Crash

CRASH
(1996, David Cronenberg)

David Croneberg nos presenta su película más hermética, porque la atmósfera es incómoda, los personajes son totalmente extraños, uno no se llega a identificar con ninguno de los personajes, solamente estamos de espectadores ante lo que nos muestra el director.

Desde los titulos iniciales Crash nos envuelve de una cierta incomodidad, debido en primer lugar a la música compuesta por Howard Shore, luego por esas letras "metálicas" que cuando se acercan más se aprecian torcidas, chocadas. Cronenberg siempre imprime la estética de sus películas desde el título, pero Crash tiene el mejor diseño de títulos de todos sus films.

Es difícil hablar de Crash sin explicar algunas escenas de manera explícita, trataré de hacerlo sin soltar spoilers.

James Balard (James Spader) y su esposa Catherine (Deborah Kara Unger) son una pareja de lo más anormal, tienen relaciones sexuales extramatrimoniales, y solamente tienen placer sexual al contarse estas infidelidades, es por ello que sus encuentros sexuales son planos, insípidos e interminables. Además Catherine tiene un fetiche con el metal en sus relaciones sexuales.


Luego de sufrir un accidente de tránsito, Ballard conoce a Helen (Holly Hunter), la esposa del desafortunado conductor que muere tras el choque.
De la conexión existente entre Ballard y Helen desde el choque, entra en escena el personaje más "Cronenberg" de la película, Vaughan (Elias Koteas).

Aunque ya habíamos visto a Vaughan anteriormente, es en la escena del choque "James Dean" cuando nos vemos atraídos por su magnética personalidad. Magnética, porque Vaughan es el hombre máquina, tan lleno de cicatrices originadas en choques automovilísticos.
En palabras de Gabrielle (Rossana Arquete), Vaughan hace que todo parezca un crimen, y así es efectivamente.


Algo que hace demasiado interesante la película y un sello distintivo de Cronenberg son esos detalles de realismo en la película de los cuales hablaremos a medida que comento algunas escenas. Al ver Crash, me parece que propone al sexo como ese transmisor de psicopatologías, es decir esas conductas y fetiches, se van "contagiando" de un personaje a otro, a través de relaciones sexuales en autos y en choques.


Vaughan hace referencia que su proyecto se trata sobre esa psicopatología benévola, en la cual queda demostrado que un accidente de tránsito es un evento fecundante y no destructivo porque solamente ante un acto de tal magnitud se produce una liberación de energía sexual que canaliza la sexualidad de los que mueren. Vivir esa experiencia de vida y muerte es lo que todos buscan en la película, y transmitir esa sensación con sexo dentro de autos chocados.


Quiero hacer especial comentario de algunas escenas de la película.

El choque en el que muere el esposo de Helen Remington tiene una esencia de realismo al estar filmado sin cámara lenta, dejando en ambos carros una mezcla de sangre, aceite y fluidos corporales. Luego del choque y de estar algún tiempo atontados, Helen se saca el cinturón de seguridad y muestra un seno involuntariamente, creando un ambiente de tensión sexual y esa conexión entre James y Helen, debido a la energía sexual canalizada en el choque.


Luego de que James, Helen y Vaughan hayan presenciado el choque "Jayne Mansfield", se dirigen hacia un car wash, para limpiar unas manchas de sangre del auto de Vaughan (que se asemeja a una cama con ruedas). Es en este recinto que se da la relación sexual más realista, seca y cruda; debido a que el director hace de Vaughan esa "máquina" que no tiene relaciones sexuales, sino que comete un acto parecido a un choque o un atropellamiento. Dejando a Helen con moretones, como víctima de un accidente, y a James como espectador del incidente. Ese elemento tan humano y realista de esta escena se debe a los fluidos corporales sexuales, excelente la toma de la mano de Helen llena de aquel líquido viscoso.


Finalmente la energía sexual contenida en el auto de Vaughan es tomada por Helen, Gabrielle, James y Catherine. En la escena final, después de que James ocasione un accidente para Catherine con el auto de Vaughan, ambos tirados en el pasto se lamentan de no haber quedado más marcados y no sentir esa energía sexual en el aire, frustrados de no sentirse vivos al estar tan cerca de la muerte.



Como dicta su trailer, Crash es dolor, placer, obsesión, satisfacción y clímax sexual.
Crash es una de las mejores películas de Cronenberg, elegida como la mejor del 96 por Cahiérs du Cinema, ganadora del premio especial del jurado en Cannes por ser atrevida, audaz y original.


Lo Mejor: La escena en el car wash. Su hermetismo.
Lo Peor: Que Paul Haggis haya utilizado el mismo nombre para su película.

