martes, 15 de diciembre de 2009

The Rocky Horror Picture Show

The Rocky Horror Picture Show
(1975, Jim Sharman)



La película de culto por excelencia, con una trama casi inexistente, un actor principal con un carisma y líbido que no deja despegar los ojos de la película y finalmente las canciones más pegadizas de la historia del cine. Una mezcla de géneros entre: terror, ciencia ficción y musical.

Por si no lo he explicado aún, ¿Cómo reconocer una película de culto? Un blockbuster lo miran 1 millón de personas, una sola vez. Una película de culto la mira 1 persona 1 millón de veces.
Además estas personas se reúnen para "celebrar" estas películas.
Fight Club, Brazil, Taxi Driver, Eraserhead, The Evil Dead II, The Big Lebowski, Star Wars, Star Trek; y muchas más son películas de culto.


Pero ¿Por qué The Rocky Horror Picture Show es la más grande película de culto?
Pues, es la película que ha estado mayor tiempo en cartelera, porque desde su estreno, nunca ha salido de la cartelera, llevando hasta el momento la suma de 34 años en un número limitado de salas en funciones de medianoche, en cines de todo el mundo. A estas funciones uno acude con "utilería" para "participar" en la película: para la escena del matrimonio se tira arroz, para la escena de lluvia se llevan pistolas de agua, periódicos y paraguas; se lleva bocaditos para la escena de brindis y obviamente todos saltan de sus asientos en las escenas de baile.
Además los asitentes a estas funciones van vestidos como los personajes de la película.


Hablando de la película en sí, desde la aparición del logo de 20th Century Fox nos damos cuenta de algo inusual, la fanfarria de orquesta usual que se escucha en las películas de Fox cambia por una fanfarria con piano. El OST (Original Soundtrack) de esta película es gracioso, ingenioso y pegajoso; con títulos como "Dammit Janet", "The time warp", "Sweet Transvestite", "Touch-a, Touch-a, Touch me" las canciones hacen la función de hilo conductor del ritmo de la película.

Luego de los logos aparecen unos labios rojos en escena que cantan la canción del título "Science-Fiction/Double Feature", haciendo referencia a las películas de terror y ciencia ficción de los 50's y la serie B, a los que esta película hace homenaje.


Brad Majors y Janet Wiess asisten al matrimonio de unos amigos que conocieron en la universidad, luego de que Janet agarre el bouquet de la novia, Brad le propondrá matrimonio.

Deciden ir a darle la buena noticia sobre su compromiso a su ex-tutor de la universidad, el Dr. Everett Scott, en medio de su viaje se desata una feroz lluvia y se les revienta una llanta.
En busca de ayuda llegan al castillo del Dr. Frank-N-Furter (clara alusión a Frankenstein) .
Los recibe el sirviente Riff Raff y la doméstica Magenta, que los invitan pasar a la celebración de una ocasión muy especial para su amo. Así, asisten a un baile de los "Transilvanos".


Cuando Janet y Brad intentan salir del castillo hace su entrada Frank-N-Furter cantando "...I'm just a sweet transvestite from Transexual Transylvania ..." (Soy un dulce travesti de la Transilvania Transexual). Frank se perfila como el ser hedonístico por excelencia, solamente le preocupa el placer sexual.


Luego de esto, vemos la escena de la creación de Rocky Horror, un objeto sexual para la satisfacción de Frank, Rocky solamente tiene la mitad del cerebro de un ex amante de Frank llamado Eddie.


Con todos estos elementos se conjuga la joya de mayor culto en el mundo.
Aunque la trama sea de lo más sencilla, casi inexistente, el tema principal de la película es la liberación sexual, claramente ocasionada por el Transilvano Transexual Dr. Frank-N-Furter. Éste despierta el apetito sexual de sus ocasionales parejas, aunque no pueda satisfacer sus instintos con ninguno. Cosa que no fue muy bien vista en la época de su estreno.

Hay una excelente escena que puede explicar mejor esto, tiene un aura de inocencia y sensualidad. Además de estar filmada de manera ingeniosa:

Janet está en el cuarto que le asignan en el castillo de Frank y ve a alguien entrar por la puerta, es Brad que ha venido a ver cómo está, empieza a besarla y Janet se excita, toma del cabello a Brad y se queda con una peluca en la mano. Es Frank disfrazado de Brad, Janet al inicio se siente mal por tener relaciones con un extraño, además de ser virgen. Frank la excita de nuevo y Janet accede, Janet le pide que no le cuente nada a Brad y se deja llevar por la arrolladora sensualidad de Frank.


