la heroína, ha vivido en Ámsterdam, no ve TV y es hermano de Vic Vega el Mr. Blonde en Reservoir Dogs, primera película de Tarantino. (Jhon Travolta).

Jules Windfield es un matón que vive en Inglewood, parte de LA donde vive población de color, poseedor de un peinado afro al mejor estilo de los 70’s y tiene convicciones religiosas. (Samuel L. Jackson).

Mía Wallace es la femme fatal de la película, el fruto prohibido que está casada con Marcelus Wallace y una cocainómana para rematar. (Uma Thurman)

Marcelus Wallace es el jefe de Vincent y Jules, un tipo enorme que se sabe usar la “violencia medieval”. (Ving Rhames)

Butch Coolidge, un boxeador de peso que se vende en una pelea, tiene una sexy novia francesa. (Bruce Willis).

Hay muchos más personajes muy bien delineados en la fauna de esta película, como Pumpkin y Honey Bunny, que son los que nos introducen a la película.

Oscars

Jules y Vincent, son roles que revitalizaron las carreras de ambos actores; en el caso de Jackson lo convirtió en el actor de color más importante llegando a estar nominado al Oscar como mejor actor de reparto, como anécdota en la ceremonia del Oscar de ese año, cuando anunciaron al ganador y Jackson perdió, éste dijo ¡Maldita sea! en vez de la tradicional sonrisa y los aplausos para el ganador.

En el caso de Jhon Travolta, el que ya estaba siendo olvidado por sus películas pésimas en los 80’s, pasó a ser un actor versátil, puesto que siempre había interpretado a chicos buenos, cuando recibió el guión, al principio dudó un poco aceptar el papel al saber que Vincent consumía heroína. Travolta también fue nominado ese año como mejor actor principal, perdiendo ante Tom Hanks.
Uma Thurman, la musa de Tarantino, también fue nominada al Oscar como mejor actriz de reparto, Mia es esa mujer que inspiraría a cualquier mortal a ser no ser leal al jefe.

Como se habrán dado cuenta, el guión de Pulp Fiction es excelente, nos presenta un universo casi real, casi ficticio; pero al fin y al cabo es un universo enteramente cinematográfico y altamente habitado de cultura pop. Este guión con conversaciones tan delirantes, te hace olvidar que nos encontramos en el bajo mundo de Los Angeles y pareciera que estamos entre un gran grupo de amigos que se conocen de toda la vida y siempre con algo interesante que decir, este guión se hizo ganador del Oscar a mejor guión original, único galardón que ganó aquella noche, frente a los múltiples galardones de Forrest Gump, película sobrevalorada a mi opinión.

En el aspecto de la fotografía, Pulp Fiction podría considerarse una película de corte clásico, por las escenas y la manera en que está filmada, pero con tomas en primer plano de manos, tomas de la espalda de los protagonistas hasta una escena filmada desde la cajuela de un auto. Que se convirtió en la escena típica Tarantino, presente en todas sus películas.

En la edición, para las escenas de mayor carga emocional se utiliza la cámara al hombro para darle un aire de veracidad. En los momentos en que la película quiere tensionar, se utiliza una edición rápida, y en los momentos antes de esas explosiones de violencia, se hacen tomas largas; como la calma antes de la tormenta. La edición de la película estuvo nominada al Oscar también.

Esta película fue la que rompió con la cronología en las películas “actuales”, cosas que ya había hecho Kubrick, pero que ninguna otra película se había planteado a hacer. La “cronología” de Pulp Fiction es así: empieza por el final, luego el inicio, en la mitad el final, al fin lo del principio, ¿entienden no? Está demás decir que muchas, demasiadas películas copiaron hasta el hartazgo las ideas cinematográficas reinventadas de Pulp Fiction.
Escenas como: la sobredosis, Royale con queso, el twist, la violación, la historia del Cap. Koons, el tipo que sale del baño con el cañón de mano, el robo del café, te estremecerán, divertirán y fascinarán.