Last Days

Gus Van Sant's Last Days
(2004, Gus Van Sant)


Gus Van Sant es un director independiente que ha reinventado su carrera, realizando películas comerciales y otras totalmente artísticas, ha podido sobrevivir como exponente del cine de calidad en EE.UU. pero es en su lado independiente donde se permite ser arriesgado, experimental.


Por experimental me refiero a continuidad fracturada, tiempo inexistente, tomas largas, cámaras fijas, surrealismo, filmación tipo documental, etc.
En Last Days vemos esa toma que acompaña al protagonista desde la espalda, toma que está presente en todas las películas de la tetralogía sobre la muerte de Van Sant (Gerry, Elephant, Last Days, Paranoid Park), toma en la que apreciamos sus momentos de inspiración, entre los bosques, murmurando palabras, frases y oraciones (como en sus canciones), pero también su odio a sí mismo, su desapego de la realidad, su gran talento musical, su soledad en una casa llena.



Last Days de Gus Van Sant es la mejor película que he visto sobre la vida de un músico. Lejos de aquellas películas en las que se muestra un poco de logro, un poco de derrota, algo de drama y mucha pero mucha música, Last Days deja de lado a Nirvana, para enfocarse en Cobain.
En esta película no escucharemos ninguna canción de Nirvana, sino se muestra al verdadero Cobain que odia su fama, que se detesta a sí mismo por ser un cliché del rock (drogadictos ricos); pareciese que Van Sant hizo la película para Cobain y no para sus fans como se cree en un principio.


Me gusta Nirvana, y quizás hubiese sido demasiado fácil y complaciente hacer una película tipo video musical, con influencias a Smells Like Teen Spirit por ahí y un poco de Heart Shaped Box por allá, con Come as you Are e In Bloom en la banda sonora.
Incluso al ser Cobain el abanderado de la generación X, hubiera sido fácil ponerle muchas manías anárquicas para hacerlo el ideal de la cultura grunge, pero no es así; es algo difícil ver Last Days, su estructura temporal fracturada parece sacada de alguna estrofa de las que vemos murmurar a "Blake" (nombre que tiene el personaje que representa a Cobain), esta estructura también se hace presente en las disonancias que vamos escuchando en el film, que se van acomodando en la cabeza de Cobain, que van dándole forma a su música y a la película.

Las mejores escenas de la película:

La primera escena tiene la camara viendo a Cobain por la ventana, tocando de la guitarra, la bateria, el bajo; cantando, armando todo en su cabeza, y nosotros de testigos, del genio de un gran autor que se va difuminando, perdiéndose en una casa tan grande, perdiéndose en el bosque. Alejándose de las personas, acercándose a la música. Dando su música, aquello que verdaderamente disfruta, a los árboles. Para calmar su angustia, soledad, dolor.


La segunda escena es la de la muerte de Cobain, vemos el alma salir del cuerpo y escalar la puerta de madera. Arte y genialidad en su máxima expresión.



Mención especial merece la escena en la que los 3 jóvenes que escapan de la muerte de Cobain, llenos de angustia y preocupación, en la que la muerte del ídolo los deja sin esperanzas, sin norte. Pero también los deja con un legado musical, para calmar esa angustia; así el carro se aleja del cuerpo inerte de Cobain, pero la guitarra sigue sonando.



Excelente Michael Pitt, uno de los mejores actores independientes que ya tiene en su haber películas con Van Sant, Haneke y Bertolucci. El parecido de Pitt es tal con Cobain que se creyó que el poster de la película era una foto de Cobain. Pitt se metió tanto en el papel de Kurt que compuso la canción que improvisa en la película, canción llamada "Fetus" quizás en alusión al In Utero.


Finalmente como en todas las películas de la tetralogía de la muerte, la imagen tiene tanta importancia como el sonido, con disonancias, bandas sonoras "antológicas", y sonidos que nos llevan dentro de la mente y los sentimientos de los protagonistas.
Todas las películas de esta colección de visiones sobre la muerte tienen la estructura del tiempo deconstruida, debido a que en presencia de la muerte, el tiempo se ralentiza, repite, se hace interminable, insoportable.

Gus Van Sant es gay, lo cual no es un aspecto negativo en su filmografía, por el contrario le dota de una sensibilidad para tratar instancias dolorosas en la vida de los jóvenes y adolescentes, que son los protagonistas de la filmografía de Van Sant, al terminar de ver Last Days, la angustia de Cobain por odiar lo que todos tanto amaban, se refleja en un homenaje justo a su persona, una película alejada de todo lo que él odiaba. Con justa razón el final dice:
In Memoriam Kurt Cobain.



Lo mejor: Michael Pitt, la fotografía y el tiempo.
Lo malo: Puede cansar y aburrir a ojos no entrenados cinematográficamente.