Pero no termina ahí, en el cuarto de Brad, Janet entra asustada por lo que pasa en aquel castillo, y se mete a la cama con Brad, Janet empieza a besar a Brad, éste le acaricia el cabello y se queda con una peluca en la mano, es Frank disfrazado de Janet, Brad se siente mal por no haberse dado cuenta que es Frank y por que Janet debe estar sola. Frank le besa el cuello y el pecho, Brad accede a la sensualidad de Frank pidiéndole que no le cuente nada a Janet.

Me queda concluir con los actores de esta película, destacando Tim Curry en el papel de Frank-N-Furter, siendo su debut en el cine. Este papel deseaba interpretarlo Mick Jagger. Además de una joven Susan Sarandon que desborda de inocencia su papel. Todos los actores cantaron las líneas que les tocaban a sus personajes, sin experiencia previa de ninguno en el canto.


Sin más que decir, recomiendo altamente el visionado de esta película de culto, pero según los que la han visto en las funciones de media noche, nada se puede comparar a la experiencia de "participar" en la película.

Lo Mejor: Frank-N-Furter
Lo Peor: No poder "participar" de una función.

martes, 8 de diciembre de 2009

The Royal Tenenbaums

The Royal Tenenbaums
(2001, Wes Anderson)




Cada vez que se habla de ese cine de autor, ese cine que tiene pretenciones artísticas y personales, en cada lista en la cual se mencione a directores independientes hallamos el nombre de Wes Anderson.
Por favor no confundir con Paul W.S. Anderson.

Alguna vez han sentido que se identifican con los personajes, o que estás viendo en la película algo que te ha pasado? Entonces estás viendo una película de Wes Anderson.
O quizás tomas demasiado cariño por algún personaje, pues en The Royal Tenenbaums, sentirás cariño por todos los personajes.

Es así que esta película se basa en las relaciones familiares de los Tenenbaum, una familia disfuncional de la cual los hijos fueron genios en la niñez pero fracasaron en algún momento debido a la decepción, perdida de alguien y finalmente: el amor. El padre, Royal Tenenbaum, es un mentiroso e infiel, que siempre hace las cosas por conveniencia, a Royal no le interesan sus hijos o su esposa. Etheline Tenenbaum se encargó de la crianza de los hijos, Richie, Chas y Margot.


Richie es un jugador profesional de tennis desde los 14 años. Es el que más confianza y amor le tiene a su padre, debido a un impacto emocional Richie se retira del tennis, Royal pierde mucho dinero en su último partido.


Chas es un genio para las finanzas. Debido a una traición de Royal en un juego en el cual ambos eran compañeros, se aleja de él. Chas demanda a su padre por dinero que tomó de una cuenta en la cual Royal era titular debido a que Chas era menor de edad. Pierde a su esposa en un accidente aéreo, del cual sobreviven sus hijos Ari, Uzi y su perro Buckley.


Margot es la hija adoptada, Royal siempre se lo recordaba cuando la presentaba: "Esta es mi hija adoptada Margot". Margot desarrolla su habilidad para escribir obras de teatro, en uno de sus cumpleaños los niños interpretan una de sus obras, a lo que Royal dice: "Son sólo un montón de niños vestidos como animales". Margot no puede acabar una obra desde entonces.


Además de los Tenenbaum encontramos a Eli Cash, mejor amigo de Richie desde la infancia. Es escritor de novelas sobre vaqueros, es drogadicto y amante de Margot. Atropella al perro de Chas.


Raleigh St. Clair, esposo de Margot. Es el esposo paciente que descubre que no conocía a la mujer con la que se casó.


Henry Sherman, pretendiente de Etheline. Entabla una relación de contrincante con Royal.


Todos los personajes y en especial la familia Tenenbaum se encuentran desconectados hasta que diversos motivos los hacen volver a la casa en la cual crecieron, esta situación se torna aún más dramática cuando Royal se muda al cuarto de Richie porque tiene cáncer. Es así que comienza esta odisea emocional de los protagonistas, por perdonar y ser perdonanos.