Ahora, mafiosos cool e ideas innovadoras cinematográficas no son lo mejor de esta película, tampoco lo es la violencia que explota cada cierto tiempo, algo que no muchas personas observan en el filme son los valores, que van desde la redención y el perdón, compañerismo, lealtad. Pero estos valores no están puestos de manera gratuita, no vemos a Butch llorando por haber matado a su contrincante en una pelea de box, tampoco lo vemos conmocionado de haber matado a un mafioso. En una escena Butch escapa un momento, pero toma la decisión de no dejar atrás a un hombre al cual él le jugó mal. Otra escena en la cual Jules decide dejar la “vida” de mafioso para ayudar personas, recorrer la tierra.

Es por tooooda esta suma de cualidades que Pulp Fiction estuvo nominada al Oscar de mejor película y mejor director. Aunque no ganó el Oscar, Pulp Fiction se llevó la Palme D’Or en el festival de Cannes y con gran razón.

Como punto final está su banda sonora, que nos invita más de una vez a tararear, llevar el ritmo y hasta cantar. Con canciones de Kool and the Gang, Dick Dale, Chuck Berry, esta película posee la escena de baile más famosa de la historia del cine, el twist en el Jack Rubbit’s Slim, entre Mía y Vincent.

Pulp Fiction es una de las películas que más se habla, más se imita, más se hace homenaje. Cada vez que uno vuelve a ver Pulp Fiction, uno siente que visita a un grupo de viejos amigos.
Altamente recomendable.

Lo mejor: Todo lo que está en el post.
Lo peor: Que no ganó los Oscar que merecía.
PD: Blog dedicado a una vecina de Blogósfera, Gine a la cual no le gusta mucho esta película.
Pueden visitarla en su blog Project Mayhem.

Scream Awards para Dummies

2009-09-13T14:58:00.000-07:00

SCREAM AWARDS
para dummies.

¿Alguna vez han escuchado el premio a la película con el GRITO MÁXIMO, la MUTILACIÓN MÁS GLORIOSA, o la escena que te hace CAER DEL ASIENTO, MALDITA SEA?

Para aquellos freaks and geeks que no tienen otro lugar donde celebrar a sus héroes y villanos, nació el SCREAM AWARDS, una ceremonia en la que hacen una estrella inmortal del rock a Ozzy Osbourne, en el escenario rockean juntos Alice Cooper, Rob Zombie y Slash, superhéroes entregan premios a supervillanos. Para calentar los premios, decapitan a Alice Cooper, también se hace una escena de descuartización en vivo en el escenario, ya se harán la idea. En vez de entregar un hombre espacial, un balde de popcorn o un caballero dorado, se entrega una estaca de regular tamaño. Como deguste final, imagínense la típica alfombra roja que recorren las estrellas, ahora cámbienla por una alfombra negra, ¿brutal cierto?

El director y elenco de The Dark Knight reciben el premio al Ultimate Scream. Un murciélago en llamas los recibe en el escenario.

¿Qué hace tan especial a esta entrega de premios?

(Ozzy Osbourne con su "estaca")

Para empezar, la ceremonia de premios organizada por MTV no te ofrece la opción de votar por tus películas favoritas en las diferentes categorías, además, no siempre queremos ver las mismas caras entregando premios y recibiendo premios, de lo que parece ser más un desfile de modas que una entrega de premios cinematográficos.
Scream Awards tampoco es el Oscar, lo que quiere decir que en la entrega del Oscar, la mayoría de las nominadas son películas desconocidas para el público mayoritario, e inclusive, aunque se conozca algo de las películas nominadas, muchas no se estrenaron en Perú antes de la ceremonia del Oscar.

Scream Awards no premia la celebridad de las películas, o de sus actores, como es en el caso de los premios de MTV, es interesante que haya títulos como A History of Violence, Grindhouse, Children of Men, The Prestige, El Laberinto del Fauno, The Dark Knight, Funny Games, Southland Tales, The Curious Case of Benjamin Button, entre los nominados de las diversas categorías.

¿Tiene algo de malo este paraíso de Freaks & Geeks?