Collateral

Collateral
(2004, Michael Mann)

Michael Mann realiza el primer blockbuster filmado en video digital de alta deficinión (HD), con el afán de retratar la noche con mayor veracidad, porque, a diferencia de las "clásicas" cámaras que filman en celuloide (que se utilizaron para algunas secuencias iluminadas en interiores), las cámaras digitales de HD necesitan menos cantidad de luz para filmar, debido a sus sensores alta sensibilidad filman con mayor detalle en escenarios oscuros. Esto hace que la noche tenga más cromatismo, y se den nuevas texturas en la imagen, así ahora la imagen se llena de "grano digital" en vez del grano generado por la reacción química del proceso de revelado fílmico.
Esta particular fotografía convierte a la ciudad en un personaje más, dándole vida a la noche.

Pero además de este tratamiento en la fotografía de la película, lo más importante es la filosofía y psicología que se pone en práctica dentro de las cuatro puertas del taxi conducido por Max (interpretado por Jammie Foxx, nominado al Oscar como mejor actor de reparto), es en este espacio donde se confrontan las maneras de pensar tanto del conductor como de su pasajero, Vincent (interpretado por el Tom Cruise en su fase de actor y no de estrella), lo cual demuestra la complejidad del director Michael Mann, quien no sólo realiza películas de acción y balas, sino que dota a sus películas de una capa más profunda, que hace posible darle siempre una nueva lectura a sus obras.


Esta película tiene como temas centrales la coincidencia cósmica y el existencialismo. El primer tema se resume de la siguiente manera: si solamente una cosa hubiese ocurrido de otra manera, toda la experiencia de Max, Vincent y Annie sería diferente.

El segundo tema es un poco más complejo, porque se refleja poco a poco con la personalidad de cada personaje y su psicología.

Max es una persona que no toma riesgos, ha aprendido las lecciones de manera dura tiene un gran respeto por la vida, pero esta personalidad va cambiando en cuanto más se relaciona con Vincent, este personaje tan simple a primera vista es el que "evoluciona" en la película. Se adapta a su ambiente, en este caso, a Vincent. De una posición pasiva, pasa a una defensiva y finalmente a una ofensiva.


Es además de esa relación que existe entre los antagonistas, relación que está plagada en todas las películas de Michael Mann, la que enriquece el film con ese factor humano que muchos blockbusters de acción pierden y quieren rellenar con balas, explosiones y persecusiones.

No es extraño ver en las películas del director a un antagonista tan importante como el protagonista, lo vimos en Heat, The Last of the Mohicans, en este caso Vincent es de una personalidad tan compleja, que podemos entender solamente la punta del iceberg.
Este personaje tiene una cierta visión de un mundo individualista y nada solidario, en el que el dolor no se puede compartir y todos están tan preocupados por sus cosas que es imposible mirar al lado y ayudar al vecino. Somos insignificantes en este universo material, lleno de moléculas y granos de arena, en donde los sentimientos no tienen nada que hacer al lado de los sentimientos. Donde decir lo siento para acompañar el dolor, es una mentira formal y social.
No por nada la película se ambienta en Los Ángeles, esa ciudad tan desconectada socialmente, donde una persona muere sentada en el metro y recorre la ciudad cinco días sin que nadie se de cuenta que está muerta;, la quinta economía del mundo y no se conocen los unos a los otros. Ciudad donde confluyen personas de México, de Korea y tantos otros países que finalmente hacen más distante la relación de personas en esa ciudad.



La mejor secuencia de la película es aquella en la que un lobo pasa delante de Max y Vincent, representando un poco el carácter de Vincent, un lobo solitario en medio de la cacería.


Cabe resaltar el trabajo que realiza Michael Mann con el de sonido de sus películas, dándole ese sonido tan crudo a los disparos, pero especialmente por escuchar los pasos del lobo.

Para terminar este análisis, es imposible dejar de hablar del soundtrack, con canciones tan exactas para los sentimientos de los protagonistas. El rock mexicano de The Green Car Motel con "Destino de Abril" en el cambio de actitud de Max, "Spanish Key" , jazz de Miles Davis en la "improvisación" de Vincent y finalmente el "Requiem" de Antonio Pinto en el gran final, "The Shadow on the Sun" de Audioslave que tanto dice de la personalidad de Vincent en la ya mencionada escena de lobo.
Como mención honrosa está la versión coreana de "Ready, steady, Go" de Paul Oakenfold en la discoteca Fever.

Gran película de Michael Mann, que demuestra una vez más ser un director de dramas psicológicos, filosóficos y existencialista; que de películas de acción y balas.

Lo Mejor: La actuación de Foxx. Vincent. La fotografía.
Lo Malo: Que sea más recordada por su fotografía.