La película comienza con el mejor intro que he visto en una película, toda la historia de los Tenenbaum se condensa en los 7 minutos que dura este "epílogo", para cerrar con total gloria se escucha "Hey Jude", pero sobre el soundtrack hablaremos más adelante.

Entonces, continuemos con los actores que dan vida a los patriarcas:

Gene Hackman encarna al padre Tenenbaum, papel que le mereció el Globo de Oro, Hackman es el típico padre pendenciero que engaña a su esposa y queda bien con los niños, siempre le saca provecho a su familia, ya sea aprovechándose de sus talentos o sentimientos. Queda demostrado el talento de este gran actor, una vez más.


Anjelica Huston es la madre de esta familia (y de otras más en el universo Anderson), siempre con ese toque delicado, sensible; pero también inspira mucho respeto debido a su presencia.


Las películas de Wes Anderson también se pueden reconocer por su estilizada fotografía, escenarios y vestimenta de los personajes. Esta belleza plástica de sus películas las hacen inconfundibles, además de tener una serie de trademarks que lo hacen único:
Ralenties, travelings desde el perfil de un personaje, sacos azules, amarillos, rojos, paredes rosadas, una explosión de Technicolor y belleza (sobre todo) ante nuestros ojos.

Para hablar del soundtrack describiré una de las mejores escenas de la película.

Richie se escapa del hospital y entra a la casa por una ventana, va al ático donde está su tienda de campaña y encuentra adentro a Margot, apenada por lo que le ha ocurrido a Richie, éste entra y la ve hechada escuchando música, Richie se sienta y Margot le pide que le enseñe sus puntos, vemos unas suturas que nos congelan los nervios, Margot se siente mal por ello, Richie y Margot se declaran su amor finalmente y se besan. Ambos se hechan, Margot le pregunta si ha sido por ella, el responde que sí, pero que no es su culpa, y empieza a sonar Ruby Tuesday de los Rolling Stones ( Goodbye, Ruby Tuesday, Who could hang a name on you?, When you change with every new day, Still I'm gonna miss you... Don't question why she needs to be so free, She'll tell you it's the only way to be, She just can't be chained ...) Margot le dice que no intente suicidarse de nuevo, Richie responde que sí lo intentará, ella empieza a llorar porque su manera tan voluble de ser lastima tanto a Richie. Margot se aleja de Richie diciéndole que deberán mantener su amor en secreto.


El halcón de Richie, Mordecai, vuelve con más plumas blancas, ha cambiado, metafóricamente se introduce el tema principal de la película: el cambio, todos los Tenenbaum le tienen miedo al cambio, es por eso que parecen niños heridos en el cuerpo de adultos. Richie cambia totalmente su apariencia para finalmente poder decirle a Margot que la ama. Chas cambia su forma de ver a Royal, después de haber sido el hijo que más lo odiaba. Margot deja su tan conocido hermetismo y empieza a contar sus secretos (fuma desde los 12 años y nadie lo sabía). Royal cambia de ser un pendejo desinteresado por su familia a un padre amoroso y preocupado, un abuelo consentidor. Etheline se da una segunda oportunidad amorosa. etc.

Hay tantos detalles que se me escapan, solamente puedo recomendarles que vean esta excelente película de uno de los mejores directores de esta época.

Lo Mejor: El cast. Hacen sentir que son una familia de verdad.
Lo Peor: Que no dure más.

jueves, 12 de noviembre de 2009

Crash

CRASH
(1996, David Cronenberg)



David Croneberg nos presenta su película más hermética, porque la atmósfera es incómoda, los personajes son totalmente extraños, uno no se llega a identificar con ninguno de los personajes, solamente estamos de espectadores ante lo que nos muestra el director.

Desde los titulos iniciales Crash nos envuelve de una cierta incomodidad, debido en primer lugar a la música compuesta por Howard Shore, luego por esas letras "metálicas" que cuando se acercan más se aprecian torcidas, chocadas. Cronenberg siempre imprime la estética de sus películas desde el título, pero Crash tiene el mejor diseño de títulos de todos sus films.

Es difícil hablar de Crash sin explicar algunas escenas de manera explícita, trataré de hacerlo sin soltar spoilers.