Pues, al ser un voto democrático, no siempre gana el mejor; algunos casos en los que la popularidad ha sobrepasado el buen arte cinematográfico, bajan un poco la calidad de la entrega.
Errores como: (en negrita las películas ganadoras, que son inferiores a la otra).

Pirattes of the Caribbean: Dead Man’s Chest VS Batman Begins
X-Men the Last Stand VS A History of Violence
300 VS El Laberinto del Fauno
28 Weeks Later VS Grindhouse o The Host
Transformers VS Children of Men o The Prestige
Hellboy 2 VS The Dark Knight.

Un punto a favor de la ceremonia es la aparición de ciertos de estrellas no tan “serias” como las que salen en la entrega del Oscar, y no tan “comerciales” como las que salen en los MTV Movie Awards, aquí vemos a personas del calibre de Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, Marilyn Manson, Gerard Way, Rob Zombie, Frank Miller, Stan Winston, Slash, Christopher Nolan; pero todos ellos contagiados por la emoción de cientos de fans congregados, aplaudiendo sus obras.

Grindhouse gana por mejor descuartizamiento. Quentin Tarantino y Robert Rodriguez

Bestias del comic. Frank Miller y Stan Lee.

Lo único que me queda por decirles es que no dejen de votar y ver a los ganadores de esta ceremonia, que se transmite por TV en la fecha más gótica del año, Halloween, en Perú quizás la podamos ver por TNT, que ha transmitido la ceremonia por dos años consecutivos.

Si quieren votar por sus películas favoritas, les dejo el link.
http://www.spike.com/event/scream2009/page/vote/category/33663

Una de las joyas de la que hablo se encuentra en el youtube:
http://www.youtube.com/watch?v=8GcHyapwbYw

Funny Games

2009-09-06T16:05:00.003-07:00

Funny Games U.S.

(2007, Michael Haneke)

Intentaré decir algo que aún no se haya dicho sobre esta excelente película de Haneke, pero de todas maneras tengo que hablar sobre esta película que tuve la suerte de ver en un Cineplanet, (aunque para ser sinceros ya había leído y visto esta película en DVD, el mismo año 2007). Cineplanet cadena como cualquier otra difícilmente deja más de una semana a películas de este calibre, pero por buena suerte la dejaron dos semanas, con un título de lo más horrible y escandaloso: Juegos Macabros, cuando la película es todo lo contrario, incluso hubo algunas personas por ahí que creyeron que era una más de Saw, sin saber que precisamente Haneke allá por el año 1997 quería criticar a la violencia en las películas, y en la televisión, porque ver a personas morir rápidamente, sin sufrimiento, le quita la “importancia de la diversión”. Haneke en 1997 vio noticias en las cuales personas jóvenes y adineradas torturaban personas, y encontró en esta película un vehículo para dar a conocer su opinión sobre la violencia, pero no la de los asesinos, si no la de los espectadores.

No he visto la original de 1997 hecha en Austria, lugar donde Haneke se siente mejor y dirige mejor, según sus propias palabras. Funny Games comienza con una típica familia nuclear de tres integrantes (Naomi Watts como la mamá y Tim Roth como el padre), yendo hacia sus vacaciones de verano, una familia con dinero y culta que están en medio de un juego de reconocer piezas de música académica cuando de pronto irrumpe un metal pesadísimo y el título en letras rojas, color de la carne viva, sobrepuesta en la toma de la familia feliz.

Lo que viene a continuación puede resultarte fascinante, pero si esperas ojos quemándose, piernas volando y tripas por doquier, que cualquier película muestra ahora, puede aburrirte.

Iré directamente a los puntos por los cuales esta película destacará sobre cualquier otra película de “terror” u “horror” conocida hasta hoy.

Lo que Haneke hace rompiendo la cuarta barrera, es que uno como espectador sepa que es parte de la película, porque Paul (Michael Pitt) sabe que estamos ahí, atentos a sus “juegos divertidos”, esperando conocer el motivo, cuando no existe motivo alguno para que ellos torturen a las personas, no es necesario creerse que todos los asesinos son vengativos, metódicos, en esta película ellos asesinan para que nosotros los veamos, para divertirnos.