James Balard (James Spader) y su esposa Catherine (Deborah Kara Unger) son una pareja de lo más anormal, tienen relaciones sexuales extramatrimoniales, y solamente tienen placer sexual al contarse estas infidelidades, es por ello que sus encuentros sexuales son planos, insípidos e interminables. Además Catherine tiene un fetiche con el metal en sus relaciones sexuales.


Luego de sufrir un accidente de tránsito, Ballard conoce a Helen (Holly Hunter), la esposa del desafortunado conductor que muere tras el choque.
De la conexión existente entre Ballard y Helen desde el choque, entra en escena el personaje más "Cronenberg" de la película, Vaughan (Elias Koteas).

Aunque ya habíamos visto a Vaughan anteriormente, es en la escena del choque "James Dean" cuando nos vemos atraídos por su magnética personalidad. Magnética, porque Vaughan es el hombre máquina, tan lleno de cicatrices originadas en choques automovilísticos.
En palabras de Gabrielle (Rossana Arquete), Vaughan hace que todo parezca un crimen, y así es efectivamente.


Algo que hace demasiado interesante la película y un sello distintivo de Cronenberg son esos detalles de realismo en la película de los cuales hablaremos a medida que comento algunas escenas. Al ver Crash, me parece que propone al sexo como ese transmisor de psicopatologías, es decir esas conductas y fetiches, se van "contagiando" de un personaje a otro, a través de relaciones sexuales en autos y en choques.


Vaughan hace referencia que su proyecto se trata sobre esa psicopatología benévola, en la cual queda demostrado que un accidente de tránsito es un evento fecundante y no destructivo porque solamente ante un acto de tal magnitud se produce una liberación de energía sexual que canaliza la sexualidad de los que mueren. Vivir esa experiencia de vida y muerte es lo que todos buscan en la película, y transmitir esa sensación con sexo dentro de autos chocados.


Quiero hacer especial comentario de algunas escenas de la película.

El choque en el que muere el esposo de Helen Remington tiene una esencia de realismo al estar filmado sin cámara lenta, dejando en ambos carros una mezcla de sangre, aceite y fluidos corporales. Luego del choque y de estar algún tiempo atontados, Helen se saca el cinturón de seguridad y muestra un seno involuntariamente, creando un ambiente de tensión sexual y esa conexión entre James y Helen, debido a la energía sexual canalizada en el choque.


Luego de que James, Helen y Vaughan hayan presenciado el choque "Jayne Mansfield", se dirigen hacia un car wash, para limpiar unas manchas de sangre del auto de Vaughan (que se asemeja a una cama con ruedas). Es en este recinto que se da la relación sexual más realista, seca y cruda; debido a que el director hace de Vaughan esa "máquina" que no tiene relaciones sexuales, sino que comete un acto parecido a un choque o un atropellamiento. Dejando a Helen con moretones, como víctima de un accidente, y a James como espectador del incidente. Ese elemento tan humano y realista de esta escena se debe a los fluidos corporales sexuales, excelente la toma de la mano de Helen llena de aquel líquido viscoso.


Finalmente la energía sexual contenida en el auto de Vaughan es tomada por Helen, Gabrielle, James y Catherine. En la escena final, después de que James ocasione un accidente para Catherine con el auto de Vaughan, ambos tirados en el pasto se lamentan de no haber quedado más marcados y no sentir esa energía sexual en el aire, frustrados de no sentirse vivos al estar tan cerca de la muerte.



Como dicta su trailer, Crash es dolor, placer, obsesión, satisfacción y clímax sexual.
Crash es una de las mejores películas de Cronenberg, elegida como la mejor del 96 por Cahiérs du Cinema, ganadora del premio especial del jurado en Cannes por ser atrevida, audaz y original.


Lo Mejor: La escena en el car wash. Su hermetismo.
Lo Peor: Que Paul Haggis haya utilizado el mismo nombre para su película.

domingo, 8 de noviembre de 2009

Last Days

Gus Van Sant's Last Days
(2004, Gus Van Sant)



Gus Van Sant es un director independiente que ha reinventado su carrera, realizando películas comerciales y otras totalmente artísticas, ha podido sobrevivir como exponente del cine de calidad en EE.UU. pero es en su lado independiente donde se permite ser arriesgado, experimental.


Por experimental me refiero a continuidad fracturada, tiempo inexistente, tomas largas, cámaras fijas, surrealismo, filmación tipo documental, etc.
En Last Days vemos esa toma que acompaña al protagonista desde la espalda, toma que está presente en todas las películas de la tetralogía sobre la muerte de Van Sant (Gerry, Elephant, Last Days, Paranoid Park), toma en la que apreciamos sus momentos de inspiración, entre los bosques, murmurando palabras, frases y oraciones (como en sus canciones), pero también su odio a sí mismo, su desapego de la realidad, su gran talento musical, su soledad en una casa llena.



Last Days de Gus Van Sant es la mejor película que he visto sobre la vida de un músico. Lejos de aquellas películas en las que se muestra un poco de logro, un poco de derrota, algo de drama y mucha pero mucha música, Last Days deja de lado a Nirvana, para enfocarse en Cobain.
En esta película no escucharemos ninguna canción de Nirvana, sino se muestra al verdadero Cobain que odia su fama, que se detesta a sí mismo por ser un cliché del rock (drogadictos ricos); pareciese que Van Sant hizo la película para Cobain y no para sus fans como se cree en un principio.


Me gusta Nirvana, y quizás hubiese sido demasiado fácil y complaciente hacer una película tipo video musical, con influencias a Smells Like Teen Spirit por ahí y un poco de Heart Shaped Box por allá, con Come as you Are e In Bloom en la banda sonora.
Incluso al ser Cobain el abanderado de la generación X, hubiera sido fácil ponerle muchas manías anárquicas para hacerlo el ideal de la cultura grunge, pero no es así; es algo difícil ver Last Days, su estructura temporal fracturada parece sacada de alguna estrofa de las que vemos murmurar a "Blake" (nombre que tiene el personaje que representa a Cobain), esta estructura también se hace presente en las disonancias que vamos escuchando en el film, que se van acomodando en la cabeza de Cobain, que van dándole forma a su música y a la película.

Las mejores escenas de la película:

La primera escena tiene la camara viendo a Cobain por la ventana, tocando de la guitarra, la bateria, el bajo; cantando, armando todo en su cabeza, y nosotros de testigos, del genio de un gran autor que se va difuminando, perdiéndose en una casa tan grande, perdiéndose en el bosque. Alejándose de las personas, acercándose a la música. Dando su música, aquello que verdaderamente disfruta, a los árboles. Para calmar su angustia, soledad, dolor.


La segunda escena es la de la muerte de Cobain, vemos el alma salir del cuerpo y escalar la puerta de madera. Arte y genialidad en su máxima expresión.



Mención especial merece la escena en la que los 3 jóvenes que escapan de la muerte de Cobain, llenos de angustia y preocupación, en la que la muerte del ídolo los deja sin esperanzas, sin norte. Pero también los deja con un legado musical, para calmar esa angustia; así el carro se aleja del cuerpo inerte de Cobain, pero la guitarra sigue sonando.



Excelente Michael Pitt, uno de los mejores actores independientes que ya tiene en su haber películas con Van Sant, Haneke y Bertolucci. El parecido de Pitt es tal con Cobain que se creyó que el poster de la película era una foto de Cobain. Pitt se metió tanto en el papel de Kurt que compuso la canción que improvisa en la película, canción llamada "Fetus" quizás en alusión al In Utero.


Finalmente como en todas las películas de la tetralogía de la muerte, la imagen tiene tanta importancia como el sonido, con disonancias, bandas sonoras "antológicas", y sonidos que nos llevan dentro de la mente y los sentimientos de los protagonistas.
Todas las películas de esta colección de visiones sobre la muerte tienen la estructura del tiempo deconstruida, debido a que en presencia de la muerte, el tiempo se ralentiza, repite, se hace interminable, insoportable.

Gus Van Sant es gay, lo cual no es un aspecto negativo en su filmografía, por el contrario le dota de una sensibilidad para tratar instancias dolorosas en la vida de los jóvenes y adolescentes, que son los protagonistas de la filmografía de Van Sant, al terminar de ver Last Days, la angustia de Cobain por odiar lo que todos tanto amaban, se refleja en un homenaje justo a su persona, una película alejada de todo lo que él odiaba. Con justa razón el final dice:
In Memoriam Kurt Cobain.



Lo mejor: Michael Pitt, la fotografía y el tiempo.
Lo malo: Puede cansar y aburrir a ojos no entrenados cinematográficamente.