Las dos veces que fui al cine me impresionó que las personas reaccionaran de diferente manera, algunas buscaban la respuesta fácil, comentarios como : "están locos", pero estos personajes son personas cultas, con excelentes modales, cuando un loco es una persona que tiene dificultades mentales. Entonces ¿quién está loco de verdad? Es lo que Haneke quería decir, si estas personas no tienen una razón para torturar a una familia hasta la muerte, ¿cuál es nuestra razón para ver algo así?

Haneke logra su cometido, logra demostrar que estamos viendo la violencia de manera muy irreal en el cine, cuando vemos sufrir a ese grupo de personas, ¿está bien? Si por el contrario se supone que la oscuridad, esa gran pantalla, el director y la audiencia estamos en un acuerdo de aceptar lo que estamos viendo por real, si lo vemos ¿es real no?, es lo que se preguntan Peter y Paul por el final de la película.

Es muy interesante la relación de real e irreal que tiene la película, por momentos nos hace recordar que lo que vemos es tan solo una película, Paul sabe que los estamos viendo torturar a esas personas. Incluso las conversaciones que tienen ellos, discuten lo real e irreal de ver algo.

Haneke critica a la violencia en los medios, incluso me parece que pone a la TV como elemento que desensibiliza a la sociedad, en la escena que Paul (Bradey Corbet) enciende la TV, descansando de los juegos, esperando por Peter.

Haneke llama a todos los directores enseñándoles que no tienen que mostrar la violencia para hacerla creíble, la violencia en Funny Games, se escucha, sucede ahí, es tan real que no la vemos, para Haneke mostrar la violencia no es interesante, en si lo interesante es que nos hace sentir la violencia y sus consecuencias; como en la notable secuencia en la que Peter mata al pequeño George y toda la pared está llena de sangre, su cuerpo tirado en el piso está haciendo un charco de sangre, y su madre no puede ver el horrible cuadro que está viviendo, secuencia larga y sofocante que nos tiene con los ojos pegados a la toma por más de 10 minutos creo, creando una tensión horrible. Es más violento soportar las consecuencias de la violencia que la violencia en sí.

Ahora llego a la parte más interesante de la película la secuencia del control remoto, la mano suprema sobre la película, la parte en la cual Haneke nos hace caer en ridículo, la reacción que tuvo el público en el cine donde estuve fue que empezaron a silbar porque pensaron que el rollo estaba mal, que el sonido estaba mal, y cuando el rollo se detiene y avanza hacia delante nuevamente, se rieron, algunos se fueron. Algunos se molestaron y dijeron eso no vale. ¿Estamos tan acostumbrados a ese plot en el cual el “héroe” se salva al final? Tan desesperadamente todos querían encontrar una respuesta fácil a la escena del control remoto. Irónicamente es la única escena en la cual vemos la violencia en pantalla. Paul toma el control y rebobina la película, porque nunca debimos ver eso, ¿porque queremos ver violencia que engendra violencia?, ¿cuando es por defendernos es aceptable la violencia?.

Finalmente cuando ya hemos sido cómplices por ver esta película del lado de los asesinos, y sabemos lo que harán al final, la película cierra con la canción metalera, las letras rojas y ahora la cara de Peter, viéndonos y riéndose de algunos espectadores, gozando con otros.

Así tengo que admitir que Funny Games no es una película para todos los gustos, después de 10 años de la primera llamada de atención de Haneke desde Austria, y justamente a partir de esos años el terror y el gore se apoderó de los cines con franquicias millonarias al rededor del mundo, pero Haneke hace la misma película, es lo único que tiene que decir sobre la violencia. Como dato final, Michael Haneke, ganó la Palme D`Or en Cannes este año, con su película Das Weisse Band Si vimos Funny Games, tengo la esperanza de que Das Weisse Band llegue al Perú.

Lo Mejor: Las veces que Peter habla a la pantalla y la escena del control remoto.
Lo Peor: Nada. No entender el propósito de la película.